La Orchestra Baobab nació en 1970 como banda residente de un club de elite en Dakar. Baro N'Diaye, saxofonista y su primer director, se encargó junto al bajista Sidathe Ly de escoger a los demás miembros entre músicos de distintas etnias y culturas. En aquellos años la capital de Senegal comenzaba a convertirse en una de las ciudades musicalmente más dinámicas e interesantes del planeta, repleta de músicos fusionando ritmos autóctonos con músicas e instrumentos occidentales. La música latina, especialmente cubana, estaba de moda en Dakar desde los años 50 del siglo XX gracias a los marineros que traían esas músicas de sus viajes. Posteriormente el régimen de Fidel Castro colaboró en la independencia de Guinea, Malí y Senegal, incrementándose esta relación. La Orchestra Baobab supo mezclar con acierto ritmos afro-cubanos y melodías portuguesas con la rumba congoleña y otros ritmos del África Occidental, logrando un gran éxito en todo el continente.
Este éxito duró hasta que su música pausada y cadenciosa fue arrasada por el huracán que supuso la llegada del mbalax de Youssou N’Dour. En un intento de ponerse al día la banda introdujo tambores sabar en su formación pero los cambios no resultaron y la banda acabó disolviéndose en 1987.
Según la tradición senegalesa cuando uno toma el nombre de algo acaba pareciéndose y así la Orchestra Baobab ha debido reunir algunas de las características del mítico árbol que le da nombre porque además de la longevidad ha revivido justo cuando su popularidad en Senegal se encontraba en su punto más bajo. Esta resurrección ha sido debida principalmente al inteligente productor Nick Gold y su sello World Circuit que reeditó en 1989 el disco “Pirate’s Choice”, inicialmente lanzado en 1982, y consiguió después de 15 años de silencio encontrar y convencer a todos los componente vivos de la Orchestra para reunirse y grabar en 2002 el disco “Specialist in all styles”. El éxito de estos discos llevó al grupo a volver a tocar en un club de moda de Dakar, a realizar conciertos en todo el mundo y a grabar en 2007 el disco “Made in Dakar” con nuevas y viejas canciones y que consiguió nuevamente un gran éxito en América y Europa. Estos nuevos discos han contado con la colaboración de Youssou N'Dour en un gesto entrañable ya que la irrupción de este genial músico había sido la causa indirecta del cambio en los gustos musicales que causó la disolución de la Orchestra Baobab.
lunes, 29 de diciembre de 2008
domingo, 21 de diciembre de 2008
THE SPECIALS: A message to you Rudy
En los años posteriores a la proclamación de la independencia de Jamaica en 1962 se produjo la emigración de muchos jóvenes hacia Gran Bretaña buscando empleo como obreros. Allí eran conocidos como rudeboys, tal como eran denominados en Jamaica los integrantes de las bandas surgidas en los zonas marginales de Kingston que tenían el ska como estilo propio. Al llegar a Europa esta música autóctona jamaicana se mezcló con el punk, que en aquellos momentos nacía en Gran Bretaña, para dar lugar a una variante del ska conocida como “2 tone” caracterizada por un sonido más rápido y enérgico que el original pero manteniendo su estilo alegre y bailable. Muchas de las canciones de la época fueron versiones nuevas de canciones clásicas del ska jamaicano.
Además de las características estrictamente musicales, este movimiento fue también importante política y socialmente ya que se caracterizó por su postura radicalmente antirracista, representada por la integración racial del público y de las propias bandas, en un momento en que se estaba produciendo el auge de la extrema derecha representada por el National Front.
The Specials nació en 1977 en Coventry con el nombre de Aka Specials, con el que editaron la canción “Gansters” que fue su primer éxito. Posteriormente el grupo pasó a denominarse The Specials al firmar con el sello Chrysalis y finalmente se separaron en 1981. Desde entonces se han reunido en ocasiones casi todos sus miembros fundadores e incluso se anuncia una gira para 2009. The Specials fueron los indiscutibles creadores y líderes del movimiento “2 tone” e incluso su teclista Jerry Dammers fundó el sello “Two tone” para divulgar las principales grabaciones de este estilo. Dammers fue uno de los miembros del grupo más activos políticamente contra el apartheid y fue unos de los organizadores del concierto en pro del aniversario de Nelson Mandela que se celebró en Londres en 1988, cuando todavía existía la segregación racial en Sudáfrica y Mandela se encontraba en prisión.
Además de las características estrictamente musicales, este movimiento fue también importante política y socialmente ya que se caracterizó por su postura radicalmente antirracista, representada por la integración racial del público y de las propias bandas, en un momento en que se estaba produciendo el auge de la extrema derecha representada por el National Front.
The Specials nació en 1977 en Coventry con el nombre de Aka Specials, con el que editaron la canción “Gansters” que fue su primer éxito. Posteriormente el grupo pasó a denominarse The Specials al firmar con el sello Chrysalis y finalmente se separaron en 1981. Desde entonces se han reunido en ocasiones casi todos sus miembros fundadores e incluso se anuncia una gira para 2009. The Specials fueron los indiscutibles creadores y líderes del movimiento “2 tone” e incluso su teclista Jerry Dammers fundó el sello “Two tone” para divulgar las principales grabaciones de este estilo. Dammers fue uno de los miembros del grupo más activos políticamente contra el apartheid y fue unos de los organizadores del concierto en pro del aniversario de Nelson Mandela que se celebró en Londres en 1988, cuando todavía existía la segregación racial en Sudáfrica y Mandela se encontraba en prisión.
sábado, 13 de diciembre de 2008
ILLAPU: Condorcanqui
Según la tradición familiar, José Gabriel Condorcanqui Noguera era descendiente de Tupac Amaru, el último inca ejecutado en Cusco en 1572. Fue cacique de Surimana, Tungasuca y Pampamarca durante el virreinato colonial de Perú, recibió por herencia de su familia propiedades y otras actividades económicas que le hicieron poseedor de una buena posición económica. Se trasladó con su familia a Cusco pero no fue aceptado por la alta sociedad de la ciudad formada por españoles y criollos a causa de sus rasgos indígenas. Sufrió la presión de las autoridades coloniales españolas para arrebatarle el monopolio del transporte de minerales por el Alto Perú, la obligación del trabajo obligado para todos los indígenas en las minas a favor de la Corona española y la expropiación de algunas de sus tierras. Ante estos excesos, Condorcanqui presentó una petición formal ante la Real Audiencia de Lima para que los indígenas fueran liberados del trabajo obligatorio que fue rechazada.
Finalmente, en 1780 estalló la rebelión indígena encabezada por el propio Condorcanqui, que ya había adoptado el nombre de Tupac Amaru II, y que en principio se limitaba a exigir cambios en la organización administrativa del Virreinato para frenar los abusos de los corregidores pero reconociendo la autoridad de la Corona española. Tras unos iniciales triunfos militares, Condorcanqui retiró las tropas rebeldes en espera de que los españoles accedieran a una solución negociada al conflicto. Por el contrario, los españoles se reorganizaron y reforzaron y acabaron derrotando a los rebeldes. Capturado Condorcanqui, fue obligado a presenciar la ejecución de sus aliados, sus amigos, su esposa y sus cuatro hijos. Luego le cortaron la lengua, se le intentó descuartizar vivo atando cada una de sus extremidades a sendos caballos, de manera infructuosa, por lo que finalmente se optó por decapitarlo y posteriormente despedazarlo. La derrota de Condorcanqui y la posterior represión a que dio lugar marcó el inicio de la emancipación del Perú y de la figura de Condorcanqui como precursor de la independencia.
Illapu, que en quechua significa “relámpago”, es un grupo chileno de folklore andino fundado en 1971 en Antofagasta. En sus primeros discos el grupo se caracterizaba por el rescate de instrumentos, melodías y líricas relacionadas con la cultura andina, como es el caso de la canción dedicada a Condorcanqui. El golpe de Estado de Augusto Pinochet les pilló de gira fuera de Chile y mediante un decreto se les impidió regresar acusándoles de activistas marxistas y de participar en la campaña de desprestigio de Chile en el exterior. El exilio duró 15 años hasta que regresaron en 1988 a tiempo para participar en la campaña a favor del No en el plebiscito convocado por la dictadura militar para perpetuar a Augusto Pinochet en el poder. El grupo continúa actualmente en activo aunque a causa de su larga trayectoria, de los problemas derivados de vivir en el exilio e incluso de algunos problemas personales, han pasado hasta 22 componentes por el grupo.
Finalmente, en 1780 estalló la rebelión indígena encabezada por el propio Condorcanqui, que ya había adoptado el nombre de Tupac Amaru II, y que en principio se limitaba a exigir cambios en la organización administrativa del Virreinato para frenar los abusos de los corregidores pero reconociendo la autoridad de la Corona española. Tras unos iniciales triunfos militares, Condorcanqui retiró las tropas rebeldes en espera de que los españoles accedieran a una solución negociada al conflicto. Por el contrario, los españoles se reorganizaron y reforzaron y acabaron derrotando a los rebeldes. Capturado Condorcanqui, fue obligado a presenciar la ejecución de sus aliados, sus amigos, su esposa y sus cuatro hijos. Luego le cortaron la lengua, se le intentó descuartizar vivo atando cada una de sus extremidades a sendos caballos, de manera infructuosa, por lo que finalmente se optó por decapitarlo y posteriormente despedazarlo. La derrota de Condorcanqui y la posterior represión a que dio lugar marcó el inicio de la emancipación del Perú y de la figura de Condorcanqui como precursor de la independencia.
Illapu, que en quechua significa “relámpago”, es un grupo chileno de folklore andino fundado en 1971 en Antofagasta. En sus primeros discos el grupo se caracterizaba por el rescate de instrumentos, melodías y líricas relacionadas con la cultura andina, como es el caso de la canción dedicada a Condorcanqui. El golpe de Estado de Augusto Pinochet les pilló de gira fuera de Chile y mediante un decreto se les impidió regresar acusándoles de activistas marxistas y de participar en la campaña de desprestigio de Chile en el exterior. El exilio duró 15 años hasta que regresaron en 1988 a tiempo para participar en la campaña a favor del No en el plebiscito convocado por la dictadura militar para perpetuar a Augusto Pinochet en el poder. El grupo continúa actualmente en activo aunque a causa de su larga trayectoria, de los problemas derivados de vivir en el exilio e incluso de algunos problemas personales, han pasado hasta 22 componentes por el grupo.
sábado, 6 de diciembre de 2008
TINARIWEN: Chet Boghassa
Los tuareg emigraron al Sáhara desde Libia y Argelia durante la conquista árabe. La dureza del desierto les obligó a adoptar el carácter nómada que finalmente les ha caracterizado pero también les proporcionó otras formas de vida gracias al control que ejercían sobre las rutas comerciales que conectaban el Atlántico con el Mediterráneo o la explotación con esclavos negros de las abundantes minas de sal de la zona. Tras la colonización europea de África en el siglo XIX y la creación de fronteras artificiales que separaron su territorio natural en diversas naciones, los tuareg han sostenido luchas desesperadas para mantener su independencia de un poder que ellos nunca han reconocido, produciéndose diversas revueltas contra las autoridades nacidas tras la independencia de estos países que fueron brutalmente reprimidas por los respectivos gobiernos, especialmente en Malí.
En 1981, el coronel Gaddafi hizo una llamada a los rebeldes tuareg para que acudieran a los campos de entrenamiento que Libia puso a su disposición bajo la preparación de guerrilleros de la OLP y la CNA de Sudáfrica para formar el cuerpo de oficiales de la revolución tuareg. Los futuros Tinariwen formaron parte del primer grupo reclutado y además de la preparación militar tuvieron acceso por primera vez a músicas e instrumentos occidentales, guitarras y bajos eléctricos, que pasaron a constituir nuevos elementos en la música tradicional de su pueblo. Como grupo musical, Tinariwen nació en 1982, sus canciones grabadas en cassettes se divulgaron por todo el Sahara de mano o en mano o copiadas mil veces convirtiéndose en héroes revolucionarios y en el único medio de comunicación en un mundo sin periódicos, radio o televisión, prohibiéndose su música en Malí, Argelia y Níger.
