BON IVER: Flume

Como es bien conocido por todos, el fracaso, el desamor o la tristeza son estados mucho más creativos que el éxito o la felicidad. Un buen ejemplo es el disco “For Emma, forever ago” publicado por Bon Iver en 2007. Este disco fue escrito por el cantautor Justin Vernon después de ser abandonado por su novia y recluirse en una cabaña remota en las montañas de Wisconsin durante tres meses y es la demostración de que en los perores momentos muchas veces los artistas muestran su cara más brillante.

Mientras estudiaba en el instituto de su ciudad natal, Eau Claire, Justin Vernon fundó los grupos de rock Mount Vernon y DeYarmond Edison. Tras conseguir el éxito en su ciudad, los cuatro componentes del grupo se trasladaron a Carolina del Norte pero después de un año allí, Justin Vernon rompió con su novia y con su grupo, cuyos componentes pasaron posteriormente a formar Megafaun. Además de la ruptura con su banda y con su novia, en ese momento se le detectó una mononucleosis hepática y Vernon decidió retirarse una temporada a las montañas para recuperarse física y anímicamente. Aunque inicialmente no pretendía grabar, se encontró componiendo y tocando con el material básico de que disponía, grabando bellas y tristes melodías y añadiéndoles la letra tras escucharlas una y otra vez. Cuando comprobó que prácticamente tenía un disco preparado pensó en enviarlo a alguna casa discográfica pero sus amigos le hicieron ver que el disco estaba listo para ser distribuido tal como estaba grabado y después de un periodo de éxito en internet firmó con el sello independiente Jagjaguwar para que fuera editado en todo el mundo bajo el nombre de Bon Iver, que responde a un juego de palabras entre “bon hiver” (buen invierno en francés) y "bon ivre" (buena cogorza), recibiendo unas excelentes críticas.

STAFF BENDA BILILI: Polio

La poliomelitis es una enfermedad de origen vírico que afecta al sistema nervioso central y provoca parálisis, atrofia muscular y, en ocasiones, deformidades. Desde 1954 existe una vacuna eficaz contra esta enfermedad y las campañas masivas de vacunación han conseguido erradicar la enfermedad de América, Europa y buena parte de Asia y África. En 1998 se producían todavía casi 350.000 nuevos casos anuales y la Organización Mundial de la Salud inició una campaña de erradicación global. Actualmente se ha logrado reducir el número de nuevos afectados hasta unos 1.000 nuevos casos anuales pero continúa activa en Afganistán, India, Pakistán y Nigeria. Se estima que se está camino de la erradicación total, lo que será oficial cuando no se produzcan nuevos casos tras 3 años desde el último nuevo contagio. Cuando ocurra, esta enfermedad será la segunda que se ha conseguido erradicar completamente después de la viruela.

Staff Benda Bilili es uno de los grupos más improbables y también sorprendentes que ha aparecido en los últimos años. La banda está formada por músicos callejeros congoleños, varios de ellos parapléjicos como consecuencia de la polio, que viven en las cercanías del antiguo zoológico de Kinshasa, utilizando unos artesanales triciclos para desplazarse. En muchas de sus canciones, mezcla de rumba congoleña, funk y ritmos cubanos, se habla de la discapacidad como un problema psicológico más que físico, tratan acontecimientos de su vida cotidiana y dan consejos para vivir en esas condiciones además de recordar a los padres la necesidad de vacunar a sus hijos. Su primer disco “Très, très fort” fue grabado en 2009 al aire libre, en el mismo escenario donde viven los integrantes del grupo, y ha tenido una acogida entusiasta, sobre todo en Francia, Reino Unido y Gran Bretaña. En la ceremonia de clausura de la WOMEX 2009, el grupo recibió el premio al artista del año. Para 2010 está prevista la aparición de una película sobre el grupo.

MISHIMA: Miquel a l'accés 14

Me estoy dando cuenta que ya han aparecido en el blog varios grupos que cantan en castellano y otros cuantos en catalán pero no he incluido todavía a ningún músico que cante en gallego o en euskera. Prometo intentar remediarlo pronto. En fin, volviendo a Mishima, el grupo lo formó en 1998 el barcelonés David Carabén con músicos procedentes de otros grupos como Marc Lloret (Felicidad Blanch), Christian Aloy (Songstore), Dani Vega (Vyvian), Oscar d'Aniello (Facto Delafé y las flores azules) y Dani Acedo (Vyvian) para realizar una interesante mezcla entre pop y canción de autor. Al año de su formación publicaron su primer disco “Lipstick traces”, completamente cantado en inglés y con el que consiguieron el reconocimiento de la crítica y ser comparados con grupos como Arab Strap, The Magnetic Fields o The Divine Comedy. En 2003 se editó su segundo disco "The fall of public man", también en inglés y, finalmente, en 2005 realizaron su trabajo más personal con su tercer disco "Trucar a Casa. Recollir les fotos. Pagar la multa”, para el que pasaron a utilizar el catalán y con el que alcanzaron el reconocimiento masivo, al menos en Catalunya.

En 2007 se desplazaron a los estudios del productor Paco Loco en el Puerto de Santa María (Cádiz) para grabar su cuarto disco “Set tota la vida”, trabajo que recoge reflexiones sobre el amor y la existencia con el que mantienen su sonido característico aunque las canciones son más directas, el sonido más desnudo y los arreglos menos artificiosos que en sus anteriores discos, más influenciados por los grupos pop británicos. En cualquier caso se escuchan nuevamente las características melodías del grupo, aparentemente sencillas y adornadas con crescendos de guitarras, pianos y baterías.

KARU ÑAN: Gasto Yauicuy

El sanjuanito es un género de música andina originario de la provincia ecuatoriana de Imbabura. Es un género alegre y bailable que se ejecuta en las festividades de la cultura mestiza e indígena y cuyo ritmo ha servido para la adaptación de muchos villancicos. Al parecer el nombre procede de la costumbre de utilizarlo para los bailes del día 24 de junio, fiesta de San Juan Bautista para los españoles y fecha de celebración de los rituales indígenas del Inti Raymi. Antes de la conquista, esta ceremonia religiosa en honor al Inti (el dios sol) era la más importante de las que se celebraba en Cusco, asistía prácticamente toda la población de la ciudad que durante los tres días previos no habían comido más que maíz crudo, yerbas y agua, no habían encendido fuego y se habían abstenido de dormir con sus mujeres. Finalmente el día del solsticio el Inca recibía al sol al que todos adoraban y se sacrificaba un gran número de animales cuya carne era repartida entre los asistentes con gran cantidad de chicha. En 1572 la fiesta fue prohibida por los españoles por considerarla una ceremonia pagana y contraria a la fe católica. Actualmente y desde hace 65 años, se celebra nuevamente como importante atracción turística además de como cierta reivindicación de la identidad inca para los propios cusqueños.

Karu Ñan es un grupo oriundo de la localidad ecuatoriana de Otavalo, que desde hace años recorre los escenarios populares de América y el mundo llevando este ritmo típico de su región. El estilo inconfundible de sus composiciones les ha hecho merecedores de un espacio muy importante tanto en su propio país como en el exterior, consolidándose como uno de los importantes exponentes de la música tradicional andina.

VICTOR DÉMÉ: Djon Maya

Burkina Faso es uno de los países más pobres del mundo. El 90% de sus casi 15 millones de habitantes, cuya esperanza de vida apenas alcanza los 50 años, se dedica a la agricultura pero precisan de la ayuda internacional para alcanzar una renta per capita de unos 1200 dólares anuales. En estas condiciones es fácil entender que en este país no exista una verdadera industria musical y también que no lleguen a Occidente fácilmente los trabajos de sus interesantes músicos. Victor Démé heredó la tradición musical y seguramente también su conmovedora voz de su madre, que en los años 60 se dedicaba a cantar en bodas, bautizos y otros actos sociales en su ciudad, Bobo-Dioulasso. Su familia se exilió a Costa de Marfil siendo adolescente, allí trabajo como sastre, oficio tradicional en la familia de su padre, a la vez que por las noches comenzó a actuar en los clubes de Abiyán con varios grupos hasta llegar a la famosa orquesta Super Mandé de Abdulaye Diabaté.

En 1988 la familia regresó a Burkina Faso y allí Victor Démé asentó su popularidad, ganó varios concursos y fue requerido por las orquestas más importantes de Ouagadougou como “L’Echo de l’Afrique” o “Suprême comenba”. Sin embargo, tras haber alcanzado el éxito, el destino le hizo abandonar durante años su carrera musical y cuando quiso regresar no lo tuvo nada fácil. Finalmente pudo volver a dedicarse a la música, aunque versionando canciones de Salif Keita o Mory Kanté. Afortunadamente siguió trabajando en sus propias composiciones y en 2005 conoció a Camille Louvel, manager de Ouagajungle, una asociación de bares en Ouagadougou, que supuso un giro en su vida. Con la ayuda del periodista David Commeillas y activistas de la asociación Soundicate, fundaron el sello Chapa Blues Records que en 2008 editó el primer disco de Victor Démé tras 30 años de carrera. El disco, que se grabó en el patio trasero de la propia casa de Victor en Ouagadougou, es una conmovedora y recomendable mezcla de melodías folk-blues, con baladas mandingas e influencias latinas.

KOČANI ORKESTAR: Hajde te kelas

Esta banda es una de las mejores fanfarrias compuestas por gitanos que hay en la región de los Balcanes. Estas agrupaciones se formaron a finales del siglo XIX en todas las zonas ocupadas por las tropas de los turcos otomanos dando lugar a una mezcla entre la música militar otomana y las canciones y bailes locales, que posteriormente se enriqueció también con el contacto con la música del este de Europa. Tradicionalmente estas orquestas están formadas por amigos o vecinos y se dedican a ofrecer sus servicios para los actos sociales de la comunidad como bodas, comuniones, aniversarios o entierros.

Kočani Orkestar procede de la ciudad de Kočani, en la República ex-yugoslava de Macedonia, y está formada por dos trompetas, tres tubas, un saxofón, un clarinete, la zurla (un oboe tradicional) y percusiones. Sus miembros cambian a menudo aunque la esencia del grupo está formada por el trompetista Neat Veliov y su familia, actualmente participan su abuelo, su padre y su hijo. Las canciones del grupo emanan de las tradiciones de Bulgaria, Rumania, Serbia o Turquía pero también contiene elementos de salsa, rumba, jazz e incluso de la música de la India. Su música ha aparecido en la banda sonora de varias películas del realizador serbio Kusturica y también en la taquillera “Borat” en la que pretendidamente reflejaba el ambiente de Kazajastán, lo que considerando que entre esos países hay más de 3.500 Km de distancia tiene el mismo rigor que si se utilizara música de Laponia para un reportaje sobre las Fallas de Valencia.

ELLIOTT SMITH: Between the bars

Los padres de Elliott Smith, cuyo verdadero nombre era Steven Paul Smith, se divorciaron apenas un año después de su nacimiento. Elliott se mudó con su madre y su padrastro a vivir a Texas, donde tuvo una difícil infancia marcada por los malos tratos de su padrastro. Años después, se hizo un tatuaje del mapa de Texas en el hombro para no olvidar que no le gustaba vivir allí. Aprendió a tocar la guitarra a los 10 años gracias a una pequeña guitarra acústica que le compró su padre. A los catorce años se mudó a Oregón para vivir con su padre, grabó sus primeras composiciones de forma casera y comenzó a experimentar con las drogas y el alcohol. Durante el instituto tocó el clarinete con la banda de la escuela y fue el cantante, guitarrista y pianista de las bandas “Stranger than fiction”, “A murder of crows” y “The greenhouse” bajo los nombres de Steven Smith o "Johnny Panic", finalmente tras abandonar el instituto adoptó el nombre de Elliott Smith. En su época universitaria formó la banda “Heatmiser” con la que publicó 3 álbumes y un EP. Finalmente, en 1994 grabó su primer disco en solitario con un sello independiente y en 1997 firmó un contrato con la discográfica DreamWorks Records, con la que sacó otros dos álbumes.

En 1995, publicó su álbum homónimo “Elliott Smith”, grabado prácticamente en solitario y por el que se ganó cierta fama de persona oscura y depresiva, que posteriormente intentó abandonar en vano, incluso los críticos llegaron a criticar la pérdida de su característica melancolía y oscuridad en su álbum “Figure 8” editado en 2000. 1997 fue el año en el que obtuvo sus mayores éxitos, por una parte editó el CD “Either/Or”, inspirado en el libro del mismo título del filósofo danés Søren Kierkegaard, que se convirtió en su álbum más aclamado y, por otro lado, su canción “Miss Misery” fue incluida en la banda sonora de la película “Good Will Hunting”, siendo nominada como candidata al Óscar a la mejor canción original de 1997. Durante muchos años de su vida Elliott Smith luchó contra el alcoholismo, la drogadicción y el alcoholismo, temas que trató en las letras de muchas de sus canciones. Según contaba él mismo, el día de su graduación en Filosofía y Ciencias Políticas sólo fue capaz de sentirse orgulloso de haber conseguido hacer algo que realmente no quería hacer durante cuatro años. Elliott Smith murió en 2003, a los 34 años, de dos puñaladas en el pecho aparentemente autoinflingidas mientras trabajaba en su último álbum “From a basement to the hill”, que fue publicado póstumamente en 2004 y del que fueron excluidas las canciones más depresivas. Tras su muerte se le dedicaron muchos homenajes, canciones y varios álbumes.

CESÁRIA ÉVORA: Sodade

La morna es un género musical originario de Cabo Verde relacionado con el fado portugués, la modinha brasileña, el tango argentino y el lamento angoleño y que también se ha comparado en ocasiones con el blues. Las composiciones se cantan, generalmente, en el idioma criollo de Cabo Verde, generado a partir del portugués impuesto por los colonizadores que descubrieron estas islas en el siglo XV y que dominaron el país hasta su independencia en 1975, junto con connotaciones africanas aportadas por los esclavos que fueron traídos desde el continente. La morna trata de reflejar la realidad insular del pueblo de Cabo Verde, su aislamiento, el vergonzoso tráfico de esclavos y también la emigración obligada por la pobreza del país. Tradicionalmente se acompaña de instrumentos acústicos como cavaquinho, clarinete, acordeón, violín, piano y guitarra.

Cesária Évora es conocida con el sobrenombre de “reina de la morna” y también como "la diva de los pies descalzos" debido a su costumbre de presentarse descalza sobre los escenarios en solidaridad con los sin techo y pobres de su país. Ella misma vivió la pobreza en su propia familia ya que su madre enviudó cuando ella tenía 7 años y tuvo que sacar adelante a sus siete hijos con su trabajo como cocinera, Cesária fue dejada bajo los cuidados de un orfanato en cuyo coro aprendió a cantar y a partir de los 16 años comenzó a ganarse la vida cantando en los bares de su ciudad natal a cambio de algo de dinero o de bebida. A los 40 años llegó su oportunidad al ser invitada a cantar en Lisboa, allí conoció a José da Silva, un joven francés con raíces en Cabo Verde que se convirtió en su productor, la persuadió para ir a París donde grabó su primer álbum “La diva aux pieds nus” (1988) que inmediatamente alcanzó el éxito, reconocimiento que le ha acompañado desde entonces. Este mismo año ha publicado su último álbum “Nha sentimento”. En 2004 ganó el Grammy al mejor álbum de world music contemporánea, en 2007 Jacques Chirac le otorgó la medalla de la legión de honor de la República Francesa y desde 2006 es embajadora contra el hambre del Programa Mundial para la Alimentación de la FAO, siendo la primera artista africana en asumir ese papel.

DOMINIQUE A: Dans un camion

El verdadero nombre de este músico francés con ascendencia catalana es Dominique Ané. Siendo adolescente comenzó a hacer coros en un grupo que interpretaba versiones de temas roqueros y a los 17 años formó su primer grupo llamado “John Merrick” (como el hombre elefante) y que duró dos años y medio, hasta que Dominique decidió emprender su carrera en solitario a través de canciones propias de estilo minimalista influenciadas por el rock y la canción francesa. A partir de 1993 y tras haber publicado previamente dos álbumes, “Le disque sourd” (1991) y “La fossette” (1992), además de componer e interpretar sus canciones pasó también a producirlas con la publicación de su disco “Si je connais Harry”. Asimismo comenzó a trabajar como productor para otros artistas, como Françoiz Breut con la que mantuvo una relación sentimental y que, por cierto, pronto aparecerá también por este blog. Es de destacar que a pesar de su ruptura Dominique le sigue escribiendo canciones. Asimismo ha colaborado con otros artistas franceses como Yann Tiersen para quien ha puesto la voz a alguna de sus composiciones. En 1995 su canción “Le twenty-two bar” incluida en su álbum “La mémoire neuve” ganó el premio Victoire de la musique, que reconoce a la mejor producción musical del año en Francia.

Siempre interesado en la investigación de nuevos caminos musicales, tras publicar “Remué” en 1999 y “Aguri” en 2001, con el que celebró sus primeros diez años de carrera musical, es sobre todo a partir de 2002 que se dedica más intensamente a la experimentación de sonidos. Ese año publica el recopilatorio “Le détour” que contó con la colaboración de sus fans para elegir las canciones que lo integraron y en 2004 publicó su disco seguramente más experimental “Tout sera comme avant” que no obtuvo el apoyo del público y tras el cual volvió a renovarse en el siguiente disco “L’horizon”, publicado en 2006, que tampoco produjo él mismo. En 2007 publicó un disco grabado en una actuación en directo “Sur nos forces motrices”, al año siguiente se edita una caja con el título de “Les Sons Cardinaux” que incluye cuatro discos (cada uno con el nombre de un punto cardinal) que contienen temas inéditos de las distintas épocas de su discografía y un libreto de 32 páginas con textos y dibujos suyos. Este mismo año 2009 ha visto la luz su último disco hasta la fecha “La Musique” en el que Domique A ha compuesto todas las canciones y toca también todos los instrumentos que se escuchan en el disco. Además, para sus seguidores incondicionales existe una versión especial que incluye otro disco que no se puede comprar por separado y que lleva por título “La Matière”.

OS MUTANTES: A minha menina

A finales de los años sesenta surgió en Brasil el Tropicalismo. Este movimiento musical, cuyo nombre se debe a Caetano Veloso, proponía la fusión de elementos de la bossa-nova, el rock'n roll, la psicodelia, la música tradicional de Bahía, y el fado portugués junto con un cierto aire renovador y contestatario, aunque finalmente pasó a convertirse en un nuevo un producto comercial, provocando el abandono de alguno de sus miembros. Entre sus representantes más significativos, además de Caetano Veloso, se encuentran Gilberto Gil, Gal Costa, Tom Zé y Os Mutantes. Este grupo nació en São Paulo en 1966 y estaba formado inicialmente por los hermanos Arnaldo Baptista y Sérgio Dias junto con la cantante Rita Lee. Aunque en su momento fueron poco conocidos fuera de su país, mucho tiempo después de separarse han sido reivindicados por músicos de renombre internacional como David Byrne, Beck, Kurt Cobain o Devendra Banhart que han reconocido su influencia, logrando que se recuperaran sus canciones y, finalmente, que volvieran a la actividad.

En 1968 publicaron sus dos primeros discos “Os Mutantes” y “Tropicalia: ou Panis et Circenses” en los que combinaban la psicodelia con el rock y otros estilos de música popular y que son una buena representación del Tropicalismo, movimiento que abandonaron a principios de los 70. En 1971 se unieron a la banda el bajista Liminha y el percusionista Dinho. La banda con la formación inicial grabó otros tres discos hasta que en 1972 abandonó el grupo Rita Lee para iniciar su carrera como solista. A partir de ese momento, el grupo empezó a girar su estilo hacia el rock progresivo como queda patente en su álbum “O A e o Z” grabado en 1973, aunque no llegó a publicarse hasta 1992 por desacuerdos con su compañía discográfica, y en otros tres álbumes más. Ese mismo año dejó el grupo Arnaldo Baptista para comenzar también una carrera como solista y a causa de algunos problemas con el resto de integrantes de la banda. A continuación se marchó Dinho y un año después Liminha. Sérgio Dias, el último miembro de la composición original que quedaba, abandonó la banda en 1978, provocando su disolución. En 2006 se unieron tres de los miembros del grupo, Arnaldo, Sérgio y Dinho, en un concierto con motivo de una exposición sobre el movimiento tropicalista, al que sucedió una gira por Estados Unidos como teloneros de The flaming lips . El 2007 el grupo actuó en las fiestas del aniversario de São Paulo, después de casi treinta años sin tocar en Brasil. Finalmente, este mismo año han publicado un nuevo disco de estudio "Haih or amortecedor”.