En Malí, tras la caída del dictador Moussa Traoré se nombró un Consejo Nacional de Reconciliación, se invitó a participar a los tuareg en el nuevo gobierno, y finalmente, en 1996, se firmó el Pacto Nacional de Bamako que reconoció un estatuto especial para las regiones del norte de mayoría tuareg. Este acuerdo se materializó en la Hoguera por la Paz de Timbuktú, donde las guerrillas quemaron sus armas. Tinariwen continúa con su revolución exclusivamente musical en un festival anual que se celebra en las cercanías de Timbuktú, en pleno desierto, cada primera luna llena de enero desde el año 2001 a través del cual se han dado a conocer en todo el mundo. Desde entonces han editado varios CD con creciente éxito especialmente el hipnótico “Aman iman” (El agua es vida), grabado en Bamako con el productor inglés Justin Adams, en el que unen las músicas tradicionales de su pueblo tocadas con guitarras eléctricas, al legendario estilo de Ali Farka Touré.
En 1981, el coronel Gaddafi hizo una llamada a los rebeldes tuareg para que acudieran a los campos de entrenamiento que Libia puso a su disposición bajo la preparación de guerrilleros de la OLP y la CNA de Sudáfrica para formar el cuerpo de oficiales de la revolución tuareg. Los futuros Tinariwen formaron parte del primer grupo reclutado y además de la preparación militar tuvieron acceso por primera vez a músicas e instrumentos occidentales, guitarras y bajos eléctricos, que pasaron a constituir nuevos elementos en la música tradicional de su pueblo. Como grupo musical, Tinariwen nació en 1982, sus canciones grabadas en cassettes se divulgaron por todo el Sahara de mano o en mano o copiadas mil veces convirtiéndose en héroes revolucionarios y en el único medio de comunicación en un mundo sin periódicos, radio o televisión, prohibiéndose su música en Malí, Argelia y Níger.
En Malí, tras la caída del dictador Moussa Traoré se nombró un Consejo Nacional de Reconciliación, se invitó a participar a los tuareg en el nuevo gobierno, y finalmente, en 1996, se firmó el Pacto Nacional de Bamako que reconoció un estatuto especial para las regiones del norte de mayoría tuareg. Este acuerdo se materializó en la Hoguera por la Paz de Timbuktú, donde las guerrillas quemaron sus armas. Tinariwen continúa con su revolución exclusivamente musical en un festival anual que se celebra en las cercanías de Timbuktú, en pleno desierto, cada primera luna llena de enero desde el año 2001 a través del cual se han dado a conocer en todo el mundo. Desde entonces han editado varios CD con creciente éxito especialmente el hipnótico “Aman iman” (El agua es vida), grabado en Bamako con el productor inglés Justin Adams, en el que unen las músicas tradicionales de su pueblo tocadas con guitarras eléctricas, al legendario estilo de Ali Farka Touré.
sábado, 29 de noviembre de 2008
GENTLEMAN: Intoxication
A pesar de que su verdadero nombre es Otto Tilmann, que es blanco y que nació en Alemania, Gentleman está considerado actualmente como uno de los más importantes y renovadores músicos de reggae, siendo reconocido incluso en Jamaica, donde graba regularmente con las grandes figuras de la isla y participa en los principales festivales que allí se celebran. Desde que tenía 16 años Gentleman ha viajado regularmente a Jamaica siguiendo el origen de la música reggae que descubrió escuchando los discos de su hermano, hasta llegar a ser un profundo conocedor de esta música. Esta relación profesional junto con los lazos personales que ha creado al haber formado una familia con una corista jamaicana del grupo Fast East Band, que le acompañó durante su primera gira por Alemania en el 2002, hacen que considere con toda naturalidad a Jamaica como su segundo hogar.
Después de realizar algunas colaboraciones como productor y DJ, comenzó su carrera en el reggae en 1999 con la publicación de su primer y aclamado trabajo “Trodin on”. En 2002 editó su segundo disco “Journey to Jah” con la participación de alguno de los músicos y productores jamaicanos más importantes del momento y en el que hacía un tributo a las últimas tendencias en reggae, la vuelta al roots reggae. Su siguiente disco de estudio “Confidence”, publicado en 2004, llegó a encabezar las listas de éxitos en Alemania y Austria. En 2007 ha editado su último disco hasta la fecha “Another intensity”, en el que se reafirma como uno de los músicos de reggae más interesantes, incorporando nuevamente diversas colaboraciones entre las que destacan los músicos jamaicanos Sizzla, Jack Radics y Daddy Rings, y donde su personal sonido melódico y melancólico vuelve a acercarse al hip-hop como en los inicios de su carrera.
Después de realizar algunas colaboraciones como productor y DJ, comenzó su carrera en el reggae en 1999 con la publicación de su primer y aclamado trabajo “Trodin on”. En 2002 editó su segundo disco “Journey to Jah” con la participación de alguno de los músicos y productores jamaicanos más importantes del momento y en el que hacía un tributo a las últimas tendencias en reggae, la vuelta al roots reggae. Su siguiente disco de estudio “Confidence”, publicado en 2004, llegó a encabezar las listas de éxitos en Alemania y Austria. En 2007 ha editado su último disco hasta la fecha “Another intensity”, en el que se reafirma como uno de los músicos de reggae más interesantes, incorporando nuevamente diversas colaboraciones entre las que destacan los músicos jamaicanos Sizzla, Jack Radics y Daddy Rings, y donde su personal sonido melódico y melancólico vuelve a acercarse al hip-hop como en los inicios de su carrera.
sábado, 22 de noviembre de 2008
BOB MARLEY: Redemption song
El Príncipe (Ras) Tafari Makonnen, descendiente del Rey David según la tradición etiope, fue proclamado emperador de Etiopía en 1930 adoptando el nombre de Haile Selassie I. Los seguidores del movimiento rastafari, originado en Jamaica en la década de los años 30 del siglo XX, consideraron que con esta proclamación se cumplió la profecía bíblica divulgada por el luchador por las libertades de la comunidad negra Marcus Garvey, para el que la coronación del Emperador anunciaba la liberación de esta comunidad y consideraba a Haile Selassie I como la tercera reencarnación del propio Dios (Jah) tras Melquisedec y Jesucristo, aunque el propio Haile Selassie I que era cristiano devoto negaba esta divinidad.
El movimiento rastafari se basa en la creencia en la divinidad de Haile Selassie I, el deseo de los descendientes de esclavos deportados de volver a África, donde para ellos se encuentra la tierra prometida, y en las aspiraciones de libertad de la población negra. Los seguidores de este movimiento predican el amor al prójimo, a la vida y a la creación y declaran que las enseñanzas de la Biblia son el camino a la liberación espiritual para la gente del cualquier marco cultural o étnico. El uso de la trenzas rastas se apoya en un texto bíblico que dice que los hombres no mostrarán calvicie sobre sus cabezas ni se afeitaran el extremo de sus barbas, por lo que se usan como símbolo de unidad con Jah. De igual forma, también piensan que fumar cannabis es una ayuda a la meditación y al acceso a la verdadera sabiduría que es otorgada por Jah, por lo que no debe hacerse para conseguir placer superficial. Sin embargo, la música reggae no forma parte del orden ceremonial rastafari.
Este movimiento tuvo su auge a partir de los años 70 gracias al éxito mundial de la música reggae y de uno de sus creyentes más conocidos, Bob Marley, aunque muchos rastafaris ortodoxos rechazaron el reggae como una forma de música comercial y vendida a "Babilonia". El éxito de Bob Marley, apoyado en añadir instrumentos de madera y ralentizar el ritmo del reggae que se hacía hasta entonces, no fue inmediato, pero en su corta vida llegó a alcanzar una enorme fama, realizó multitudinarios conciertos en América, África y Europa y llegó a recibir la Medalla de la Paz de las Naciones Unidas. Como el mismo decía, fue la primera super estrella del Tercer Mundo. Murió en 1981 a los 36 años, poco después de haber recibido la Orden del Mérito de Jamaica en reconocimiento a su inestimable contribución a la cultura del país. Tras su muerte recibió un funeral oficial del pueblo de Jamaica y desde entonces su casa y mausoleo se han convertido en las principales atracciones turísticas de Jamaica.
El movimiento rastafari se basa en la creencia en la divinidad de Haile Selassie I, el deseo de los descendientes de esclavos deportados de volver a África, donde para ellos se encuentra la tierra prometida, y en las aspiraciones de libertad de la población negra. Los seguidores de este movimiento predican el amor al prójimo, a la vida y a la creación y declaran que las enseñanzas de la Biblia son el camino a la liberación espiritual para la gente del cualquier marco cultural o étnico. El uso de la trenzas rastas se apoya en un texto bíblico que dice que los hombres no mostrarán calvicie sobre sus cabezas ni se afeitaran el extremo de sus barbas, por lo que se usan como símbolo de unidad con Jah. De igual forma, también piensan que fumar cannabis es una ayuda a la meditación y al acceso a la verdadera sabiduría que es otorgada por Jah, por lo que no debe hacerse para conseguir placer superficial. Sin embargo, la música reggae no forma parte del orden ceremonial rastafari.
Este movimiento tuvo su auge a partir de los años 70 gracias al éxito mundial de la música reggae y de uno de sus creyentes más conocidos, Bob Marley, aunque muchos rastafaris ortodoxos rechazaron el reggae como una forma de música comercial y vendida a "Babilonia". El éxito de Bob Marley, apoyado en añadir instrumentos de madera y ralentizar el ritmo del reggae que se hacía hasta entonces, no fue inmediato, pero en su corta vida llegó a alcanzar una enorme fama, realizó multitudinarios conciertos en América, África y Europa y llegó a recibir la Medalla de la Paz de las Naciones Unidas. Como el mismo decía, fue la primera super estrella del Tercer Mundo. Murió en 1981 a los 36 años, poco después de haber recibido la Orden del Mérito de Jamaica en reconocimiento a su inestimable contribución a la cultura del país. Tras su muerte recibió un funeral oficial del pueblo de Jamaica y desde entonces su casa y mausoleo se han convertido en las principales atracciones turísticas de Jamaica.
sábado, 15 de noviembre de 2008
ASA: Jailer
Los padres de Asa, que es su apodo y que en yoruba significa “halcón”, emigraron a París donde su padre trabajó en la embajada de Nigeria y allí nació Asa y pasó los dos primeros años de su vida. Pero la vida fue dura en Francia para su familia y finalmente decidieron regresar a Lagos. En esta ciudad desmesurada y caótica, pero también enérgica y llena de oportunidades, vivió escuchando a grandes maestros americanos del soul y clásicos de la música africana y comenzó a cantar y a improvisar melodías como una forma de escapar a una estancia complicada, ya que nunca acabó de sentirse integrada en Nigeria, tuvo que padecer épocas de huelgas en la Universidad, el rechazo en coros y acabó convirtiéndose en una adolescente tímida y solitaria.
A los 18 años, tras darse a conocer en un programa de radio para encontrar talentos y después de aprender a tocar la guitarra en una escuela de música obtuvo sus primeros aplausos y recibió las primeras propuestas de giras y contratos. Consiguió no ceder a las primeras ofertas y así poder desarrollar la música que sentía, musicalmente situada entre el pop y el soul, con gran relevancia de las melodías y con letras cantadas en inglés y yoruba que reflejan la rutina de la vida en Nigeria. Mientras, remitía maquetas a compañías discográficas francesas. En 2004 conoció a su manager, que le presentó a Cobhams Emmanuel Asuquo, que acabó convirtiéndose en su compañero musical.
20 años después de su partida volvió a París, en esta ocasión como una incipiente artista que finalmente consiguió editar un fantástico disco con su propio nombre. Mientras tocaba en Francia con Manu Dibango, Doctor L o Tony Allen, en Nigeria sus primeros sencillos “Eyé Adaba” y luego “Jailer” empezaron a hacerse populares, MTV la escogió como embajadora de Sudáfrica, comenzó a aumentar su popularidad y al regresar a Nigeria se convirtió en telonera de Beyoncé y Snoop Dogg, entre otros.
A los 18 años, tras darse a conocer en un programa de radio para encontrar talentos y después de aprender a tocar la guitarra en una escuela de música obtuvo sus primeros aplausos y recibió las primeras propuestas de giras y contratos. Consiguió no ceder a las primeras ofertas y así poder desarrollar la música que sentía, musicalmente situada entre el pop y el soul, con gran relevancia de las melodías y con letras cantadas en inglés y yoruba que reflejan la rutina de la vida en Nigeria. Mientras, remitía maquetas a compañías discográficas francesas. En 2004 conoció a su manager, que le presentó a Cobhams Emmanuel Asuquo, que acabó convirtiéndose en su compañero musical.