OUMOU SANGARÉ: Ne bi fe

No es fácil encontrar una persona cuya vida pueda servir de ejemplo a los demás pero creo que Oumou Sangaré debe ser una de ellas. Cuando tenía tan sólo dos años su padre le abandonó junto a su madre y a sus cinco hermanos dejándoles prácticamente en la miseria. Esta situación le obligó a dejar muy pronto la escuela para ayudar a su familia actuando en bodas y bautizos con su madre. Más tarde pasó a formar parte del Ensamble Nacional de Malí, donde estaban los mejores músicos del país, hasta que Bamba Dembele le invitó en 1986 a unirse a su compañía de percusiones tradicionales para hacer una gira por Europa. De este viaje regresó con la determinación de formar su propio grupo y crear su propio sonido, basándose en el estilo y la tradición de Wassolou, su tierra ancestral. Tras dos años de duro trabajo con su grupo recibió la oferta para grabar un disco y de esta forma se publicó en 1989 “Moussoulou”, compuesto íntegramente por ella y que le convirtió en una figura muy popular en su país. Gracias al sello World Circuit este disco se distribuyó en todo el mundo y le permitió grabar en 1993 ya para esta compañía su segundo disco “Ko Sira”, que fue elegido mejor álbum del año de World Music en Europa. En 1996 publicó “Worotan” (diez nueces de Kola, que hace referencia al precio tradicional por una novia en Malí), “Oumou” en 2003 y finalmente “Seya” en 2009, su último disco hasta el momento.

Alcanzado el éxito, Oumou fue a buscar a su padre a Costa de Marfil donde vivía, le encontró, le perdonó por haberles abandonado y, a pesar de que él había rehecho allí su vida, le construyó una casa en Bamako para que se trasladara a vivir con su familia cerca de su madre y de sus hermanos y consiguió que también ellos le perdonaran. Cuando su padre murió, ella también se hizo cargo de la nueva familia de su padre. 20 años después de sus comienzos como cantante por las calles de Bamako, Oumou Sangaré es ahora propietaria de un pequeño hotel, una empresa de importación de coches y un pequeño terreno en el que cultivar. Simplemente esta actividad como empresaria ya sería suficiente para que sirviera como ejemplo a muchas mujeres de su país, donde como en muchos otros sitios del mundo el machismo es endémico pero además intenta colaborar al desarrollo de las mujeres malienses creando puestos de trabajo y concediendo microcréditos que les permiten iniciar pequeños negocios, les dan independencia y les alejan de algunos peligros por los que Oumou ha pasado y de los que les advierte, los matrimonios impuestos y muy tempranos o la poligamia.

DEPEDRO: La memoria

Depedro es el nombre del último proyecto del músico madrileño Jairo Zavala, cantante y guitarrista que antes de embarcarse en esta aventura ya tenía una trayectoria de casi 2 décadas en los grupos Vacazul, 3000 Hombres y Zolo Zeppelín, con los que sigue colaborando, además de haber trabajado como músico de sesión en discos de artistas de variados estilos musicales. En este último proyecto Jairo ha tenido la participación y apadrinamiento del grupo norteamericano Calexico a los que conoció cuando éstos grabaron una versión de su canción “Don't leave me now” que Jairo coescribió junto a Amparanoia. A partir de ese momento comenzó a tocar con ellos cuando estaban de gira por España y gracias a este contacto consiguió que los miembros de Calexico colaboraran en la grabación en Tucson de su primer disco como Depedro y él mismo participó en el disco “Carried to dust” del grupo norteamericano. Posteriormente Jairo ha pasado a ser el guitarrista de Calexico en sus giras y con ellos ha recorrido media Europa y Estados Unidos.

La música que hace Depedro es fundamentalmente mestiza y fronteriza con letras que tratan de emociones y sentimientos pero también de reflexiones sobre lo que acontece en el mundo. Su disco de presentación se editó en 2008 y hace tenido una muy buena acogida en todos los frentes además de una gran repercusión mediática que seguramente ha sorprendido a este músico con tantos años de trabajo. Así ha conseguido realizar una importante gira de conciertos por España y ahora se prepara para hacerlo también por Estados Unidos donde finalmente también se ha editado el disco este mismo año. Al parecer prepara nuevo disco para el próximo año, en el que seguirá contando con la colaboración de Calexico.

LOS FOLKLORISTAS: Tierra mestiza

El grupo nació en 1966 en la ciudad de México con el objetivo de difundir la música folklórica y la nueva canción de México y de toda América Latina. En esta larga trayectoria de más 40 años han participado en el grupo 46 músicos. Desde su fundación Los Folkloristas se han dedicado a la investigación de las expresiones culturales y al rescate de las raíces folklóricas de México y Latinoamérica, incorporando todo este conocimiento a su repertorio. Así, son autores de una extensa y completa discografía en la que cada uno de sus discos es una verdadera enciclopedia de géneros, ritmos, raíces, culturas y expresiones de toda América Latina.

En 1970 el grupo fundó la Peña de los Folkloristas que durante su vida activa fue el centro más importante de enseñanza y difusión de la música latinoamericana en México y donde dieron conciertos artistas de la talla de Víctor Jara, Inti-Illimani, Atahualpa Yupanqui, Mercedes Sosa, Silvio Rodríguez o Pablo Milanés. La agrupación ha participado en festivales y conciertos masivos en países como Cuba, Canadá, Italia, Alemania, Costa Rica, Venezuela, Bolivia, Guatemala, Nicaragua, Chile, Argentina, Panamá, Colombia, Ecuador y Perú. En muchos de esos viajes han hecho acopio de un importante acervo de más de 100 instrumentos, que después utilizan en sus conciertos. Así, con frecuencia utilizan instrumentos de siglos atrás rescatados por ellos como las ocarinas de diversas formas y tamaños, el huéhuetl (gran tambor ceremonial), el teponaztle (tambor de agua), el cinturón de pezuñas, el raspador yaquis o los tenábaris (capullos de mariposa rellenos con piedritas de hormiguero).

ROKIA TRAORÉ: Dounia

Rokia Traoré es una cantante, compositora y guitarrista maliense. Gracias a que su padre era diplomático paso su infancia y juventud en varios países del mundo, entre ellos Argelia, Arabia Saudí, Francia y Bélgica, lo que sin duda ha influido en el carácter multicultural de su música. Rokia Traeré pertenece a la etnia bambara, con gran tradición musical basada en los griots, casi todos pertenecientes a la casta de los jeli. Sin embargo, su familia pertenecía a la nobleza, que tiene tradicionalmente prohibido dedicarse a la música, por lo que en sus inicios contó con la oposición familiar. A pesar de esto, Rokia decidió emprender la carrera musical y entre sus primeros maestros y apoyos contó con el gran guitarrista maliense Ali Farka Touré, que también ha alentado la carrera de otros innovadores talentos malienses. Rokia ha alcanzado gran éxito en Europa por su música plenamente contemporánea en la que mezcla los instrumentos y la tradición de Malí con sonidos occidentales de guitarra y el bajo acústicos para acompañar su espléndida voz.

Empezó triunfando en su país con una de sus primeras canciones, "Finini", que le sirvió también para darse a conocer en otros países. En 1997 ganó el premio "Découverte Afrique" de Radio Francia Internacional, que le dio la oportunidad de publicar al año siguiente su primer disco editado internacionalmente, “Mouneissa”. Dos años después publicó “Wanita”, en el que compuso la letra y la música de todos los temas. En 2003 vio la luz su tercer álbum, “Bowmboï”, y en 2008 el cuarto, “Tchamantché”, que dedicó al maestro Ali Farka Touré y en el que volvió a firmar todas las canciones, a excepción de una versión de un tema de Billie Holiday. Este álbum tuvo una gran difusión internacional y obtuvo el premio francés “Victoire de la musique” en la categoría de Músicas del mundo.

MATT ELLIOTT: The guilty party

Matt Elliott es un músico inglés nacido en Bristol que ha protagonizado una especie de conversión personal desde una música básicamente electrónica a dedicarse a escribir oscuras canciones de aires folk interpretadas con tradicionales instrumentos acústicos. Comenzó su carrera bajo el nombre de The Third Eye Foundation, triunfando con una mezcla de drum and bass, samples y guitarras procesadas electrónicamente. También fue miembro de los grupos Movietone y Amp y colaboró en algunas grabaciones de Flying Saucer Attack, dedicados al post-rock y a la experimentación. El primer álbum de The Third Eye Foundation “Semtex” fue publicado en 1996 por el propio sello de Matt Elliott. Este disco es considerado parte del trip hop practicado en Bristol por grupos como Portishead, Massive Attack o Tricky. En su segundo álbum “Ghost” (1997) incrementó el uso de samples de forma más agresiva que en el anterior pero a partir de ese momento en sus siguientes discos “You guys kill me” (1998), “Little lost soul” (2000), y “I poo poo on your Juju” (2001) su música comenzó a transformarse haciéndose más minimalista aunque sin abandonar los samples ni su característico sonido sombrío.

En 2003 se produce el verdadero cambio radical, publica “The mess we made”, utilizando ya su propio nombre, abandona la electrónica y la programación, profundiza en el minimalismo y pasa a utilizar instrumentos acústicos. El disco fue muy bien recibido y aunque no sé si el cambio fue aceptado por sus antiguos seguidores, debo confesar que yo mismo sí que lo he visto con mucho agrado. Desde entonces ha continuado con este nuevo estilo en tres discos que forman una especie de trilogía “Drinking songs” (2005), “Failing songs” (2006) y “Howling songs” (2008), que ha sido el primero grabado en estudio. En ellos ha contado con la colaboración de la violinista Patricia Argüelles, ha añadido un mayor uso de voces e introducido un contenido político y social a sus canciones. También ha producido dos álbumes de la banda Hood, ha colaborado con su paisano Manyfingers y en 2009 ha sido una sorpresa verle actuar como telonero de Yann Tiersen en su gira por España.

FLEET FOXES: Your protector

Fleet Foxes es el nombre de esta banda estadounidense que realiza una interesante mezcla de folk, rock y pop caracterizada por sus perfectos juegos de armonías vocales que remiten a grupos de otras épocas aunque ninguno de sus miembros supera los 25 años. El grupo lo formaron inicialmente Robin Pecknold y Skyler Skjelset, unos compañeros de instituto en Seattle que compartían su admiración por Bob Dylan y Neil Young y que en principio se hiceron llamar Pineapple aunque posteriormente tuvieron que cambiar el nombre del grupo ya que lo utilizaba otra banda local. Pecknold se hizo cargo de la composición, Skjelset de la guitarra, y la voz la pusieron ambos. El grupo quedó definido como quinteto con la incorporación del batería Joshua Tillman y los multiinstrumentistas Casey Wescott y Christian Wargo. El peculiar estilo sesentero del grupo llamó la atención del productor local Phil Ek, quien en 2006 les ayudó a grabar su primer EP “Fleet Foxes”. A finales de ese mismo año, la prensa de Seattle comenzó a hacerse eco de la nueva banda, destacando la calidad de las letras y la madurez musical del grupo, a pesar de la juventud de sus componentes.

A partir de este momento su popularidad se hizo global gracias sobre todo a internet y en particular a su página de Myspace. De esta forma llegaron a firmar con el sello Sub Pop, filial de Warner con el que editaron en 2008 su segundo EP “Sun Giant”. Ese mismo año realizaron una gira por el Noroeste de Estados Unidos que les llevó a ser reconocidos en buena parte del país y a atraer también la atención de la prensa europea, lo que hizo que “Sun Giant” fuera también editado para el mercado internacional y que ampliaran su gira al resto de Estados Unidos y a Europa. A su regreso se publicó su primer álbum con el propio nombre del grupo, con gran acogida por parte de la crítica y unas buenas ventas, sobre todo en Europa. Con escasa promoción, el disco fue elegido el mejor álbum del año 2008 por la revista británica MOJO y la estadounidense Pitchfork, mientras que Rolling Stone les otorgó el cartel de gran revelación de 2008, También The Times lo nombró disco del año y The Guardian le colocó la etiqueta de “clásico instantáneo”. Actualmente, la banda se está preparando para el lanzamiento de su segundo álbum para finales de 2009.

SALIF KEITA: Folon

En el Siglo XIII Sundiata Keita constituyó el Imperio de Malí mediante la reunión de varios reinos y lo amplió a través de la conquista de otros pueblos. Es recordado como un gran administrador que desarrolló una eficaz organización política, administrativa y militar y reconocido por su sabiduría y su tolerancia, que permitieron la coexistencia pacífica del Islam y del animismo. Además fomentó el comercio, la explotación de oro e introdujo el cultivo del algodón. Salif Keita es descendiente directo de Sundiata Keita y por ello su familia se ha opuesto siempre que se dedicara a la música, ocupación que entienden incompatible con su rango y que corresponde a la clase inferior de los jalis. Pero no esto no ha sido lo peor en la vida de Keita, en la cultura mandinga se considera que las personas albinas son una señal de mala suerte y por este motivo también fue marginado por su familia y discriminado por sus vecinos para los que representaba la encarnación de un poder maligno por lo que escupían al suelo ante su presencia a fin de alejar los espíritus del mal.

En estas circunstancias, a los 18 años Salif Keita abandonó su ciudad natal Djoliba para mudarse a la capital del país, Bamako, donde pasó un tiempo como músico callejero y cantando en bares hasta que se unió a la Rail Band, patrocinada por el estado y con sede en el hotel de la estación de trenes de la ciudad. En 1973 Salif Keita y Kante Manfila dejaron la Rail Band y se unieron al grupo Les Ambassadeurs, que más tarde se transformó en Les Ambassadeurs Internationaux. Finalmente, el clima político y social en Malí obligó a los músicos a instalarse en Costa de Marfil, donde tuvieron la oportunidad de grabar y de actuar en vivo. Tras la disolución de este grupo en 1984 Salif Keita se mudó a Francia donde dio comenzó su exitosa carrera en solitario que le ha llevado a triunfar en Europa y ser conocido como la voz de oro africana. Su música combina los ritmos tradicionales de África Occidental con influencias europeas manteniendo un estilo general islámico. Esta mezcla también se ve reflejada a nivel instrumental, utilizando balofonos, yembes, koras, órganos, saxofones o sintetizadores. En 2002 volvió a Malí para grabar su disco Moffou, cuyo éxito le llevó a construir en Bamako un estudio propio donde en 2005 grabó su último disco de estudio hasta la fecha, M’Bemba.

BALKAN BEAT BOX: Joro Boro

A pesar de que su música recuerda sobre todo a los Balcanes, este grupo procede de Nueva York donde fue fundado por los músicos Ori Kaplan y Tamir Muskat, ambos de origen israelí pero residentes en el neoyorkino barrio de Brooklyn y que se conocieron tocando en grupos de la escena rock underground de dicha ciudad, especialmente en Gogol Bordello, grupo del que Kaplan fue miembro y Muskat uno de sus productores. Actualmente el grupo está formado por miembros procedentes de Marruecos, España, Bulgaria, Israel y Palestina. Su música fusiona sonidos sirios, judíos, europeos y americanos con ritmos contemporáneos de hip hop, dub, triphop y dancehall e incluye las hipnóticas melodías de las cantantes búlgaras Vlada Tomova y Kristin Espeland.

El resultado de esta fusión musical ha sido definido por el propio Ori Kaplan como dancehall mediterráneo aunque también ha sido catalogado como folk urbano. En todo caso es una música radicalmente enérgica, con resonancias mediterráneas y contagiosamente rítmica. El primer trabajo discográfico de Balkan Beat Box se publicó en 2005 con el nombre del propio grupo y en 2007 editaron “Nu Med” (Nuevo Mediterráneo) en el que la música electrónica cobra un mayor protagonismo. Son renombradas sus actuaciones en directo en las que ofrecen un espectáculo casi circense, contundente y sobre todo muy divertido.

IRON & WINE: Flightless bird, american mouth

El verdadero nombre de este compositor, cantante y productor norteamericano de folk-pop es Sam Bean. Su música acústica y melancólica ha sido comparada con la de otros grandes cantautores como Elliott Smith o Nick Drake. Además de la música, Beam ha mostrado interés por la realización audiviosual, graduándose en la Florida State University Film School y ejerciendo incluso durante un tiempo como profesor de la Film and Cinematography at Miami Internacional University of Art & Design. Precisamente siendo profesor en esta escuela llamó la atención de la discográfica de Seattle Sub Pop, especializada en grunge, y que finalmente editó en 2002 su primer disco “The creek drank the cradle” grabado en un estudio casero y en el que su cálida voz solamente se acompañaba de su guitarra acústica y banjo. Las críticas a este primer trabajo fueron entusiastas. En la misma línea que este primer disco fue lanzado al año siguiente “The sea & the rhythm”, un EP que recopilaba otras grabaciones caseras.

Su segundo álbum “Our endless numbered days” (2004) fue grabado ya en un estudio profesional y contó con la participación de una pequeña banda que introdujo un mayor número de matices a sus temas. En 2005 se publicó el EP titulado “Woman King” en el que también incluye guitarras eléctricas además de la presencia en cada tema de una figura espiritual femenina con un sutil trasfondo bíblico, a pesar de que Bean se ha declarado agnóstico. Ese mismo año publicó otro EP con el título de “In the reins” en colaboración con Calexico, en el que aunque Beam escribió todos los temas del álbum, se incluyen sonidos de instrumentos de metal, elemento característico de Calexico pero novedoso para la música de Beam. Además ha grabado dos EP en exclusiva para iTunes “Iron & Wine iTunes Exclusive EP”, que incluía temas no grabados en estudio, y “Live Session (iTunes Exclusive) EP”, en el que colabora su hermana Sarah Beam. Finalmente, en 2007 lanzó el disco "The Shepard´s Dog" en el que a pesar de seguir siendo predominantemente acústico incluye novedosas texturas musicales progresivas. También ha conseguido mucha popularidad gracias a que algunos de sus temas han sido elegidos para ambientar series de televisión, anuncios y películas, entre éstas últimas puede destacarse que su tema “Flightless bird, american mouth” fue incluido en la banda sonora de la película "Crepúsculo" y que es la canción que cierra este exitoso film de vampiros destinado al público adolescente.

AMADOU & MARIAM: Sabali

Hoy voy a saldar una deuda histórica. No sé cómo ha podido ocurrir pero resulta que el disco que más veces he comprado en mi vida (normalmente no me gusta regalar copias) ha sido el fantástico “Dimanche à Bamako” y, a pesar de esto, ha hecho falta más de un año para que esta pareja de músicos malienses aparezcan en este blog. En fin, dicho queda. Amadou Bagayoko y Mariam Doumbia se conocieron hace casi 30 años en el Instituto de Jóvenes Ciegos de Malí y desde entonces no se han separado. Antes de formar su propio grupo Amadou estuvo durante 6 años en el mítico grupo “Les Ambassadeurs”, del que también han formado parte Salif Keita o Kante Manfila. Por su parte, Mariam cantaba desde que era pequeña en fiestas tradicionales. En 1980 la pareja contrajo matrimonio y en 1985 se trasladaron a vivir a Costa de Marfil, donde consiguieron gran éxito y grabaron varios álbumes. En los años 90 se trasladan como la mayoría de los músicos malienses de su generación a París, donde consiguieron finalmente el reconocimiento también en Europa. Inicialmente grabaron tres discos “Sou Ni Tile” (1999), “Tjé Ni Mousso” (2000) y “Wati” (2003) en los que dieron a conocer su estilo, denominado afro-blues, en el que mezclan los ritmos tradicionales de su patria con guitarras eléctricas, violines de Siria, trompetas cubanas, ney egipcios, trombones colombianos, tablas indias y percusión Dogón. Estos discos tuvieron bastante éxito en Europa, sobre todo en Francia.