20 años después de su partida volvió a París, en esta ocasión como una incipiente artista que finalmente consiguió editar un fantástico disco con su propio nombre. Mientras tocaba en Francia con Manu Dibango, Doctor L o Tony Allen, en Nigeria sus primeros sencillos “Eyé Adaba” y luego “Jailer” empezaron a hacerse populares, MTV la escogió como embajadora de Sudáfrica, comenzó a aumentar su popularidad y al regresar a Nigeria se convirtió en telonera de Beyoncé y Snoop Dogg, entre otros.
domingo, 9 de noviembre de 2008
JOSÉ GONZÁLEZ: Heartbeats
El músico preferido de este cantautor sueco es Silvio Rodriguez y es que, gracias a sus padres argentinos exiliados a causa de la dictadura militar, en su casa de Goteborg siempre estuvo presente la música latinoamericana. A pesar de ello, José González inició su carrera musical tocando el bajo en una banda punk, además de flirtear también con el hardcore y el rock independiente. Sin embargo, después de estos giros regresó a la guitarra clásica con la que había empezado a tocar éxitos de bossa nova y música de The Beatles y tras unas lecciones de flamenco acabó de perfilar su personal estilo minimalista y emotivo.
En 2003 publicó su primer disco “Verneer” con el que obtuvo un gran éxito y en el que se incluía una estupenda y personal versión del tema “Heartbeats” del grupo sueco The Knife, con la que alcanzó un reconocimiento mundial al ser utilizada por Sony en su recordado anuncio del televisor Bravia en el que 250.000 bolitas de colores caían por las empinadas calles de San Francisco. En 2007 editó su segundo album “In our nature” inspirado en la condición humana, con el que también ha logrado reconocimiento y que nuevamente recogía una inspirada versión, en este caso de la canción “Teardrop” de Massive Attack. En sus conciertos interpreta otras versiones de temas de artistas tan dispares como Kylie Minogue o Joy Division.
En 2003 publicó su primer disco “Verneer” con el que obtuvo un gran éxito y en el que se incluía una estupenda y personal versión del tema “Heartbeats” del grupo sueco The Knife, con la que alcanzó un reconocimiento mundial al ser utilizada por Sony en su recordado anuncio del televisor Bravia en el que 250.000 bolitas de colores caían por las empinadas calles de San Francisco. En 2007 editó su segundo album “In our nature” inspirado en la condición humana, con el que también ha logrado reconocimiento y que nuevamente recogía una inspirada versión, en este caso de la canción “Teardrop” de Massive Attack. En sus conciertos interpreta otras versiones de temas de artistas tan dispares como Kylie Minogue o Joy Division.
sábado, 1 de noviembre de 2008
TOM JOBIM: Wave
Se considera que la bossa nova nació en 1958, cuando João Gilberto grabó “Chega de saudade” (algo así como “Basta de nostalgia”). Esta canción con letra de Vinicius de Moraes y música de Tom Jobim ya había sido cantada por Elizete Cardoso sin demasiada repercusión pero la versión de João Gilberto fue un éxito inmediato en Brasil y se la reconoce como la primera canción de bossa nova. Incluso en el año 2000 fue incluida en el Grammy Hall of Fame. Así pues, este año se celebran 50 años de bossa nova y, aunque por poco se me pasa el acontecimiento, creo que todavía estoy a tiempo de remediarlo trayendo a uno de sus máximos exponentes, Tom Jobim.
La bossa nova nació bajo el impulso de un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Rio de Janeiro, entre los que se encontraba Tom Jobim, que en esos momentos tocaba el piano en night clubs tras haber cambiado ya su deseo de ser arquitecto por la música, y se popularizó en todo el mundo gracias a la colaboración con músicos de jazz estadounidenses como Stan Getz o Charlie Byrd en la década de lo sesenta. Ante el éxito en Estados Unidos, Jobim estuvo durante años viviendo a caballo entre Los Ángeles y Rio de Janeiro. En Estados Unidos grabó algunos de sus mejores trabajos como “Wave”, “Tide” y “Stone Flower”. Años más tarde, intentó introducir en su música sonidos más tradicionales de Brasil y una inquietud creciente por la naturaleza y la ecología publicando discos como “Matita Pere”, “Urubu” y “Terra Brasilis”. Tras finalizar el auge de la bossa nova en Estados Unidos, Jobim regresó definitivamente a Brasil donde formó un grupo denominado “Nova Banda”, con la que grabó discos como “Passarim”, “Inedito” y “Antonio Brasileiro”.
El 8 de diciembre de 1994 falleció en el Hospital Monte Sinaí, en Nueva York a causa de un infarto. El traslado de su cuerpo en avión hasta el aeropuerto de Rio que ahora lleva su nombre, el velatorio en el Jardín Botánico por el que paseaba a diario durante los últimos años de su vida y su entierro fueron actos multitudinarios y una muestra de respeto hacia el músico que hizo mundialmente famosa la música popular brasileña. Desde 2006 en el Jardín Botánico de Rio funciona el Centro Tom Jobim de Cultura y Medio Ambiente, que mantiene vivo el profundo interés de Tom Jobim por la naturaleza.
La bossa nova nació bajo el impulso de un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Rio de Janeiro, entre los que se encontraba Tom Jobim, que en esos momentos tocaba el piano en night clubs tras haber cambiado ya su deseo de ser arquitecto por la música, y se popularizó en todo el mundo gracias a la colaboración con músicos de jazz estadounidenses como Stan Getz o Charlie Byrd en la década de lo sesenta. Ante el éxito en Estados Unidos, Jobim estuvo durante años viviendo a caballo entre Los Ángeles y Rio de Janeiro. En Estados Unidos grabó algunos de sus mejores trabajos como “Wave”, “Tide” y “Stone Flower”. Años más tarde, intentó introducir en su música sonidos más tradicionales de Brasil y una inquietud creciente por la naturaleza y la ecología publicando discos como “Matita Pere”, “Urubu” y “Terra Brasilis”. Tras finalizar el auge de la bossa nova en Estados Unidos, Jobim regresó definitivamente a Brasil donde formó un grupo denominado “Nova Banda”, con la que grabó discos como “Passarim”, “Inedito” y “Antonio Brasileiro”.
El 8 de diciembre de 1994 falleció en el Hospital Monte Sinaí, en Nueva York a causa de un infarto. El traslado de su cuerpo en avión hasta el aeropuerto de Rio que ahora lleva su nombre, el velatorio en el Jardín Botánico por el que paseaba a diario durante los últimos años de su vida y su entierro fueron actos multitudinarios y una muestra de respeto hacia el músico que hizo mundialmente famosa la música popular brasileña. Desde 2006 en el Jardín Botánico de Rio funciona el Centro Tom Jobim de Cultura y Medio Ambiente, que mantiene vivo el profundo interés de Tom Jobim por la naturaleza.
domingo, 26 de octubre de 2008
TOUMANI DIABATÉ: Cantelowes
La kora es un instrumento único. Originario de África Occidental, se construye a partir de una calabaza de gran tamaño cortada por la mitad y cubierta de cuero de vaca a la que se agrega un puente con muescas como un laúd o una guitarra y 21 cuerdas, de las cuales 11 se tocan con la mano izquierda y 10 con la derecha. Tradicionalmente, las cuerdas se hacían de finas tiras de cuero, ahora están hechas con cuerdas de arpa o hilo de pescar. Actualmente, también pueden encontrarse koras modernas a las que se les agrega hasta cuatro cuerdas de bajo. Su sonido recuerda al del arpa, aunque cuando se toca de forma tradicional se asemeja más al estilo de las guitarras flamencas. Los músicos de kora han provenido históricamente de familias de griots que pasan su arte a sus descendientes y son los encargados de transmitir las tradiciones orales.
Toumani Diabaté procede de una antigua familia de de griots y ya su padre, Sidiki Diabaté, grabó en 1970 el primer disco de kora de la historia. Toumani hizo su primera actuación en público a los trece años. En 1987, con 21 años, publicó su album “Kaira”, que recibió elogios de la crítica musical y le permitió recorrer Europa con notable éxito. Ha editado tanto discos de música tradicional como nuevas composiciones propias y colaboraciones con músicos de otros estilos. Entre estas colaboraciones destacan los discos que ha publicado con Ketama, Taj Mahal, el trombonista de jazz Roswell Rud o su participación en el disco “Volta” de Björk.
En 2003 recibió el “Tamani d’Or” como premio al mejor instrumentista de kora del mundo y el año siguiente obtuvo el premio de la UNESCO “Sirva des Virtuoses”. Su disco “In the heart of the moon” junto con Ali Farka Touré obtuvo el Grammy al Mejor álbum tradicional de World music en 2005. Pero Toumani Diabaté no es simplemente un virtuoso de la kora sino que también desempeña un papel muy importante en Mali como profesor, compositor y transmisor de la tradición musical de su país. Con una pierna paralizada desde niño, ha tenido que recorrer un difícil camino para llegar al lugar que hoy día ocupa y actualmente dedica gran parte de su tiempo a ayudar a las personas con discapacidades físicas en Bamako.
Toumani Diabaté procede de una antigua familia de de griots y ya su padre, Sidiki Diabaté, grabó en 1970 el primer disco de kora de la historia. Toumani hizo su primera actuación en público a los trece años. En 1987, con 21 años, publicó su album “Kaira”, que recibió elogios de la crítica musical y le permitió recorrer Europa con notable éxito. Ha editado tanto discos de música tradicional como nuevas composiciones propias y colaboraciones con músicos de otros estilos. Entre estas colaboraciones destacan los discos que ha publicado con Ketama, Taj Mahal, el trombonista de jazz Roswell Rud o su participación en el disco “Volta” de Björk.
En 2003 recibió el “Tamani d’Or” como premio al mejor instrumentista de kora del mundo y el año siguiente obtuvo el premio de la UNESCO “Sirva des Virtuoses”. Su disco “In the heart of the moon” junto con Ali Farka Touré obtuvo el Grammy al Mejor álbum tradicional de World music en 2005. Pero Toumani Diabaté no es simplemente un virtuoso de la kora sino que también desempeña un papel muy importante en Mali como profesor, compositor y transmisor de la tradición musical de su país. Con una pierna paralizada desde niño, ha tenido que recorrer un difícil camino para llegar al lugar que hoy día ocupa y actualmente dedica gran parte de su tiempo a ayudar a las personas con discapacidades físicas en Bamako.
sábado, 18 de octubre de 2008
BENJAMIN BIOLAY: Dans la Merco Benz
El talentoso Benjamin Biolay es considerado el mejor representante actual de la gran tradición de la canción de autor francesa y, por tanto, el sucesor de grandes nombres como George Brassens, Jacque Brel, Léo Ferré, Boris Vian y, sobre todo, Serge Gaisnsbourg, al que su voz sugerente y susurrante recuerda. Biolay vivió en un ambiente musical desde su infancia y formó su primer grupo pop muy joven mientras estudiaba música en el prestigioso CNSMD de Lyon. Tras distanciarse radicalmente de la educación clásica que había estudiado desde niño formó el grupo Mateo Gallion, con el que publicó un disco en 1994 que pasó desapercibido. No obstante, EMI le ofreció un contrato dos años más tarde.
Ha mantenido una fructífera relación profesional con Karen Ann, cuyos dos primeros álbumes ha coescrito y coproducido. El veterano Henri Salvador solicitó la colaboración de los dos jóvenes músicos para el disco que iba a suponer su regreso. Tras el éxito del disco “Chambre avec vue” (2000) muchos otros artistas franceses han buscado su colaboración, incluyendo a Juliette Greco y Françoise Hardy, para los que ha compuesto numerosas canciones.