Finalmente, Manu Chao hizo gala de su indudable gran olfato y les propuso grabar y producir un disco juntos, lo que dio lugar en 2004 al exitoso “Dimanche à Bamako” antes comentado. La perfecta mezcla de melodías tradicionales, blues africano y pop europeo aderezado con el inconfundible estilo de Manu Chao hizo de este disco un éxito global. La enorme popularidad alcanzada por el dúo les hizo interpretar el himno de la Copa del Mundo de Fútbol celebrada en Alemania en 2006 y que se reeditaran discos suyos con canciones grabadas en Malí y Costa de Marfil. En 2008 grabaron “Welcome to Malí”´con la participación de otros grandes músicos como K'Naan, Toumani Diabate o Tiken Jah Fakoly además de Damon Albarn, líder del grupo Blur, también cautivado por la música de este grupo y que participó y produjo el tema “Sabali” que abre el disco. En todos sus temas, Amadou y Mariam cuentan con gran sencillez escenas cotidianas junto con mensajes de paz y de respeto al prójimo.

M.I.A.: Paper planes

La República de Ceilán accedió a su independencia del Imperio Británico en 1948 y en 1972 cambió su nombre por el actual de Sri Lanka a la vez que se cambió la bandera del país para acoger una representación de las poblaciones minoritarias tamil y musulmana. Y es que en este país de unos 20 millones de habitantes conviven varias etnias, principalmente cingaleses que son la mayoría, con tamiles, moros o malayos, y varias religiones, sobre todo budismo e hinduismo, aunque también se practica el cristianismo y el islam. Esta situación ha generado tradicionalmente unas relaciones complejas, sobre todo entre las comunidades cingalesa y tamil agravadas a partir de las revueltas que se produjeron en todo el país tras el asesinato de 13 soldados en 1983, que provocaron cientos de muertos tamiles y una situación de práctica guerra civil entre el ejército de Sri Lanka y los Tigres de Liberación de la Patria Tamil, organización fundada en 1976 con la pretensión de establecer un estado tamil independiente al noroeste de la isla. Desde entonces han muerto decenas de miles de personas por el conflicto. La guerrilla tamil logró durante un tiempo actuar casi como un estado en el territorio que ocupaba, llegando a disponer de poder judicial, policial, radio y televisión e, incluso, algunas embarcaciones y aeronaves. En 2009, el ejército gubernamental proclamó que la guerrilla había sido definitivamente vencida tras una tremenda ofensiva que causó miles de muertes civiles y se anunció la muerte de su fundador y sus dos principales comandantes cuando después de rendirse pretendían huir, actitud radicalmente contraria a la que empujaron a más de 150 suicidas en atentados contra la población cingalesa.

Mathangi "Maya" Arulpragasam, verdadero nombre de M.I.A. es hija de un activista tamil y, aunque nació en Londres, cuando tenía 6 meses su familia regresó a Sri Lanka aunque finalmente tuvieron que volver al Reino Unido como refugiados al recrudecerse la guerra civil. Allí se dedicó a estudiar Artes, destacando inicialmente como graffitera, siendo habitual en sus obras la temática guerrillera y llegando a estar nominada para el famoso Premio Turner. Musicalmente se inició participando en el segundo álbum de Elástica, lo que le sirvió para acabar grabando su primer disco “Piracy funds terrorism”, inicialmente sólo disponible para la prensa pero que finalmente fue publicado en 2004 a causa de su éxito. Al año siguiente publicó “Arular” con gran éxito de crítica y, finalmente, en 2007 grabó “Kala” en el que se incluye la canción “Paper planes” que fue escogida para la banda sonora de la estupenda película Slamdog millionaire y que creo que ha logrado que la mestiza música, mezcla de rap, funk y música electrónica, de esta artista cuyo nombre significa algo así como “desparecido en combate” se haya popularizado en todo el mundo.

SUFJAN STEVENS: Chicago

El nombre de este músico estadounidense natural de Michigan es de origen árabe y recuerda a Abu Sufyan, prominente figura del Islam que inicialmente se opuso al profeta y acabó luchando con él después de la Hégira. No obstante, Sufjan Stevens ha hecho repetidamente reconocimiento público de un cristianismo militante, que incluso impregna los textos de sus canciones. Su carrera comenzó en los grupos folk Marzuki y Danielson Famile, grupo con el que todavía toca. Se considera un músico autodidacta y toca varios instrumentos, entre ellos guitarra, banjo, piano, oboe o flauta. Su imaginación desbordada se hace patente tanto en su prolífica capacidad de componer como en los temas elegidos, que van desde las canciones sobre ciudades y destinos turísticos, poetas o incluso asesinos famosos hasta las dedicadas a temas fantásticos en las que los protagonistas son brujas o dragones.

Su primer disco “A sun came” (1998) fue publicado por la compañía de su padrastro mientras él todavía estaba estudiando en la Universidad. En 2001, ya instalado en Nueva York, editó su segundo álbum “Enjoy your rabbit”, dedicado al zodiaco chino. En 2003 (Michigan) y 2005 (Illinois) editó dos discos dedicados enteramente cada uno de ellos a un estado norteamericano. En esa época anunció su proyecto de dedicar un disco a cada uno de los 50 estados de Estados Unidos. Actualmente, y con buen criterio, parece haber abandonado este titánico proyecto. Además ha editado “Seven Swans” en 2004, sobre su relación con la fe cristiana, el amor y el ser humano, y en 2006 se publicaron sus últimos discos hasta la fecha “The avalanche” y “Songs for Chistmas”, una colección de canciones navideñas recopiladas durante varios años. Actualmente está embarcado en la reedición de las canciones de su disco “Enjoy your rabbit” en formato acústico y en la publicación multimedia del espectáculo que realizó en 2007 sobre un documental dedicado al transporte entre los barrios neoyorkinos de Queens y Brooklyn que dirigió y en el que también se encargó de componer la banda sonora.

HABIB KOITÉ: Africa

Habib Koité procede de una noble familia de griots Khassonké, etnia de la región de Kayes al oeste de Malí. El papel de los griots en esta zona de África era el de preservar las tradiciones orales de su pueblo, acompañándose normalmente de música aunque en ocasiones tan sólo recitaban cuentos o poemas. Habib heredó la afición por la música de su abuelo que tocaba el n’goni kamal, instrumento tradicional de cuatro cuerdas asociado a los cazadores de la región de Wassolou. Comenzó de niño acompañando a su madre, también griot, que cantaba en ceremonias tradicionales y, sin necesidad de que nadie le enseñara aprendió a tocar la guitarra. Con un grupo de amigos de la infancia fundó en 1988 el grupo Bamada (apodo que se da a los habitantes de Bamako y que significa algo así como “en la boca el cocodrilo”) y desde entonces continúa con ellos. Su familia tenía previsto que estudiara ingeniería pero gracias a un tío suyo que valoró su talento y convenció a sus padres, se matriculó en el Instituto Nacional de Artes de Bamako, donde estudió durante cuatro años y donde fue contratado como profesor de guitarra al licenciarse. En esa época acompañó también a grandes músicos de Malí como Toumani Diabaté o Kélétigui Diabaté y gracias a un amigo francés pudo participar en el Festival Voxpole de Perpignan, que le dio a conocer en Europa y que le permitió ganar varios premios.

A partir de ese momento sus conciertos han sido habituales en Europa y en 1995 pudo publicar su primer disco “Muso ko”. Su segundo álbum “Ma ya” más introspectivo y acústico que el anterior fue un gran éxito en Europa en 1998 y fue reeditado un año después por el sello Putumayo logrando una repercusión mundial, triunfando también en Estados Unidos donde ofreció una serie de conciertos memorables, fue alabado por artistas como Jackson Browne y Bonnie Raitt y donde ha aparecido en las páginas de Rolling Stone, The New York Times y hasta Vanity Fair. En 2001 se publicó “Baro” y en 2007 “Afriki” un grandísimo disco gracias al que le conocí. Habib Koité es un ejemplo de mestizaje, en primer lugar entre la riquísima diversidad musical de su país pero también al incluir elementos occidentales en su música y al combinar con tanto virtuosismo la música tradicional con las tendencias contemporáneas.

ROSE: La liste

Su verdadero nombre es Keren Meloul, pero eligió el nombre artístico de Rose en homenaje a Janis Joplin, por la película biográfica “The Rose” protagonizada por Bette Midler en 1979. Hasta que decidió dedicarse a la música estudió derecho y llegó a trabajar como maestra de escuela. Empezó actuando como telonera de Jehro, Axelle Red, The Servanty y Olivia Ruiz hasta que en 2006 Alain Souchon le dio la oportunidad de actuar con él en el mítico Olympia. Rose no desaprovechó esta oportunidad para ser conocida lo que le permitió grabar su primer y único disco hasta el momento ese mismo año y realizar una exitosa gira por toda Francia al año siguiente.

Además de Joplin, Rose es también entusiasta de la poesía de Bob Dylan y, en general, del folk americano, que impregna hasta su imagen consistente habitualmente en camisas de cuadros y botas vaqueras. Sus canciones, acompañadas siempre por el sonido de su guitarra “Martine” y, en ocasiones, apoyadas por una armónica recuerdan tanto al folk como al country o al jazz y suelen representar fragmentos de su propia vida, tratando por tanto los temas habituales en un diario personal y, en definitiva en una vida, soledad, amor, esperanzas y desilusiones.

CALEXICO: Roka

Calexico es una ciudad californiana, situada en la frontera entre este estado y México. De hecho su nombre proviene de la contracción de California y México para indicar que es el lugar donde termina California y comienza México. Calexico es la ciudad norteamericana con mayor porcentaje de población latina, aproximadamente un 85%, y es el nombre escogido por este grupo para bautizar su música fronteriza mezcla de folk del suroeste de los Estados Unidos y música mexicana. A mí, particularmente, me atraen más sus discos en los que es más patente las influencias mexicanas en su música y mayor es el aporte de violines e instrumentos de viento que se imponen sobre las guitarras y las parte vocales.

Calexico surgió a partir del grupo californiano Giant Sand, en el que John Convertino tocaba la batería y al que en 1990 se incorporó el batería Joey Burns. En 1994 el grupo se trasladó a Tucson y allí Convertino y Burns fundaron Friends of Dean Martinez y, posteriormente, Spoke, que finalmente adoptaría el nombre definitivo de Calexico con la edición en 1997 de su primer álbum, publicado inicialmente en una pequeña edición independiente como Spoke. Desde entonces su discografía se compone de álbumes de estudio (“The black light” en 1998, “Hot rail” en 2000, “Feast of wire” en 2003. “Garden Ruin” en 2006 y “Carried to dust” en 2008) y otros grabados en directo que sólo pueden ser adquiridos en sus conciertos (“Road map” en 1999, “Travelall” en 2000 y “Aerocalexico” en 2001). Además haciendo gala del sentido mestizo y participativo de su música han colaborado con diversos artistas como Françoiz Breut, Amor Belhom Duo, Iron & Wine, la cantante granadina Amparanoia o el músico Jairo Zavala, con el que han colaborado en su primer disco y que incluso ha participado con ellos en alguna gira. Además han editado otros dos discos con rarezas y en 2000 incluso publicaron un disco con el nombre de su antiguo grupo Giant Sand.

ISSA BAGAYOGO: Saye mogo bana

Issa Bagayogo vivía en Malí en el campo con su padre, las cuatro esposas de su padre y sus quince hijos. Toda la familia se dedicaba al campo que era su forma de vida. A los 12 años Issa comenzó a tocar el kamel n’goni, un instrumento tradicional de seis cuerdas mezcla de n´goni y kora, y a cantar. Mucho tiempo después, en 1991, tras haberse ganado el reconocimiento en su pueblo se trasladó a Bamako para intentar ganarse la vida con su música, así consiguió grabar su primera cinta, pero no tuvo el éxito esperado y tan sólo pudo volver a su pueblo con el orgullo de ver su foto en la portada. Sin embargo, Issa no tenía intención de volver a trabajar en el campo y sólo 3 meses después de su vuelta regresó a Bamako donde en 1993 grabó su segunda cinta, también con éxito escaso. Entonces se vio obligado a trabajar como aprendiz de conductor de autobús y comenzaron sus problemas con las pastillas. Su mujer le dejó y su madre se desesperaba por la vida de su hijo.

Afortunadamente, Issa estaba decidido a vivir de su música y tras dejar su adicción consiguió reunirse con el ingeniero de sonido Yves Wernert y el ex-guitarrista de Ali Farka Touré, Moussa Koné, que le sugirieron participar en una experiencia musical todavía inédita en Malí, mezclar la música tradicional con bases rítmicas cercanas al techno pero Issa no estaba acostumbrado a trabajar con cajas de ritmo e inicialmente dudó del proyecto. En 1998 aparecieron estas nuevas canciones en su disco “Sya” y sorprendentemente fue un éxito en Malí, se le pasó a conocer como “Techno Issa” y finalmente pudo volver a su pueblo como un triunfador. Su madre estaba orgullosa de su hijo y hasta su mujer quiso volver con él. En 1999 alcanzó el premio de la Radio Televisión de Malí al artista revelación, lo que en un país con tanta tradición y riqueza musical verdaderamente es un gran premio. Tres discos después, “Timbuktu” (2002), Tassoumakan (2004) y el último hasta la fecha, “Mali Koura”, publicado en 2008, le han proporcionado un importante éxito global y el reconocimiento internacional a su personal estilo musical. Issa ya no va a tener que volver a trabajar en el campo.

BELLERUCHE: Northern girls

Ellos mismos se definen como un grupo de “hip-hop blues soul”. Pues eso. El trío se formó de forma casual en 2004 al encontrase el productor DJ Modest y el guitarrista Richy Fabulous, que ya actuaban juntos en bares de Londres, con la vocalista Kathrin DeBoer en un mercado. Al año siguiente de nacer, el grupo editó 3 singles en su propio sello Hippoflex y en 2006 un EP. Finalmente, en 2007 tras firmar con la compañía Tru Throughts editaron su primer álbum “Turntable soul music”, bien acogido por la crítica especializada, y en 2008 su segundo y último disco hasta la fecha “The express”. En todos sus trabajos consiguen un sonido muy personal aplicando la electrónica y técnicas del hip-hop (turntablism) a los ritmos soul y jazz que crean, acompañados de la maravillosa voz de su vocalista.

Turntable o mesa giratoria es el término para designar al plato giradiscos y el nombre que DJ Babu utilizó por primera vez para diferenciarse de los clásicos pinchadiscos que sólo se dedicaban a poner y mezclar canciones ajenas. Así, estos DJ utilizan los platos como instrumentos y se consideran verdaderos músicos capaces de componer temas utilizando técnicas como el scratch, backspin, breakbeats o beat juggling.

ELÍADES OCHOA Y EL CUARTETO PATRIA: Píntate los labios María

En 1997 el éxito del disco Buenavista Social Club, impulsado por Ry Cooder y editado por World Circuit, atrajo la atención del mundo hacia la música cubana. En este histórico disco participaron grandes músicos como Compay Segundo, Ibrahim Ferrer, Rubén González, Omara Portuondo o el propio Elíades Ochoa. Todos ellos tuvieron después de este éxito un reconocimiento mundial y un relanzamiento de sus propias carreras, aunque a casi todos les llegó muy tarde. Quizás Elíades Ochoa es quien más ha podido aprovechar este éxito ya que su edad le ha permitido seguir en activo y actualmente continúa ofreciendo un gran número de conciertos cada año por todo el mundo.

Elíades Ochoa nació en el Oriente Cubano y comenzó de niño a tocar la guitarra y cantar música tradicional cubana por las calles de Santiago, después pasó a formar parte de los grupos Quinteto Oriental y Septeto Típico abandonando las calles y logrando frecuentar el escenario de la Casa de la Trova, verdadero centro neurálgico de la música tradicional en la isla. En 1978 entró a formar parte del Cuarteto Patria, grupo fundado en 1940, cuyo nombre recuerda al periódico fundado y dirigido por José Martí hasta su muerte. Cuatro años después Elíades pasó a dirigir el grupo, colaborando en su difusión internacional. Con este grupo ha publicado algunos discos sensacionales con música tradicional cubana y composiciones nuevas pero, en particular, me parece muy destacable el disco CubAfrica que editaron en 1996, tras su encuentro con el gran músico camerunés Manu Dibango.

A pesar del éxito conseguido y de los múltiples viajes que realiza cada año para actuar allí donde se le reclama es de destacar la humildad y el fantástico carácter de este músico que impregna de felicidad cualquier escenario que visita así como su orgullo en recordar los orígenes campesinos, guajiros, de su música y de él mismo. También es característica su guitarra armónica capaz de sonar como un tres o como una guitarra tradicional.

MAYRA ANDRADE: Tunuka

No toda la música caboverdiana es morna y Cesaria Évora pero es indudable que el éxito de la cantante de los pies descalzos ha ayudado a situar en el mapa a este pequeño país de apenas 4.000 Km2 y 500.000 habitantes. La verdad es que es impresionante la diversidad de músicas, cantantes y compositores que ha producido este pequeño país gracias al mestizaje, forzado, entre los colonizadores europeos y los esclavos africanos llevados hasta allí por los europeos ya que el archipiélago no estaba habitado cuando llegaron. Sin embargo, el comercio de seres humanos fue la principal actividad de estas islas durante siglos.

Mayra Andrade une a este origen mestizo de su país el suyo personal. Nació en Cuba y ha vivido en Senegal, Angola y Alemania además de en Cabo Verde, hasta que se instaló en París con 16 años después de ganar el concurso musical Jeux de la francophonie. A las influencias musicales que puede haber recibido en todos estos destinos debe añadirse, sin duda, la que le ha aportado la música brasileña que ha escuchado en su casa desde niña. En París comenzó a recibir clases de canto y, poco después, siendo muy joven pasó a actuar en escenarios de Lisboa o Cabo Verde y también en pequeños clubes de la capital francesa. Toda esta experiencia hace que su excelente primer disco “Navega” publicado en 2006 refleje una madurez impropia del debut de una cantante tan joven. En 2008 recibió el importante premio de World Music de BBC Radio 3 y hace apenas unos días se ha editado su segundo disco “Stória, Stória” cuyo título evoca el inicio de un cuento tradicional de cabo Verde y que espero poder escuchar pronto.

SANDRINE KIBERLAIN: Y’a du monde

Esta francesa descendiente de judíos polacos ha triunfado en su país como actriz. En 1995 ya obtuvo el César a la mejor actriz revelación y desde entonces ha recibido varias nominaciones más y obtenido el prestigioso premio Romy Schneider que se concede a los jóvenes talentos del cine francés. Pero además de su talento como actriz, Sandrine Kiberlain ha tenido también la oportunidad de demostrar su valía para la música, a la que siempre ha estado muy unida por tradición familiar.

Inicialmente se dedicaba a escribir textos para otros cantantes hasta que el cantautor francés Alain Souchon le animó a interpretarlos ella misma. Así, en 2005 se publicó su primer disco “Manquait plus qu'ça” con muy buena acogida en Francia, recibimiento que se repitió en 2007 con el lanzamiento de su segundo álbum “Coupé bien net et bien carré”. En ambos trabajos, Sandrine ha escrito las letras de todas las canciones, habitualmente desarrolladas como páginas de un diario personal en las que introduce apuntes de su propia biografía. La música la deja a diversos compositores entre los que destacan el propio Pierre Souchon y Camille Bazbaz, además de Etienne Daho y Mickaël Furnon.