En 2002 publicó su primer disco en solitario “Rose Kennedy” inspirado en la familia Kennedy y sus trágicas circunstancias, que consiguió unas excelentes críticas dentro y fuera de su país. Desde entonces se ha erigido como una de las figuras fundamentales de la música francesa, estableciendo un nexo entre los grandes de la canción de autor y el pop contemporáneo y confirmándose como uno de los músicos francófonos de mayor proyección internacional. En 2003, publicó su segundo disco “Négatif”, en el que se acercaba al pop anglosajón y a la electrónica. Un año más tarde firmó “Home”, un trabajo junto a su esposa, además de la banda sonora del filme “Clara et Moi”. Ese mismo año publicó “Á L’Origine”, su disco más autobiográfico y rockero, que aunque también recibió muy buenas críticas no logró el éxito comercial de los anteriores. Finalmente, en 2007 editó su último trabajo hasta el momento, “Trash Yeyé”, en el que sin la presión de buscar el éxito inmediato, ha podido componer a sus anchas sin necesidad de grandes medios y que ha supuesto la vuelta del Biolay más luminoso, accesible y sereno.
Ha mantenido una fructífera relación profesional con Karen Ann, cuyos dos primeros álbumes ha coescrito y coproducido. El veterano Henri Salvador solicitó la colaboración de los dos jóvenes músicos para el disco que iba a suponer su regreso. Tras el éxito del disco “Chambre avec vue” (2000) muchos otros artistas franceses han buscado su colaboración, incluyendo a Juliette Greco y Françoise Hardy, para los que ha compuesto numerosas canciones.
En 2002 publicó su primer disco en solitario “Rose Kennedy” inspirado en la familia Kennedy y sus trágicas circunstancias, que consiguió unas excelentes críticas dentro y fuera de su país. Desde entonces se ha erigido como una de las figuras fundamentales de la música francesa, estableciendo un nexo entre los grandes de la canción de autor y el pop contemporáneo y confirmándose como uno de los músicos francófonos de mayor proyección internacional. En 2003, publicó su segundo disco “Négatif”, en el que se acercaba al pop anglosajón y a la electrónica. Un año más tarde firmó “Home”, un trabajo junto a su esposa, además de la banda sonora del filme “Clara et Moi”. Ese mismo año publicó “Á L’Origine”, su disco más autobiográfico y rockero, que aunque también recibió muy buenas críticas no logró el éxito comercial de los anteriores. Finalmente, en 2007 editó su último trabajo hasta el momento, “Trash Yeyé”, en el que sin la presión de buscar el éxito inmediato, ha podido componer a sus anchas sin necesidad de grandes medios y que ha supuesto la vuelta del Biolay más luminoso, accesible y sereno.
sábado, 11 de octubre de 2008
INTI ILLIMANI: Alturas
El nombre del grupo es una mezcla de quechua y aimara y significa “Sol del Illimani”, la imponente montaña de casi 6.500 m que domina La Paz. Se formó en 1967 por unos estudiantes de la Universidad Técnica del Estado, actualmente USACH, y rápidamente se constituyó en uno de los grupos emblemáticos de la “Nueva canción chilena” junto con Violeta Parra, Víctor Jara, Illapu y otros. Este movimiento se dedicó a recuperar la música folclórica tradicional chilena y fusionarla con los ritmos latinoamericanos a la vez que en sus letras se imponía la temática social. En 1970, el grupo graba “Canto al Programa”, una musicalización del programa de gobierno del presidente Salvador Allende, realizado como homenaje a su victoria en la campaña presidencial de dicho año.
En 1973, mientras estaban de gira por Europa, el golpe militar de Augusto Pinochet les obligó a fijar su residencia en Italia y permanecer exiliados en dicho país durante 15 años, hasta que en 1988 pudieron volver a Chile al derogarse la prohibición que pesaba sobre ellos, sumándose de inmediato a la campaña por el No a Pinochet en el plebiscito del 5 de octubre de 1988. Durante el largo periodo del exilio además de mantener su actividad musical apoyaron de forma decidida las campañas internacionales para la recuperación de la democracia en Chile. A principios de los años noventa, tomaron parte, junto con Peter Gabriel, Sting y Wynton Marsalis, entre otros, en la gira mundial de conciertos que organizó Amnistía Internacional a favor de los Derechos Humanos, siendo uno de los más destacados el que se realizó en el Estadio Nacional de Santiago, ex-centro de detención y tortura durante la dictadura militar de Pinochet.
A lo largo de sus más de 40 años de trayectoria, por Inti Illimani han pasado más de 20 integrantes que han ido abandonando y reintegrándose en el grupo por causas personales o artísticas. Pero en 2001 deja el grupo Horacio Salinas, director musical durante 33 años, por diferencias sobre el futuro artístico de la banda y en septiembre del mismo año abandona José Seves, una de las voces más características del grupo. En 2004, estos dos últimos junto con Horacio Durán, uno de los fundadores del grupo, forman un grupo autodenominado Inti Illimani Histórico para distinguirlo del Inti Illimani capitaneado por los hermanos Coulon. Desde entonces, se han sucedido abitrajes, pleitos y recursos todavía en curso por el uso del nombre e, incluso, es fácil encontrar a seguidores de ambos grupos expresándose como verdaderos hinchas.
En 1973, mientras estaban de gira por Europa, el golpe militar de Augusto Pinochet les obligó a fijar su residencia en Italia y permanecer exiliados en dicho país durante 15 años, hasta que en 1988 pudieron volver a Chile al derogarse la prohibición que pesaba sobre ellos, sumándose de inmediato a la campaña por el No a Pinochet en el plebiscito del 5 de octubre de 1988. Durante el largo periodo del exilio además de mantener su actividad musical apoyaron de forma decidida las campañas internacionales para la recuperación de la democracia en Chile. A principios de los años noventa, tomaron parte, junto con Peter Gabriel, Sting y Wynton Marsalis, entre otros, en la gira mundial de conciertos que organizó Amnistía Internacional a favor de los Derechos Humanos, siendo uno de los más destacados el que se realizó en el Estadio Nacional de Santiago, ex-centro de detención y tortura durante la dictadura militar de Pinochet.
A lo largo de sus más de 40 años de trayectoria, por Inti Illimani han pasado más de 20 integrantes que han ido abandonando y reintegrándose en el grupo por causas personales o artísticas. Pero en 2001 deja el grupo Horacio Salinas, director musical durante 33 años, por diferencias sobre el futuro artístico de la banda y en septiembre del mismo año abandona José Seves, una de las voces más características del grupo. En 2004, estos dos últimos junto con Horacio Durán, uno de los fundadores del grupo, forman un grupo autodenominado Inti Illimani Histórico para distinguirlo del Inti Illimani capitaneado por los hermanos Coulon. Desde entonces, se han sucedido abitrajes, pleitos y recursos todavía en curso por el uso del nombre e, incluso, es fácil encontrar a seguidores de ambos grupos expresándose como verdaderos hinchas.
sábado, 4 de octubre de 2008
DAARA J: Allah
Daara J significa "la escuela" en wolof y es el nombre de un trío de rap de Senegal que comenzó en los años 80 como un grupo de bailarines de hip-hop. Como grupo musical nació en 1994 y en 1995 firmaron un contrato con la compañía francesa Declic, con la que grabaron sus primeros dos discos “Daara J” (1997) y “Xalima” (1998), para el que contaron con la colaboración del grupo francés de rap Neg'Marrons y de PATRA, estrella del ragga jamaicano. Desde sus inicios, Daara J ha tenido gran éxito en su país, lo que les permitió profesionalizarse y actuar en Europa, sobre todo en Francia donde también gozan de un gran reconocimiento, y en otros países, incluyendo España. En 2003 publicaron “Boomerang”, su último album hasta la fecha y en el que han colaborado otros artistas como Rokia Traore y Sargento García. El título alude al origen africano del rap, que tras desarrollarse en Estados Unidos, principalmente por afromaericanos, ahora vuele a la tierra de donde surgió.
El grupo hace un rap melódico en el que se mezcla hip-hop y funk con ritmos tradicionales africanos, reggae, o música cubana para crear una mezcla muy contagiosa. Daara J utiliza tanto el wolof, que es la lengua autóctona más importante de Senegal, como el francés o el inglés. Desde sus primeras grabaciones, Daara J se ha caracterizado por un fuerte contenido social, político y espiritual en sus letras, no ocultando los problemas del continente africano y recordando también la historia del pueblo negro: esclavitud, colonización...
El grupo hace un rap melódico en el que se mezcla hip-hop y funk con ritmos tradicionales africanos, reggae, o música cubana para crear una mezcla muy contagiosa. Daara J utiliza tanto el wolof, que es la lengua autóctona más importante de Senegal, como el francés o el inglés. Desde sus primeras grabaciones, Daara J se ha caracterizado por un fuerte contenido social, político y espiritual en sus letras, no ocultando los problemas del continente africano y recordando también la historia del pueblo negro: esclavitud, colonización...
sábado, 27 de septiembre de 2008
ADELE: Hometown glory
Adele Adkins es una joven cantautora londinense de soul y jazz poseedora de una portentosa voz. En 2006 ingresó en la escuela de artes escénicas Brit School of Performing Arts de Croydon, la misma por la que han pasado Amy Winehouse, Leona Lewis o Kate Nash. Esta escuela, cuyo programa educativo pasa por fomentar y alimentar las inquietudes y capacidades artísticas de sus alumnos, parece haber tenido mucho que ver en el crecimiento musical de Adele. Un mes después de su ingreso ya había publicado dos canciones en internet y empezado una gira por el Reino Unido con otros músicos como Jack Peñate, Jamie T., Devendra Banhart o Keren Ann entre otros.
En 2007 se editó de forma limitada su primer sencillo “Hometown glory”, gracias a su compañero de gira Jamie T, que le introdujo en la compañía discográfica Peacemaker Recordings. Estos primeros temas fueron suficientes para que triunfara a través de su página en MySpace y que el sello independiente XL Recordings lanzara su segundo sencillo “Chasing pavements”, también con éxito de crítica y ventas y consiguiendo que sus canciones se difundieran por las radios además de ser invitada a actuar en diversos programas de televisión.
En la edición de 2008 de los Brit Awards Adele ganó el premio de la crítica especializada y este mismo año se ha publicado su primer album “19” con el que ha conseguido llegar al número uno en ventas en el Reino Unido y tener también bastante éxito en Estados Unidos.
En 2007 se editó de forma limitada su primer sencillo “Hometown glory”, gracias a su compañero de gira Jamie T, que le introdujo en la compañía discográfica Peacemaker Recordings. Estos primeros temas fueron suficientes para que triunfara a través de su página en MySpace y que el sello independiente XL Recordings lanzara su segundo sencillo “Chasing pavements”, también con éxito de crítica y ventas y consiguiendo que sus canciones se difundieran por las radios además de ser invitada a actuar en diversos programas de televisión.
En la edición de 2008 de los Brit Awards Adele ganó el premio de la crítica especializada y este mismo año se ha publicado su primer album “19” con el que ha conseguido llegar al número uno en ventas en el Reino Unido y tener también bastante éxito en Estados Unidos.
sábado, 20 de septiembre de 2008
KEVIN JOHANSEN: Desde que te perdí
Kevin Johansen es un músico argentino nacido en Alaska, hijo de padre norteamericano y madre argentina. Tras el divorcio de sus padres, se trasladó a California con su madre donde pasó su infancia hasta que a los 12 años se dirigió hacia Argentina. Allí comenzó su carrera en la banda de rock “Instrucción Cívica” con la que publicó dos álbumes. En 1990 se trasladó a Nueva York donde permaneció 10 años durante los que conoció a su mujer argentina, tocó en el mítico club CGCB, ya cerrado, y en 2000 fundó el grupo “The Nada” con el que grabó su primer album y que le acompaña desde entonces.
Ya de vuelta en Argentina, en 2002 grabó “Sur o no sur” comercializado en Argentina por Los años luz y en el resto del mundo por Sony y que le proporcionó un gran reconocimiento, participó en la gala de los MTV latinos y triunfó en sus giras por Estados Unidos, México, Chile o Europa. En medio de estas giras pudo grabar su album “City Zen” en 2004, también muy bien recibido por crítica y público.
Finalmente en 2007 publicó su último disco hasta la fecha, “Logo” en el que insiste en su inteligente música des-generada, transcultural y llena de ironía. Aunque parezca mentira no es familia del Piojo López, pero su innegable parecido ha hecho que también se le conozca por el mismo apodo.
Ya de vuelta en Argentina, en 2002 grabó “Sur o no sur” comercializado en Argentina por Los años luz y en el resto del mundo por Sony y que le proporcionó un gran reconocimiento, participó en la gala de los MTV latinos y triunfó en sus giras por Estados Unidos, México, Chile o Europa. En medio de estas giras pudo grabar su album “City Zen” en 2004, también muy bien recibido por crítica y público.