ELIS REGINA: Águas de março

Elis Regina nació en Porto Alegre y comenzó a cantar con 11 años en un programa de radio infantil. A los 13 años ya fue contratada por Radio Gaúcha y un año después, en 1960, se trasladó a Rio de Janeiro y grabó su primer álbum “Viva a Brotolândia”. Desde ese momento comenzó una carrera meteórica que le llevó a grabar discos de forma continua, contribuyendo al éxito del movimiento tropicalista fundado por Gilberto Gil y Milton Nascimento, entre otros, y obteniendo una enorme popularidad en Brasil, lo que le permitió no ser represaliada por la dictadura militar que gobernó el país desde 1964 a 1985, a pesar de ser públicamente muy crítica con ellos y que otros muchos cantantes de la época sufrieron prisión o debieron exiliarse. Sin embargo, accedió a cantar públicamente el himno nacional en un acto público lo que le granjeó las críticas de la izquierda brasileña.

En 1974 alcanzó su mayor éxito internacional con el disco “Elis & Tom” que grabó junto a Tom Jobim y que ha sido uno de los discos de bossa nova más vendidos de la historia. A pesar de su brillante carrera y ser reconocida como una de las mejores representantes de la música popular brasileña, Elis siempre mantuvo una vida agitada, siendo conocida también por su fuerte temperamento y su trato difícil. En 1982 murió como consecuencia de una sobredosis de alcohol, drogas y tranquilizantes cuando contaba 36 años. Su prematura muerte causó una gran conmoción en Brasil. En los muros de muchas ciudades se popularizó la leyenda “Agora é uma estrela”.

TOUMAST: Amidinine

De vuelta al desierto del Sahara. Y mucho de lo dicho en su momento para Tinariwen sirve para el guitarrista de este grupo Moussa Ag Keyna. Hasta los 15 años vivió como pastor en el país de los tuareg, en la frontera entre Malí y Niger, como lo habían estado haciendo sus antepasados durante siglos. Sin embargo, después de que en los años 70 del siglo XX se produjera una disminución del ganado y, por tanto, la pérdida de su forma de vida, muchos jóvenes fueron reclutados para participar en la rebelión tuareg en defensa de la identidad de su pueblo.

Sin haber abandonado todavía las armas, Moussa comenzó a dedicarse también a la música y formó Toumast, que significa “identidad”. Inicialmente todas sus canciones compartían el espíritu revolucionario que le llevó a luchar por su pueblo. En 1994 fue herido en combate y evacuado a Francia, donde afortunadamente entró en contacto con el productor y multiinstrumentista Dan Levy que produjo sus canciones tuareg con arreglos contemporáneos pero sin perder las fuertes raíces que tenían las hipnóticas composiciones de Moussa. Así, después de 10 años en Francia en los que estuvo colaborando con varios músicos occidentales, finalmente en 2006 pudo publicarse el primer disco de Toumast “Ishumar” contando con la cantante Aminatou Goumar. De esta forma Moussa sigue con su lucha pero ahora con otras armas, seguramente más eficaces.

DAVID BOWIE: Life on Mars?

Hoy cumple un año este blog y francamente estoy orgulloso de todo lo que ha pasado en este tiempo. Según el contador que aparece a la izquierda, desde el 17 de mayo de 2008 ha habido más de 6.500 visitas, y aunque no puedo comunicarme con todas las personas que han llegado aquí alguna vez, espero que hayan encontrado algo de lo que andaban buscando, o mejor, que hayan encontrado algo que no andaban buscando. Puedo decir que estas visitas han procedido mayoritariamente de España (casi el 70%) pero que también han llegado visitantes de todos los países de América Latina (sobre todo de Nicaragua, Argentina, México, Colombia y Chile), de prácticamente toda Europa y en algunas contadas ocasiones ha habido visitas desde Australia, Japón o Kuwait. Supongo que todos estos orígenes tienen mucho más que ver con la lengua de este blog que con el reconocimiento popular de los músicos en esos países y, en cualquier caso, es destacada la desproporcionada presencia, para el tamaño de su país, de visitantes procedentes de Nicaragua, hecho muy ligado al éxito de Carlos Mejía Godoy y la música popular en dicho país. También debo remarcar, aunque no como algo positivo, que en este tiempo sólo se ha producido una única visita del continente africano.

Creo haber cumplido con la dispersidad prometida. En estas 52 semanas han aparecido 52 músicos y grupos repartidos de forma escrupulosamente paritaria entre músicos procedentes de Europa, América y África que han utilizado, además de los instrumentos habituales de los músicos occidentales contemporáneos otros como la mandolina, el n’goni, la kora, el balafon, la quena, la zampoña, el charango o el ukelele y se han podido escuchar canciones cantadas en inglés, castellano, catalán, francés, portugués, italiano, wolof, bambara, garifuna, quechua, aymara, amazigh e, incluso, en lenguas inventadas como el Vonlenska (o hopelandic) de Sigur Rós. Como curiosidad añadiré que los músicos con más éxito hasta el momento han sido, con mucha diferencia, Jovanotti y Carlos Mejía Godoy, aunque últimamente se nota el auge de Los Delinqüentes, quizás debido al lanzamiento de su último disco. La verdad es que me han sorprendido estos resultados, sobre todo el caso de Carlos Mejía Godoy que, francamente, no pensaba que tuviera tanta vigencia. Por otra parte, también me sorprende que Daara J haya sido el grupo con más visitas de entre los africanos, cuando han aparecido otros músicos como Ali Farka Touré, Cheikh Lô o Tiken Jah Fakoly, que pensaba que tendrían más tirón popular, pero una vez más se demuestra que mi opinión casi nunca es demasiado acertada.

En fin, hace un año Seu Jorge inauguraba este blog con una extraordinaria versión de la canción Life on Mars? de David Bowie y me ha parecido oportuno celebrar este aniversario con la versión original de este gran tema. Menos mal que David Bowie es muy conocido y no necesita mucha presentación porque no querría alargar demasiado esta entrada. Sólo recordaré que tomó su apellido artístico de uno de los defensores de la misión texana de El Álamo frente a las tropas mexicanas, que su carrera comenzó en la década de los 60 del siglo XX y que desde entonces ha tenido un importante papel en la historia de la música rock y pop, sabiendo adaptarse a otros estilos e incluso anticiparse a las tendencias que han ido surgiendo en todos estos años. Actualmente sigue en activo y según me ha parecido verle en alguna grabación, a pesar de la edad y de haber engordado un poco, en comparación con su extrema delgadez de épocas pasadas, parece que mantiene completamente el pelo y el talento.

THE FELICE BROTHERS: Frankie’s gun

Este grupo estadounidense está formado por Ian Felice, Simon Felice y James Felice además de otros dos amigos llamados Christmas y Farley. Los tres primeros realmente se llaman así y son verdaderos hermanos y no ficticios como en su momento crearon los Ramones. Hacen una música rural catalogada como folk-rock aderezada con algo de country que indudablemente en muchas de sus canciones recuerda las míticas grabaciones de Dylan con The Band, lo que además de por los instrumentos que utilizan se ve favorecido por la voz de Ian Felice. Uno de sus grandes momentos ocurrió en el prestigioso festival folk de Newport en 2008 donde a causa de las condiciones meteorológicas se quedaron sin electricidad y se vieron obligados a improvisar un concierto completamente acústico, que al parecer fue memorable

Los hermanos Felice son originarios de Palenville en el estado de Nueva York a escasos 20 minutos de la ciudad de Woodstock, donde en 1969 se desarrolló uno de los festivales de música rock más famosos de la historia, y allí comenzaron a tocar en reuniones familiares. Pero el grupo como tal nació en Nueva York, una vez que la familia se había trasladado a Brooklyn, tocando en sus inicios en las estaciones del metro. En 2006 publicaron su primer trabajo “Through These Reins and Gone” y después de haber editado desde entonces un disco al año, muy recientemente acaba de salir su último álbum “Yonder Is the Clock”, que reconozco que todavía no he escuchado pero como siempre les está ocurriendo hasta el momento, ya atesora unas excelentes críticas.

ABDULLAH IBRAHIM: The wedding

El nombre original de este compositor, pianista y multiinstrumentista sudafricano es Adolphe Johannnes Brand y originalmente actuó con su grupo con el nombre de “Dollar Brand Trio” hasta que adoptó el de Abdullah Ibrahim al convertirse al Islam en la década de los sesenta del siglo XX. Inició su carrera en su país en los grupos Tuxedo Slickers y la big band de Willie Max y colaborando con otros grandes músicos como la recientemente desparecida Miriam Makeba o el trompetista Hugo Masekela. Duke Ellington lo alabó reconociéndolo como el mejor pianista y compositor de África y le apoyó con la edición del disco “Duke Ellington presents The Dollar Brand Trio” (1963) que le ayudó a ser reconocido mundialmente y le dio la oportunidad de colaborar también con Elvin Jones, el trompetista Don Cherry o el saxofonista argentino Gato Barbieri.

En 1965 se trasladó a vivir a Suiza donde también contrajo matrimonio, en 1970 retornó a Sudáfrica pero el vergonzoso régimen racista todavía estaba vigente y en 1976 abandonó su país para instalarse en Nueva York. En esos momentos ya era una figura popular en el mundo del jazz y actuaba en los principales festivales de jazz de Europa, América y Japón tanto como solista de piano como con su grupo. En 1990 con la liberación de Nelson Mandela y el inicio del fin del apartheid volvió a Sudáfrica pero sin abandonar completamente Nueva York, donde sigue residiendo. En 1998 compuso la banda sonora de la película “Chocolat”, que obtuvo el Oscar a la mejor banda sonora de ese año. También es destacable su colaboración con la Joven Orquesta de la Comunidad Europea, la Orquesta Filarmónica de la Radio de Munich y la Orquesta de Cámara de Zurich para hacer versiones sinfónicas de sus obras con gran éxito. En 2008 con 74 años y después de cuatro años sin grabar ha editado su disco “Senzo” en el que se muestra en plena forma e interpreta sólo con su piano 21 temas propios y una versión de “In sentimental mood” de Duke Ellington.