Finalmente en 2007 publicó su último disco hasta la fecha, “Logo” en el que insiste en su inteligente música des-generada, transcultural y llena de ironía. Aunque parezca mentira no es familia del Piojo López, pero su innegable parecido ha hecho que también se le conozca por el mismo apodo.
sábado, 13 de septiembre de 2008
ALI FARKA TOURÉ: Diaraby
Ali Ibrahim "Farka" Touré nació en 1939 en una aldea musulmana en la región noroccidental de Tombuctú. Fue el décimo hijo de sus padres, pero el único que logró sobrevivir pasada la infancia. Su apodo, "Farka", significa "asno", animal admirado por su tenacidad. Su padre murió en combate durante la Segunda Guerra Mundial sirviendo en el ejécito francés y la familia se mudó a Niafunké, poblado que Ali consideró su hogar durante el resto de su vida. En estas circunstancias, Ali apenas pudo ir a la escuela y tuvo que dedicarse en su infancia a las labores del campo. Sin embargo, siempre manifestó un gran interés por la música, especialmente por instrumentos tradidicionales malienses como el gurkel (pequeña guitarra), el violín njarka, la flauta peul o el ngoni (laúd de 4 cuerdas), que pronto llegó a dominar. Pero en 1956 quedó muy impresionado cuando vio actuar al guitarrista Keita Fodeba y se decantó definitivamente por la guitarra como instrumento.
En 1960 Malí consiguió la independencia y el gobierno comenzó a promover la música y la cultura tradicional, Ali formó parte de un grupo de música y danzas concido como La Troupe 117. Durante los años 70 se instaló en Bamako, donde trabajó como ingeniero de sonido para Radio Malí lo que le permitió poder escuchar mucha música occidental, sobre todo blues al que encontraba grandes afinidades con la música africana. En esta época publicó su primer disco, “Farka” (1976), uno de los primeros discos comerciales de la música malienese. Internacionalmente fue conocido a partir de la publicación de su álbum “Ali Farka Touré” (1987) que tuvo éxito en todo el mundo y le propició colaborar con músicos occidentales como Taj Mahal y Ry Cooder, con el que publicó en 1994 el disco “Talking Timbuktu”, también con gran éxito y que fue galardonado con un premio Grammy.
El éxito internacional le permitió realizar extensas giras por Europa, Estados Unidos, Canadá y Japón. Sin embargo, nunca se trasladó de su rancho en Niafunké y siempre consideró que su principal papel en la vida era cuidar de sus tierras y estar con su familia. Ali estaba tan involucrado en proyectos encaminados a mejorar la situación agrícola en la región de Niafunké que fue elegido alcalde en 2004. Con su propio dinero asfaltó carreteras, construyó varios canales y puso en marcha un generador para proporcionar electricidad al pueblo. En septiembre de 2005 publicó en colaboración con Toumani Diabaté el álbum “In The Heart Of The Moon” por el que obtuvo su segundo premio Grammy. Unas semanas después de ganar este premio y de aprobar la mezcla final del álbum “Savane” Ali sucumbió a un cáncer óseo que sufrió durante dos años. El gobierno de Malí le confirió una medalla de honor póstuma y se le hizo un funeral de Estado al que asistió el gobierno en pleno, los principales músicos de Malí y miles de personas más. La cobertura mundial de los medios a raíz de su muerte no tuvo precedentes para músico africano alguno.
En 1960 Malí consiguió la independencia y el gobierno comenzó a promover la música y la cultura tradicional, Ali formó parte de un grupo de música y danzas concido como La Troupe 117. Durante los años 70 se instaló en Bamako, donde trabajó como ingeniero de sonido para Radio Malí lo que le permitió poder escuchar mucha música occidental, sobre todo blues al que encontraba grandes afinidades con la música africana. En esta época publicó su primer disco, “Farka” (1976), uno de los primeros discos comerciales de la música malienese. Internacionalmente fue conocido a partir de la publicación de su álbum “Ali Farka Touré” (1987) que tuvo éxito en todo el mundo y le propició colaborar con músicos occidentales como Taj Mahal y Ry Cooder, con el que publicó en 1994 el disco “Talking Timbuktu”, también con gran éxito y que fue galardonado con un premio Grammy.
El éxito internacional le permitió realizar extensas giras por Europa, Estados Unidos, Canadá y Japón. Sin embargo, nunca se trasladó de su rancho en Niafunké y siempre consideró que su principal papel en la vida era cuidar de sus tierras y estar con su familia. Ali estaba tan involucrado en proyectos encaminados a mejorar la situación agrícola en la región de Niafunké que fue elegido alcalde en 2004. Con su propio dinero asfaltó carreteras, construyó varios canales y puso en marcha un generador para proporcionar electricidad al pueblo. En septiembre de 2005 publicó en colaboración con Toumani Diabaté el álbum “In The Heart Of The Moon” por el que obtuvo su segundo premio Grammy. Unas semanas después de ganar este premio y de aprobar la mezcla final del álbum “Savane” Ali sucumbió a un cáncer óseo que sufrió durante dos años. El gobierno de Malí le confirió una medalla de honor póstuma y se le hizo un funeral de Estado al que asistió el gobierno en pleno, los principales músicos de Malí y miles de personas más. La cobertura mundial de los medios a raíz de su muerte no tuvo precedentes para músico africano alguno.
viernes, 5 de septiembre de 2008
JENS LEKMAN: Pocketful of money
Jens Lekman comenzó su carrera grabando sus canciones de forma artesanal. En un principio empezó a ser conocido como Rocky Dennis (el personaje deforme, inteligente y sensible de la película “Mask”, dirigida por Peter Bognadovich en 1985) debido a que una de sus primeras canciones, cantada en primer persona, se titulaba "Rocky Dennis' farewell song to the blind girl". En el año 2003 editó de forma independiente un EP titulado “Maple leaves” en forma de vinilo, con gran éxito en Suecia gracias sobre todo a su difusión por internet. El disco fue lanzado posteriormente por una discográfica independiente en Suecia en formato CD y le permitió firmar un contrato con Secretly Canadian Records para editar sus discos fuera de Suecia.
Su primer álbum “When I said I wanted to be your dog” fue lanzado en el año 2004 e incluyó algunos temas de sus primeras grabaciones. Tuvo gran éxito y múltiples premios en Suecia y también fue bastante escuchado en ambientes alternativos de todo el mundo. En 2005 lanzó una compilación de sus tres EP y algunos temas extras bajo el título "Oh you're so silent, Jens". Su último álbum “Night over Kortedala” (el barrio de la ciudad de Goteborg donde se encuentra su estudio y que el propio Lekman ha definido como un sitio deprimente, donde las luces se apagan a las 21:00) fue lanzado en 2007 y ha supuesto su consolidación internacional. Sus composiciones normalmente están basadas en su guitarra u otro instrumento de cuerda acompañadas de samples y con letras que narran vivencias personales y rebosan de nostalgia, romanticismo y un especial sentido del humor.
Su primer álbum “When I said I wanted to be your dog” fue lanzado en el año 2004 e incluyó algunos temas de sus primeras grabaciones. Tuvo gran éxito y múltiples premios en Suecia y también fue bastante escuchado en ambientes alternativos de todo el mundo. En 2005 lanzó una compilación de sus tres EP y algunos temas extras bajo el título "Oh you're so silent, Jens". Su último álbum “Night over Kortedala” (el barrio de la ciudad de Goteborg donde se encuentra su estudio y que el propio Lekman ha definido como un sitio deprimente, donde las luces se apagan a las 21:00) fue lanzado en 2007 y ha supuesto su consolidación internacional. Sus composiciones normalmente están basadas en su guitarra u otro instrumento de cuerda acompañadas de samples y con letras que narran vivencias personales y rebosan de nostalgia, romanticismo y un especial sentido del humor.
sábado, 30 de agosto de 2008
CARLOS MEJÍA GODOY Y LOS DE LA PALACAGÜINA: Nicaragua Nicaragüita
Carlos Mejía Godoy es un cantante y compositor de folclore nicaragüense conocido también por su compromiso político y social. Comenzó a hacerse popular en la década de los 60 del siglo XX con canciones de temática social y en las que manifestaba su acercamiento al movimiento revolucionario del Frente Sandinista de Liberación Nacional (FSLN). Este movimiento, fundado en 1961 y que tomó el nombre del líder nicaragüense Augusto C. Sandino que emprendió una guerra de guerrillas contra la intervención estadounidense durante las primeras décadas del siglo XX, lideró la lucha armada contra la dictadura de la familia Somoza que permanecía en el poder desde el asesinato de Sandino en 1934.
Carlos Mejía Godoy junto con su grupo “Los de Palacagüina” pasó una amplia temporada en España donde hizo de embajador de la lucha de Nicaragua por su libertad y dio a conocer las canciones populares nicaragüenses con enorme éxito. En 1979 la revolución sandinista logró el derrocamiento de Anastasio Somoza Debayle y Carlos Mejía Godoy volvió a su país para participar activamente como dinamizador cultural en el nuevo régimen creando canciones patrióticas, himnos del FSLN y cánticos para la Cruzada Nacional de Alfabetización. Su relación con el Frente Sandinista de Liberación Nacional llega hasta la composición del propio himno del FSLN. Sin embargo, en los últimos años, decepcionado por la deriva que marca la familia Ortega, Carlos Mejía Godoy se ha enfrentado a los actuales dirigentes del FSLN, llegando a presentarse en 2006 como candidato a la vicepresidencia de Nicaragua por el Movimiento Renovador Sandinista y prohibiendo que sus canciones se utilicen en los actos públicos del Gobierno, a lo que el FSLN ha respondido advirtiendo que toda su obra podría ser declarada “patrimonio cultural de la nación”.
Además de músico y compositor, Carlos Mejía Godoy se ha dedicado a la investigación y estudio del folclor nicaragüense, recogiendo y divulgando viejas canciones campesinas. Fundó, después del terrible terremoto del 1972, el "Taller de Sonido Popular" y como integrante de la "Brigada de Salvación del Canto Nacional" siguió la senda del rescate de muchas piezas folclóricas. En 1997, junto con su hermano Luis, también músico, creó la “Fundación Mejía Godoy” para el desarrollo cultural y “La casona de los Mejía Godoy”, que es un importante centro del arte y cultura nicaragüense.
Carlos Mejía Godoy junto con su grupo “Los de Palacagüina” pasó una amplia temporada en España donde hizo de embajador de la lucha de Nicaragua por su libertad y dio a conocer las canciones populares nicaragüenses con enorme éxito. En 1979 la revolución sandinista logró el derrocamiento de Anastasio Somoza Debayle y Carlos Mejía Godoy volvió a su país para participar activamente como dinamizador cultural en el nuevo régimen creando canciones patrióticas, himnos del FSLN y cánticos para la Cruzada Nacional de Alfabetización. Su relación con el Frente Sandinista de Liberación Nacional llega hasta la composición del propio himno del FSLN. Sin embargo, en los últimos años, decepcionado por la deriva que marca la familia Ortega, Carlos Mejía Godoy se ha enfrentado a los actuales dirigentes del FSLN, llegando a presentarse en 2006 como candidato a la vicepresidencia de Nicaragua por el Movimiento Renovador Sandinista y prohibiendo que sus canciones se utilicen en los actos públicos del Gobierno, a lo que el FSLN ha respondido advirtiendo que toda su obra podría ser declarada “patrimonio cultural de la nación”.
Además de músico y compositor, Carlos Mejía Godoy se ha dedicado a la investigación y estudio del folclor nicaragüense, recogiendo y divulgando viejas canciones campesinas. Fundó, después del terrible terremoto del 1972, el "Taller de Sonido Popular" y como integrante de la "Brigada de Salvación del Canto Nacional" siguió la senda del rescate de muchas piezas folclóricas. En 1997, junto con su hermano Luis, también músico, creó la “Fundación Mejía Godoy” para el desarrollo cultural y “La casona de los Mejía Godoy”, que es un importante centro del arte y cultura nicaragüense.
sábado, 23 de agosto de 2008
BOUBACAR TRAORÉ: Kayes-Ba
La actual república de Malí fue colonia francesa desde 1895 hasta 1960 cuando junto con Senegal formó la Federación de Malí, que proclamó su independencia el 20 de junio de 1960. Sin embargo, esta federación estalló apenas tres meses más tarde y la república de Malí se proclamó independiente el 22 de septiembre de 1960. En aquellos momentos Boubacar Traoré era un joven guitarrista y compositor autodidacta que se convirtió en símbolo de la reciente independencia, haciéndose muy populares algunas de sus canciones. Sin embargo, no editó discos ni cobró derechos por la emisión de sus canciones por la radio así que no pudo dedicarse a la música y tuvo que buscarse diversos trabajos para sobrevivir.
Durante años permaneció prácticamente desaparecido hasta que en 1987 fue “redescubierto” gracias a un reportaje en televisión y regresó a los escenarios. Sin embargo, poco después falleció su esposa y, desolado, se trasladó a Francia para trabajar en la construcción a fin de poder mantener a sus seis hijos. Afortunadamente, un productor británico descubrió una cinta con grabaciones antiguas suyas en la radio y tras localizarle, finalmente consiguió que pudiera publicar su primer disco, “Mariama”, en 1990. Desde entonces, Traoré ha publicado siete discos más, ha gozado de popularidad internacional y ha realizado conciertos por Europa, África y América del Norte. En 2001, su historia fue llevada al cine a través de la película documental “Je chanterai pour toi”, que fue publicada en DVD en 2005.
Su estilo único se caracteriza por su voz melancólica y las influencias del blues americano y el kassonké, un estilo de música tradicional de su región. Se le conoce por el apodo de "Kar Kar" (“el que dribla mucho” en bambara) por sus dotes futbolísticas en su juventud.
Durante años permaneció prácticamente desaparecido hasta que en 1987 fue “redescubierto” gracias a un reportaje en televisión y regresó a los escenarios. Sin embargo, poco después falleció su esposa y, desolado, se trasladó a Francia para trabajar en la construcción a fin de poder mantener a sus seis hijos. Afortunadamente, un productor británico descubrió una cinta con grabaciones antiguas suyas en la radio y tras localizarle, finalmente consiguió que pudiera publicar su primer disco, “Mariama”, en 1990. Desde entonces, Traoré ha publicado siete discos más, ha gozado de popularidad internacional y ha realizado conciertos por Europa, África y América del Norte. En 2001, su historia fue llevada al cine a través de la película documental “Je chanterai pour toi”, que fue publicada en DVD en 2005.
Su estilo único se caracteriza por su voz melancólica y las influencias del blues americano y el kassonké, un estilo de música tradicional de su región. Se le conoce por el apodo de "Kar Kar" (“el que dribla mucho” en bambara) por sus dotes futbolísticas en su juventud.
viernes, 15 de agosto de 2008
LORENZO JOVANOTTI: Mi fido di te
El verdadero nombre de este cantante y compositor italiano es Lorenzo Cherubini. A lo largo de 20 años de carrera, su música ha ido evolucionando y enriqueciéndose recogiendo influencias del rap, el funk, el pop melódico, la electrónica o la música con influencias étnicas hasta llegar a obtener un estilo personal. Después de diplomarse en Ciencias comenzó a trabajar como DJ en discotecas y locales nocturnos lo que le permitió acceder a la radio y grabar sus primeros trabajos musicales, todavía influenciados por el sonido discotequero. En 2001 y con la ayuda de Quimi Portet, Jorge Drexler y, sobre todo, Pau Donés intentó introducirse en el mercado español con el recopilatorio "Pasaporte" aunque no obtuvo demasiado éxito.
Desde 1994 dispone de su propia productora “Soleluna” en la que además de sus propios trabajos publica los proyectos en solitario de los miembros habituales de su grupo. Además ha publicado varios libros y ha expuesto su obra pictórica. A la par que su música ha ido recogiendo influencias de otras culturas, las letras de sus canciones han ido adaptándose a un compromiso social y político cada vez más intenso. Ha realizado actuaciones especiales para promover la cancelación de la deuda de los países del Tercer Mundo, ha publicado constantes artículos de denuncia política en su web y en los principales diarios italianos y ha editado singles como “Cuore” escrito con ocasión del trágico asesinato del juez Giovanni Falcone, famoso por su lucha contra la mafia.
La canción “Mi fido di te” pertenece al álbum “Buon Sangue” editado en 2005 y que fue utilizada en las elecciones generales italianas de 2008 como himno electoral por el candidato de la izquierda Walter Veltroni que se enfrentaba a la coalición de derecha y ultraderecha formada por Berlusconi, Bossi y Fini y que finalizó con el resultado por todos conocido.
Desde 1994 dispone de su propia productora “Soleluna” en la que además de sus propios trabajos publica los proyectos en solitario de los miembros habituales de su grupo. Además ha publicado varios libros y ha expuesto su obra pictórica. A la par que su música ha ido recogiendo influencias de otras culturas, las letras de sus canciones han ido adaptándose a un compromiso social y político cada vez más intenso. Ha realizado actuaciones especiales para promover la cancelación de la deuda de los países del Tercer Mundo, ha publicado constantes artículos de denuncia política en su web y en los principales diarios italianos y ha editado singles como “Cuore” escrito con ocasión del trágico asesinato del juez Giovanni Falcone, famoso por su lucha contra la mafia.
La canción “Mi fido di te” pertenece al álbum “Buon Sangue” editado en 2005 y que fue utilizada en las elecciones generales italianas de 2008 como himno electoral por el candidato de la izquierda Walter Veltroni que se enfrentaba a la coalición de derecha y ultraderecha formada por Berlusconi, Bossi y Fini y que finalizó con el resultado por todos conocido.
viernes, 8 de agosto de 2008
ANTONY AND THE JOHNSONS: Cripple and the starfish
La potente personalidad de Antony Hegarty marca todo el carácter del grupo. Este cantante y pianista de extraño aspecto y voz increíble es el líder y compositor de todas las canciones, actuando The Johnsons en la práctica como su banda de acompañamiento. Antony nació en el Reino Unido, pero siendo niño sus padres se trasladaron a Amsterdam en primer lugar y después a California, donde llegó a los 10 años. Se trasladó a Nueva York para estudiar teatro experimental en la Universidad de Nueva York y fue allí donde empezó su aventura musical.
Su primer album, denominado como el propio grupo, se publicó en 1998. En 2001 grabaron un EP titulado “I fell in love with a dead boy” que llegó a oídos de Lou Reed y reclutó a Antony para colaborar en su álbum “The Raven”. Recíprocamente, Lou Reed colaboró en el siguiente EP del grupo, titulado The Lake (2004). Su segundo álbum, “I am a bird now”, se editó en 2005 consiguiendo un gran éxito de crítica que colaboró a que también alcanzara un apreciable éxito comercial. Recibió el prestigioso Mercury Prize y fue nombrado mejor disco del año por la publicación británica Mojo. En el disco colabora nuevamente Lou Reed, además de Rufus Wainwright, Devendra Banhart y el ídolo de adolescencia de Antony, Boy George, con el que interpreta a dúo la canción “You are my sister”.
El video corresponde a una interpretación en la localidad sueca de Malmö en 2005 de la canción “Cripple and the starfish” incluida en su primer disco. Creo que algunas de las canciones de este grupo se encuentran entre las más tristes que he oído nunca. En muchos casos las letras se caracterizan por tratar diversos aspectos de la vida transexual, ya que Antony se considera como tal. En “For today I'm a boy”, por ejemplo, un niño sueña con hacerse mayor para poder convertirse en mujer.
Su primer album, denominado como el propio grupo, se publicó en 1998. En 2001 grabaron un EP titulado “I fell in love with a dead boy” que llegó a oídos de Lou Reed y reclutó a Antony para colaborar en su álbum “The Raven”. Recíprocamente, Lou Reed colaboró en el siguiente EP del grupo, titulado The Lake (2004). Su segundo álbum, “I am a bird now”, se editó en 2005 consiguiendo un gran éxito de crítica que colaboró a que también alcanzara un apreciable éxito comercial. Recibió el prestigioso Mercury Prize y fue nombrado mejor disco del año por la publicación británica Mojo. En el disco colabora nuevamente Lou Reed, además de Rufus Wainwright, Devendra Banhart y el ídolo de adolescencia de Antony, Boy George, con el que interpreta a dúo la canción “You are my sister”.
El video corresponde a una interpretación en la localidad sueca de Malmö en 2005 de la canción “Cripple and the starfish” incluida en su primer disco. Creo que algunas de las canciones de este grupo se encuentran entre las más tristes que he oído nunca. En muchos casos las letras se caracterizan por tratar diversos aspectos de la vida transexual, ya que Antony se considera como tal. En “For today I'm a boy”, por ejemplo, un niño sueña con hacerse mayor para poder convertirse en mujer.
viernes, 1 de agosto de 2008
CHEIKH LÔ: Sou
Aunque sus padres eran senegaleses Cheikh Lô nació en Burkina Faso. Siendo muy joven formó parte de la Orquesta Volta Jazz que combinaba ritmos cubanos y congoleños además de hacer versiones de canciones tradicionales de Burkina Faso. En 1978 se trasladó a Senegal donde tocó con varias bandas mbalax y en 1987 se fue a París a grabar un disco. Sin embargo, la banda se separó y durante dos años se dedicó a trabajar como músico de estudio. En 1990 graba en Dakar “Doxandeme” (Inmigrantes) su primer trabajo, que sólo se publicó en cassette. A pesar de la precariedad del sonido el álbum tuvo éxito y le brindó la oportunidad de conocer a Youssou N’Dour que produjo su primer disco “Ne La Thiass” en 1996 y que fue lanzado al año siguiente al mercado internacional por World Circuit. Desde entonces ha publicado "Bambay Gueej" en 1999 y "Lamp Fall" en 2005.
Su música es personal, contemporánea y profundamente espiritual. Cheikh Lô es musulmán y miembro de la hermandad Baye Fall, una variante senegalesa del islam que forma parte de la hermandad islámica Mouride, que surgió a finales del siglo XIX de la lucha nacionalista entre los senegaleses y sus colonizadores franceses. Esta variante del islam hace hincapié en el trabajo y en la dedicación a su fundador Cheikh Ibra Fall. Actualmente la hermandad es responsable de hasta el 80% de la vida empresarial de Senegal. Aunque pueda parecer un músico reggae, en realidad su aspecto es consecuencia también de su pertenencia a esta hermandad musulmana ya que el estilo de ropa de retazos y las largas trenzas enmarañadas son características de este culto.
Como ocurre con frecuencia con muchos músicos africanos, no ha sido fácil encontrar un video con una calidad aceptable así que he añadido una grabación con foto fija del tema “Sou” grabado en Salvador de Bahia y que está incluido en su estupendo disco “Lamp fall”, que al menos se oye bien que es lo más importante y permite apreciar la calidad de este músico extraordinario. En este tema, Lô ha hecho una adaptación de una canción muy popular durante su juventud que trata sobre el momento profundo de la noche en que los pensamientos se dedican al amor.
Su música es personal, contemporánea y profundamente espiritual. Cheikh Lô es musulmán y miembro de la hermandad Baye Fall, una variante senegalesa del islam que forma parte de la hermandad islámica Mouride, que surgió a finales del siglo XIX de la lucha nacionalista entre los senegaleses y sus colonizadores franceses. Esta variante del islam hace hincapié en el trabajo y en la dedicación a su fundador Cheikh Ibra Fall. Actualmente la hermandad es responsable de hasta el 80% de la vida empresarial de Senegal. Aunque pueda parecer un músico reggae, en realidad su aspecto es consecuencia también de su pertenencia a esta hermandad musulmana ya que el estilo de ropa de retazos y las largas trenzas enmarañadas son características de este culto.
Como ocurre con frecuencia con muchos músicos africanos, no ha sido fácil encontrar un video con una calidad aceptable así que he añadido una grabación con foto fija del tema “Sou” grabado en Salvador de Bahia y que está incluido en su estupendo disco “Lamp fall”, que al menos se oye bien que es lo más importante y permite apreciar la calidad de este músico extraordinario. En este tema, Lô ha hecho una adaptación de una canción muy popular durante su juventud que trata sobre el momento profundo de la noche en que los pensamientos se dedican al amor.
viernes, 25 de julio de 2008
KIKO VENENO: Bilonguis
Kiko Veneno es el catalán más flamenco de la historia, aunque lo cierto es que nació en Girona pero creció en Cádiz y desde hace muchos años reside en Sevilla. Estudió Filosofía y Letras y al acabar la carrera se hizo hippy y se dedicó a viajar por Europa y Estados Unidos. En California participó de los ambientes contraculturales de la época pero también allí redescubrió el flamenco gracias a Agustín Ríos, un gitano de Morón que daba clases y recitales de guitarra. A la vuelta, convenientemente aleccionado, viajó a Morón, vivió una fiesta flamenca y se le cambiaron los esquemas musicales para siempre, se introdujo en ambientes flamencos y gitanos y conoció a los hermanos Amador junto con los que formó en 1975 el grupo “Veneno”.
Ha participado en “La historia del tiempo” de Camarón, uno de los discos más importantes de la historia del flamenco, y el disco “Veneno” con su grupo del mismo nombre, ha sido reconocido en los últimos años por las revistas especializadas Efeeme y Rockdelux como el mejor disco de la historia del pop español. Sin embargo, Kiko Veneno ha arrastrado durante años una fama de malditismo que ha hecho que sus discos no hayan tenido el éxito comercial que correspondía a su valía y que haya tenido que ganarse la vida trabajando en un chiringuito en la playa de Conil, con la venta callejera, en una imprenta, haciendo trabajos estadísticos o como programador cultural en la Diputación de Sevilla. Todo esto cambió definitivamente con la publicación de su disco “Échate un cantecito” (1992) y la posterior gira conjunta con Santiago Auserón, que hicieron que definitivamente pudiera dedicarse a la música de forma profesional.
El video corresponde a la canción “Bilonguis” incluida en su estupendo disco “El hombre invisible” producido y editado por él mismo en 2005 tras romper con su antigua compañía discográfica. Por cierto, “bilonguis” viene de “personal belongings" (pertenencias personales).
Ha participado en “La historia del tiempo” de Camarón, uno de los discos más importantes de la historia del flamenco, y el disco “Veneno” con su grupo del mismo nombre, ha sido reconocido en los últimos años por las revistas especializadas Efeeme y Rockdelux como el mejor disco de la historia del pop español. Sin embargo, Kiko Veneno ha arrastrado durante años una fama de malditismo que ha hecho que sus discos no hayan tenido el éxito comercial que correspondía a su valía y que haya tenido que ganarse la vida trabajando en un chiringuito en la playa de Conil, con la venta callejera, en una imprenta, haciendo trabajos estadísticos o como programador cultural en la Diputación de Sevilla. Todo esto cambió definitivamente con la publicación de su disco “Échate un cantecito” (1992) y la posterior gira conjunta con Santiago Auserón, que hicieron que definitivamente pudiera dedicarse a la música de forma profesional.
El video corresponde a la canción “Bilonguis” incluida en su estupendo disco “El hombre invisible” producido y editado por él mismo en 2005 tras romper con su antigua compañía discográfica. Por cierto, “bilonguis” viene de “personal belongings" (pertenencias personales).
viernes, 18 de julio de 2008
THE HOT 8 BRASS BAND: Rock with the Hot 8
Una banda de metales o “Brass band” es una formación que utiliza fundamentalmente instrumentos de metal. Existen grupos de este tipo en muchas partes del mundo, incluso las bandas de cualquier pueblo de Valencia pueden incluirse en esta clasificación. En Nueva Orleans tradicionalmente existían formaciones musicales militares que evolucionaron incorporando elementos de música militar europea, música con raíces africanas traída por los esclavos de África Occidental y elementos de la música popular de la zona: blues, gospel, ragtime … pasando a dedicarse a amenizar fiestas y funerales (como muestra de respeto) y adquiriendo un estilo propio.
Entre 1970 y 1980, estas bandas experimentaron un renacimiento al actualizar su repertorio y añadir elementos de funk y hip-hop. Actualmente debe haber cientos de bandas de este tipo en la ciudad. The Hot 8 Brass Band es una de estas bandas, sus miembros han nacido todos en Nueva Orleanas y varios de ellos son amigos desde el instituto. En 1995 empezaron a actuar profesionalmente y, aunque no es de las más conocidas, ha realizado giras por Europa (España incluida) y Japón. Tras la devastación producida por el huracán Katrina en 2005, los miembros del grupo crearon el proyecto “Save our brass” con el fin de revitalizar la música de las “brass bands” y mantener viva la tradición cultural de Nueva Orleans.
El video corresponde a una actuación en Paris del grupo interpretando una versión del tema "Who am I? (What’s my name?)" del rapero Snoop Dogg. Pues eso, más música y menos CO2. ;)
Entre 1970 y 1980, estas bandas experimentaron un renacimiento al actualizar su repertorio y añadir elementos de funk y hip-hop. Actualmente debe haber cientos de bandas de este tipo en la ciudad. The Hot 8 Brass Band es una de estas bandas, sus miembros han nacido todos en Nueva Orleanas y varios de ellos son amigos desde el instituto. En 1995 empezaron a actuar profesionalmente y, aunque no es de las más conocidas, ha realizado giras por Europa (España incluida) y Japón. Tras la devastación producida por el huracán Katrina en 2005, los miembros del grupo crearon el proyecto “Save our brass” con el fin de revitalizar la música de las “brass bands” y mantener viva la tradición cultural de Nueva Orleans.
El video corresponde a una actuación en Paris del grupo interpretando una versión del tema "Who am I? (What’s my name?)" del rapero Snoop Dogg. Pues eso, más música y menos CO2. ;)
viernes, 11 de julio de 2008
K'NAAN: Soobax
K'naan, que significa “el viajero”, es un poeta y cantante de hip hop con pasaporte canadiense, a donde llegó como refugiado, orgulloso de su origen somalí como se refleja en las letras de sus canciones. A pesar de vivir en Canadá desde niño es uno de los raperos más reconocidos en África. En 2001 se presentó en Ginebra en el 50 aniversario del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR) para criticar la actuación de la ONU durante la crisis de Somalia en los años 90. Uno de los asistentes era Youssou n'Dour que quedó impresionado por su actuación y le invitó a participar en el álbum “Building Brigdes” producido por ACNUR con la colaboración de músicos africanos refugiados.
Su primer álbum “The dusty foot philosopher” fue lanzado en 2005. Ese mismo año se presentó juntó a DobaCaracol en el concierto de Live 8 en la ciudad de Toronto. En este disco está incluida la canción “Soobax” a la que K’naan se ha referido como "el himno de la revolución que esta ocurriendo en mi país en este momento". A pesar de que tuvo cierta repercusión ya que está incluida en la banda sonora del videojuego FIFA 06, la verdad es que no entiendo cómo es que no se convirtió en un éxito mundial y en un politono líder en descargas. Para la grabación del video K’naan volvió a África pero por razones de seguridad tuvo que ser rodado en Kenya.
Su primer álbum “The dusty foot philosopher” fue lanzado en 2005. Ese mismo año se presentó juntó a DobaCaracol en el concierto de Live 8 en la ciudad de Toronto. En este disco está incluida la canción “Soobax” a la que K’naan se ha referido como "el himno de la revolución que esta ocurriendo en mi país en este momento". A pesar de que tuvo cierta repercusión ya que está incluida en la banda sonora del videojuego FIFA 06, la verdad es que no entiendo cómo es que no se convirtió en un éxito mundial y en un politono líder en descargas. Para la grabación del video K’naan volvió a África pero por razones de seguridad tuvo que ser rodado en Kenya.
sábado, 5 de julio de 2008
ESBJÖRN SVENSSON TRIO: Goldhearted Miner
El pasado 15 de junio falleció Esbjörn Svensson a los 44 años mientras practicaba buceo. Este pianista sueco daba nombre al innovador grupo Esbjörn Svensson Trio (también conocido como E.S.T.). Aunque formalmente ha sido definido como un grupo de jazz, su música y sus actuaciones les hicieron cercanos al pop, al rock, al funk y, cada vez más, a la música electrónica, aunque también a la música clásica y new age. El grupo fue formado en los años 90 por Esbjörn Svensson, su amigo el batería Magnus Öström y el contrabajista Dan Berglund, mostrando desde sus inicios influencias del pop y el rock en su música.
Su primer disco publicado fuera de Escandinavia fue “From Gagarin´s point of view” que se editó en 1999 y supuso el comienzo de una larga lista de premios y actuaciones en festivales de jazz de toda Europa. En 2002 el lanzamiento de “Strange place for snow”, que formó parte de la banda sonora de la película francesa “Dans ma peau”, fue acompañado de gran éxito y numerosos premios y dio lugar a una gira de nueve meses por diversas ciudades europeas, Estados Unidos y Japón. Con los siguientes discos “Seven days of falling” (2003), “Viaticum” (2005) y “Tuesday Wonderland” (2006) continuó el creciente éxito del grupo, llegando a ser la primera banda europea de jazz en ocupar la portada de la prestigiosa revista estadounidense “Downbeat jazz magacine”. Para septiembre está previsto el lanzamiento de su duodécimo disco “Leucocyte”.
Su primer disco publicado fuera de Escandinavia fue “From Gagarin´s point of view” que se editó en 1999 y supuso el comienzo de una larga lista de premios y actuaciones en festivales de jazz de toda Europa. En 2002 el lanzamiento de “Strange place for snow”, que formó parte de la banda sonora de la película francesa “Dans ma peau”, fue acompañado de gran éxito y numerosos premios y dio lugar a una gira de nueve meses por diversas ciudades europeas, Estados Unidos y Japón. Con los siguientes discos “Seven days of falling” (2003), “Viaticum” (2005) y “Tuesday Wonderland” (2006) continuó el creciente éxito del grupo, llegando a ser la primera banda europea de jazz en ocupar la portada de la prestigiosa revista estadounidense “Downbeat jazz magacine”. Para septiembre está previsto el lanzamiento de su duodécimo disco “Leucocyte”.
viernes, 27 de junio de 2008
COCOROSIE: Hairnet paradise
Bianca y Sierra Casady son dos hermanas nacidas en Estados Unidos que crecieron separadas. Se reunieron en 2003 en Paris y formaron el grupo CocoRosie tomando como nombre artístico la unión de los nombres por los que su madre les llamaba de niñas. Sierra toca la guitarra y la flauta mientras que Bianca se encarga de las percusiones. Se caracterizan por el uso de la voz rasgada y despreocupada de Bianca y la incorporación de sonidos de objetos y juguetes infantiles. Hacen una música original y por momentos sorprendente que aunque es difícil de clasificar se intenta definir como indie rock mezclado con folk pop, electrónica casera y hip hop y que, en ocasiones, puede recordar a Björk.
Su primer disco “La maison de mon rêve” se publicó 2004 y fue una sorpresa, en 2005 publicaron “Noah’s ark” con el que consiguieron una gran repercusión mundial y en 2007 se editó “The adventures of Ghosthorse and Stillborn”. “Hairnet Paradise” no es una de sus canciones más conocidas y, de hecho, creo que no está publicada en ninguno de sus tres discos pero el video, que está grabado de forma artesanal en su propio apartamento en Paris, es un buen ejemplo de su música.
Su primer disco “La maison de mon rêve” se publicó 2004 y fue una sorpresa, en 2005 publicaron “Noah’s ark” con el que consiguieron una gran repercusión mundial y en 2007 se editó “The adventures of Ghosthorse and Stillborn”. “Hairnet Paradise” no es una de sus canciones más conocidas y, de hecho, creo que no está publicada en ninguno de sus tres discos pero el video, que está grabado de forma artesanal en su propio apartamento en Paris, es un buen ejemplo de su música.
viernes, 20 de junio de 2008
ALPHA BLONDY: Cocody rock
Nacido en Costa de Marfil, Alpha Blondy, cuyo verdadero nombre es Seydou Koné, es un veterano músico de reggae con más de 20 años de carrera y 17 discos publicados. Muy popular en África occidental y con una importante proyección internacional, utiliza indistintamente el inglés, el francés y diversos dialectos africanos e incluso el árabe o el hebreo. Muchas de las letras de sus canciones son mensajes que tratan de la pobreza, la segregación, la violencia policial, la búsqueda de la paz o la unidad africana
Su nombre se lo debe a su abuela que, debido a su rebeldía de joven, le puso el apodo "Blondy", como consecuencia de su peculiar pronunciación de "bandit". Ya como músico profesional añadió la primera letra del alfabeto griego, dándole a su nombre el significado de "primer bandido".
“Cocody Rock” es la canción que da nombre a su segundo álbum, grabado en Paris en 1984 excepto el tema principal que se grabó en Kingston con la banda de Marley, The Wailers. El disco se mezcló en Londres donde se empezó a hablar de él como el Bob Marley de Costa de Marfil. El video corresponde a un concierto en Alemania en 2002 acompañado de su banda “The Solar System”, formada por 12 músicos procedentes de África, Jamaica y Europa y que le da su original acento multicultural.
Su nombre se lo debe a su abuela que, debido a su rebeldía de joven, le puso el apodo "Blondy", como consecuencia de su peculiar pronunciación de "bandit". Ya como músico profesional añadió la primera letra del alfabeto griego, dándole a su nombre el significado de "primer bandido".
“Cocody Rock” es la canción que da nombre a su segundo álbum, grabado en Paris en 1984 excepto el tema principal que se grabó en Kingston con la banda de Marley, The Wailers. El disco se mezcló en Londres donde se empezó a hablar de él como el Bob Marley de Costa de Marfil. El video corresponde a un concierto en Alemania en 2002 acompañado de su banda “The Solar System”, formada por 12 músicos procedentes de África, Jamaica y Europa y que le da su original acento multicultural.
viernes, 13 de junio de 2008
ANTÒNIA FONT: Wa yeah!
Me da la impresión de que Antònia Font sigue siendo un grupo muy poco conocido fuera del área de influencia de la música cantada en catalán. Sin embargo, es un grupo con más de 10 años de experiencia y una sólida carrera basada en seis discos. El último de ellos es un recopilatorio con versiones sinfónicas de sus mejores temas grabado con la Orquesta de Bratislava. Aunque manifiestan que al componer las canciones no tienen prejuicios de estilo puede considerarse que practican un pop espontáneo, fresco y emocional.
El compositor y letrista del grupo es Joan Miquel Oliver, que a su vez es el guitarrista y que también ha editado discos en solitario y compone para otros grupos. Además ha publicado una novela y un libro de poemas. Los temas tratados en las canciones de Antònia Font son originales para un grupo pop. En sus letras son frecuentes las referencias al espacio, la astronomía, la astronáutica o la robótica, a menudo como un juego entre estos temas y los más próximos y cotidianos.
“Wa yeah” está incluida en su disco “Batiscafo Katiuscas” publicado en 2006. Este disco según el propio grupo es un trabajo autobiográfico, un viaje introvertido e íntimo hacia las entrañas del ser, después de otros discos más ambiciosos y complejos. Musicalmente también representa un acercamiento nostálgico a la música de los años 80 y a la música electrónica básica. El video de la canción, coherente con este espíritu, puede considerarse un tanto “kitsch” y recordar la estética de Devo o El aviador Dro.
El compositor y letrista del grupo es Joan Miquel Oliver, que a su vez es el guitarrista y que también ha editado discos en solitario y compone para otros grupos. Además ha publicado una novela y un libro de poemas. Los temas tratados en las canciones de Antònia Font son originales para un grupo pop. En sus letras son frecuentes las referencias al espacio, la astronomía, la astronáutica o la robótica, a menudo como un juego entre estos temas y los más próximos y cotidianos.
“Wa yeah” está incluida en su disco “Batiscafo Katiuscas” publicado en 2006. Este disco según el propio grupo es un trabajo autobiográfico, un viaje introvertido e íntimo hacia las entrañas del ser, después de otros discos más ambiciosos y complejos. Musicalmente también representa un acercamiento nostálgico a la música de los años 80 y a la música electrónica básica. El video de la canción, coherente con este espíritu, puede considerarse un tanto “kitsch” y recordar la estética de Devo o El aviador Dro.
viernes, 6 de junio de 2008
ANDY PALACIO & THE GARIFUNA COLLECTIVE: Wátina
En 1635 dos barcos negreros españoles naufragaron frente a la isla caribeña de Saint Vincent y los africanos supervivientes se mezclaron con indios caribes. Los garífunas son los descendientes de aquellos hombres y mujeres que, diezmados y expulsados por los ingleses, tuvieron que refugiarse en la costa atlántica de América Central. Hoy son alrededor de 250.000 repartidos entre Nicaragua, Honduras, Guatemala y Belice. Ante el riesgo de extinción de esta cultura, la UNESCO declaró en 2001 su lengua, danza y música Patrimonio oral e inmaterial de la humanidad. Andy Palacio fue también nombrado Artista por la paz y ejerció de embajador cultual de su país, Belice, y de la cultura garífuna.
Inicialmente Andy Palacio se dedicó al “Punta Rock”, una versión electrónica y bailable de la “Punta”, considerada la música folklórica tradicional garífuna. Después de unos años de éxito en su país conoció al productor Iván Durán, un músico de Belice que llevaba más de 10 años investigando en las raíces de la música garífuna y decidió dar un giro a su carrera, comenzando a componer temas con sonidos más étnicos al tiempo que sus textos pasaban a describir momentos vitales o pequeñas historias de personas reales.
“Wátina” se publicó en 2007 y fue uno de los discos mejor valorados ese año por la crítica especializada. Yo me compré este CD apenas un mes antes de que Andy Palacio muriera en enero de este año de forma repentina a los 47 años a causa de un infarto cerebral, justo cuando mayor era su reconocimiento mundial.
Inicialmente Andy Palacio se dedicó al “Punta Rock”, una versión electrónica y bailable de la “Punta”, considerada la música folklórica tradicional garífuna. Después de unos años de éxito en su país conoció al productor Iván Durán, un músico de Belice que llevaba más de 10 años investigando en las raíces de la música garífuna y decidió dar un giro a su carrera, comenzando a componer temas con sonidos más étnicos al tiempo que sus textos pasaban a describir momentos vitales o pequeñas historias de personas reales.
“Wátina” se publicó en 2007 y fue uno de los discos mejor valorados ese año por la crítica especializada. Yo me compré este CD apenas un mes antes de que Andy Palacio muriera en enero de este año de forma repentina a los 47 años a causa de un infarto cerebral, justo cuando mayor era su reconocimiento mundial.
sábado, 31 de mayo de 2008
YOUSSOU N'DOUR: Set
Creo que Youssou N'Dour es el músico africano más conocido, ha actuado por todo el mundo colaborando con estrellas de la música pop como Peter Gabriel, Sting, Wyclef Jean, Paul Simon, Bruce Springsteen o Tracy Chapman, participado en conciertos a favor de Amnistía Internacional, la ONU y UNICEF y junto con Bono y Bob Geldof se reúne regularmente con los líderes de los países industrializados haciéndoles ver la necesidad de una redistribución de la riqueza a favor de las gentes que viven en los países menos desarrollados. Tanto por su música como por su compromiso con asuntos sociales y culturales es todo un ídolo en su país, Senegal.
Su música parte de la música popular del país, el mbalax, mezcla del estilo de los tradicionales griot o narradores de cuentos con ritmos afrocubanos, danzas senegalesas, cánticos religiosos sufíes musulmanes y la influencia del jazz y el rock norteamericanos. Su canción “7 seconds” cantada a dúo con Neneh Cherry fue un éxito global en 1994 y en 2005 recibió un Premio Grammy por su álbum Egypt.
El video corresponde a una estupenda versión en directo de la canción "Set" que tocó junto con su banda, la Super Étoile de Dakar, en el concierto Africa Calling que se celebró en el Reino Unido en 2005 y que coordinó el propio Youssou N’Dour junto con Peter Gabriel como complemento puramente africano de los conciertos Live 8 que pretendieron concienciar sobre la pobreza en África.
Su música parte de la música popular del país, el mbalax, mezcla del estilo de los tradicionales griot o narradores de cuentos con ritmos afrocubanos, danzas senegalesas, cánticos religiosos sufíes musulmanes y la influencia del jazz y el rock norteamericanos. Su canción “7 seconds” cantada a dúo con Neneh Cherry fue un éxito global en 1994 y en 2005 recibió un Premio Grammy por su álbum Egypt.
El video corresponde a una estupenda versión en directo de la canción "Set" que tocó junto con su banda, la Super Étoile de Dakar, en el concierto Africa Calling que se celebró en el Reino Unido en 2005 y que coordinó el propio Youssou N’Dour junto con Peter Gabriel como complemento puramente africano de los conciertos Live 8 que pretendieron concienciar sobre la pobreza en África.
sábado, 24 de mayo de 2008
FACTO DELAFÉ Y LAS FLORES AZULES: Mar, el poder del mar
Ésta es su canción más conocida y está incluida en su primer CD “El monstruo de las Ramblas” de 2004, reeditado en 2007 para incluir tres canciones de la banda sonora de la película “Yo soy la Juani” de Bigas Luna. Aunque ya entonces tuvo repercusión y “El monstruo de las Ramblas” fue considerada la mejor maqueta de 2004 para el programa Disco Grande" de RNE Radio 3, lo cierto es que este año ha conseguido llegar a un público mayor, que espero también hayan notado en las ventas, al ser utilizado para la campaña de primavera El Corte Inglés.
El grupo está formado por tres componentes procedentes de otros grupos, Marc Barrachina de Songstone, Oscar Daniello de Mishima y Helena Miquel vocalista de Élena, que se incorpora definitivamente al grupo en el 2004 tras haber colaborado en esta canción.
Este sencillo pero original videoclip fue ganador del concurso Diba en Barcelona en mayo de 2006, quedó segundo en la lista de la revista Rockdelux de clips nacionales en 2005 y fue finalista en el Concurso Nacional de video-clips, ZonaZine, integrado en el Festival de Cine Español de Málaga.
El grupo está formado por tres componentes procedentes de otros grupos, Marc Barrachina de Songstone, Oscar Daniello de Mishima y Helena Miquel vocalista de Élena, que se incorpora definitivamente al grupo en el 2004 tras haber colaborado en esta canción.
Este sencillo pero original videoclip fue ganador del concurso Diba en Barcelona en mayo de 2006, quedó segundo en la lista de la revista Rockdelux de clips nacionales en 2005 y fue finalista en el Concurso Nacional de video-clips, ZonaZine, integrado en el Festival de Cine Español de Málaga.
sábado, 17 de mayo de 2008
SEU JORGE: Life on mars?
Seu Jorge nació en una favela en la ciudad de Belford Roxo en el Estado de Rio de Janeiro y según leí en una reciente entrevista ha tenido una vida difícil, llegando a vivir en las calles de Rio durante un tiempo y desempeñando trabajos diversos. Su vida cambió cuando Marcelo Yuka, compositor del grupo F.U.R.T.O., le vio cantando en la calle. Además, pasó una prueba con la compañía de Teatro de la Universidad del Estado de Rio de Janeiro y actuó en más de 20 obras. Creó la banda Farofa Carioca, que mezclaba samba, jongo, reggae, funk, rap, circo y danza y en 1998 tuvo su primera realización profesional, el CD "Moro no Brasil", que tuvo distribución en Brasil, Portugal y Japón. En 2001 fue lanzado "Samba Esporte Fino", un álbum pop influenciado por Jorge Ben Jor, Gilberto Gil, y Milton Nascimento, que fue lanzado fuera de Brasil bajo el nombre "Carolina" en 2003. Tres años después de su primer CD lanzó en Brasil el DVD "MTV apresenta Seu Jorge", grabado en vivo y en Europa su segundo disco "Cru", que fue aclamado por la crítica.
Gracias a su participación como actor en la película "Cidade de Deus", alcanzó reconocimiento internacional y Wes Anderson le llamó para actuar en "The Life Aquatic with Steve Zissou", para la que también se encargó de hacer versiones en portugués de varias canciones de David Bowie para la banda sonora, entre ellas "Life on mars?", de la que adjunto el enlace y, que me perdonen los puristas, casi me gusta más que el original.
Gracias a su participación como actor en la película "Cidade de Deus", alcanzó reconocimiento internacional y Wes Anderson le llamó para actuar en "The Life Aquatic with Steve Zissou", para la que también se encargó de hacer versiones en portugués de varias canciones de David Bowie para la banda sonora, entre ellas "Life on mars?", de la que adjunto el enlace y, que me perdonen los puristas, casi me gusta más que el original.
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