SERGENT GARCIA: Long time

Esta banda está formada actualmente por diez músicos procedentes de Cuba, Guayana, Francia y España liderados por Bruno García, músico, DJ y agitador cultural de nacionalidad francesa, origen español y vocación universal que reside desde hace años en Valencia donde se ha embarcado también en la instalación de un estudio de grabación, La Gwagwita, donde grabar sus propios disco y producir a artistas de todo el mundo. También ha creado una radio en Internet, Radio Timbo, para divulgar a artistas que combinan música latina y reggae que lleva funcionado desde 2007, es director artístico de varios festivales y colabora con diversas causas sociales

Bruno Garcia comenzó su carrera musical en los años 80 del pasado siglo como guitarrista en la mítica banda de punk Ludwig von 88 con el seudónimo de Nobru. En Paris se dedicó a producir a grupos de rap hasta que comenzó a mezclar en la radio música latina y reggae, creando su estilo personal, la salsamuffin (por analogía al ragamuffin), al que se ha dedicado desde entonces. En 1997 grabó casi artesanalmente el disco “Viva el Sargento”, al que siguieron “Un poquito quemao” en 1999 que supuso su consagración, “Sin fronteras” en 2001, “La semilla escondidad” en 2003 y “Máscaras” en 2006 que es su último álbum publicado hasta el momento. Gracias al éxito ha llegado a arroparse por un grupo de buenos músicos de orígenes diversos que le acompañan en giras interminables por Francia, España y América Latina.

FAROFA CARIOCA: Pare e pense

La farofa es un alimento a base de harina de mandioca o maíz muy popular en Brasil por su reducido coste y que se utiliza desde la época colonial como acompañamiento de carne, ave o pescado. Con este nombre que sugiere la mezcla que musicalmente cultivan nació en 1995 en Rio de Janeiro este grupo entre cuyos miembros fundadores se encontraba Seu Jorge. Poco después del lanzamiento del primer disco de la banda "Moro no Brasil" en 1998, distribuido en Brasil, Portugal y Japón, Seu Jorge abandonó el grupo para dedicarse a su exitosa carrera en solitario. A partir de ese momento fue sustituido por Mário Broder que confirió un estilo más funk a las canciones del grupo.

Desde entonces Farofa Carioca ha continuado realizando su peculiar mezcla de pop, rock, rap, samba y funk junto con la denuncia de la situación de las clases más desfavorecidas de Brasil que se incluye en sus letras, ha participado en varios discos colectivos y en 2008 ha publicado su nuevo disco “Tubo de ensaio”. Además no ha dejado de ofrecer conciertos por todo Brasil, que en ocasiones se convierten en verdaderos espectáculos en los que incorporan danza o números circenses.

KHALED: Aïcha

El raï, que en árabe significa “opinión” o “punto de vista”, es una música originaria de Orán, en el oeste de Argelia. Surgió en los inicios del siglo XX a partir de la tradición de antiguas músicas religiosas musulmanas y del folclore beduino y ha logrado una gran difusión tanto en el norte de África como en Francia, donde se ha extendido gracias al importante número de emigrantes del Magreb que viven en ese país, que fue la antigua potencia colonizadora. Así, en 2001 el Consejo Superior Audiovisual francés reconoció la importancia de este género al otorgar la concesión de dos emisoras en la región de París que emiten desde entonces raï las 24 horas del día.

En sus orígenes existía un raï oficial que glosaba los valores religiosos y morales y un raï prohibido e irreverente que se cantaba en zocos y tabernas y en el que los temas eran el alcohol y los placeres humanos. Tras la independencia de Argelia este género se extendió por todo el país pasando a ser una especie de música nacional y adoptando instrumentos occidentales además de los tradicionales como la flauta, el bendir o el laúd árabe. Ya en los años 70 del siglo XX, se añadieron sintetizadores y cajas de ritmo a la vez que se produjeron fusiones con elementos del rock, pop o reggae dando lugar a un género mestizo mucho más atractivo. A partir de la década de los 80 surgieron los grandes cantantes como Cheb Hasni, Cheb Khaled, Cheb Mami o Rachid Taha que lograron hacer internacional esta música interpretándola en francés y adoptando cierto estilo occidentalizado.

Durante el régimen del partido único Frente de Liberación Nacional en Argelia, el raï estuvo prohibido alegándose que sus letras eran obscenas y corrompían a la sociedad. Con la llegada de la democracia y ante su extensa popularidad el gobierno llegó a concederle el reconocimiento como música nacional. Sin embargo, por otra parte es rechazado por los islamistas más radicales que durante la cruel guerra civil que se desarrolló en la década de los noventa llegaron a asesinar a algunos cantantes como Cheb Hasni, uno de los más famosos, provocando que otros muchos cantantes se trasladaran a Francia. Uno de ellos es Khaled, o Cheb Khaled (el joven Khaled) en sus inicios, que a los 14 años publicó su primer disco tras haber aprendido por su cuenta a tocar la guitarra, el bajo, el acordeón y la armónica y que vive en Francia desde 1989 donde ha cosechado sus mayores éxitos a través de discos en los que se ha acercado al jazz, al pop y al reggae.

LOS DELINQÜENTES: El aire de la calle

Ahora que parece que por fin llega de verdad el buen tiempo y la primavera trompetera se asienta entre nosotros creo que llegado el momento de acordarse de Los Delinqüentes. Este grupo jerezano nació en 1998 e inicialmente estaba formada por dos amigos del instituto, Miguel Benítez (el Migue) y Marco del Ojo (el Canijo) que adoptaron el nombre de una canción de Kiko Veneno, al que desde siempre este grupo ha tenido como referente, y que llegaron a grabar una maqueta. Después de asistir a una actuación de Diego Pozo (el Ratón) y su banda, Miguel y Marco le pidieron que les diera algunas clases de guitarra. Finalmente Diego acabó incorporándose al grupo para dar lugar al trío Los Delinqüentes, acompañados siempre por su inseparable Banda del Ratón. En esta banda se integraron algunos integrantes del grupo Palocortao, del que también formaba parte el Ratón, entre ellos su cantante “el Daviles” que canta algunas canciones de su antiguo grupo que Los Delinqüentes han adoptado.

En 1999 grabaron su segunda maqueta que tuvo cierta repercusión en Andalucía tras haber sido utilizada la canción “El duende garrapata” en una campaña publicitaria. Grabaron una tercera maqueta, completamente en directo, en espera de recibir una propuesta de alguna compañía discográfica pero como esta respuesta no llegaba se trasladaron a Madrid para darse a conocer. Tocaron en colegios mayores y fiestas privadas y se presentaron en varias discográficas con sus guitarras. Finalmente, los cazatalentos de Virgin demostraron tener más olfato que los demás y con esta compañía grabaron en 2001 su primer disco “El sentimiento garrapatero que nos traen las flores”, que llegó a ser disco de oro en España. En 2003 editaron su segundo disco “Arquitectura del aire en la calle” y en 2006 su último disco de estudio hasta el momento “El verde rebelde vuelve”, ya sin Miguel Benítez. Para 2008 estaba previsto el lanzamiento de su nuevo disco “Bienvenidos a la época iconoclasta” pero problemas con su compañía discográfica hicieron que se retrasara. Al parecer su publicación se anuncia inminente.

En 2004, en pleno auge del grupo falleció Miguel Benítez a los 21 años, oficialmente a causa de una parada cardiaca aunque es bien conocido que su muerte fue causada por los excesos con las drogas, una más entre las ocurridas a jóvenes músicos con éxito. Esta pérdida fue dura para el grupo ya que Miguel era su líder, compositor y el cantante en la mayoría de los temas, aunque Marco ya había comenzado a compartir con él esa labor en el segundo disco. Tras el golpe, el grupo decidió seguir adelante, continuar con su mezcla de rock, blues y flamenco y, si cabe, hacer una música cada vez más festiva y desenfadada.

VINICIUS DE MORAES: Tarde em Itapoã

Vinicius de Moraes fue sobre todo un poeta apasionado, bohemio y mujeriego. No obstante, también estudió derecho y aunque desde muy joven ya había comenzado a publicar sus primeros libros de poesía y conseguido una beca para estudiar lengua y literatura inglesa en la Universidad de Oxford, tuvo que volver a Brasil con el inicio de la Segunda Guerra Mundial dedicándose a su regreso a la crítica cinematográfica hasta que consiguió ingresar por concurso en la carrera diplomática. A causa de este trabajo vivió en Los Ángeles, París y Montevideo. Sin embargo, sus ocupaciones nunca le impidieron desarrollar sus verdaderas pasiones, la poesía, el cine y la música. Pudo compatibilizar su trabajo como diplomático con su pertenencia al Partido Comunista y una presencia cada vez más frecuente en los ambientes artísticos y de la farándula hasta que al cumplir 55 años fue expulsado del Ministerio de Relaciones Exteriores, decisión que el propio Vinicius aplaudió y celebró incorporándose a una comunidad hippy en Bahía.

Su relación con la música comenzó a los 19 años cuando escribió sus primeras 10 canciones que fueron grabadas por los hermanos Tapajós. En 1950, trabajando ya como diplomático, escribió su primera samba junto con el músico Antônio Maria y en 1954 su obra de teatro “Orfeu da conceição” ganó el concurso del IV Centenario de São Paulo y fue llevada al cine en 1959 por Marcel Camus con el título de “Orfeo negro”. Esta película, que ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, la Palma de oro en el Festival de Cannes y el premio de la Academia Británica, permitió a Vinicius iniciar una larga amistad con Antonio Carlos Jobim, que escribió varias canciones para la película. Posteriormente el dúo colaboró en algunas de las canciones más recordadas de la bossa nova.

Además de Jobim, Vinicius colaboró con otros grandes músicos brasileños como Baden Powel, Edu Lobo, Carlos Lyra o Toquinho, que llegó a ser unos de sus grandes amigos. Muchos otros cantantes han grabado también alguna de las más de 400 canciones que escribió. Tras ser expulsado del cuerpo diplomático, dejó un poco de lado la poesía y pasó a convertirse en un showman de la música popular brasileña, llegando finalmente a realizar actuaciones en directo en pequeños teatros. El propio Vinicius cuenta que aquellos fueron seguramente los mejores años de su vida, en los que no faltaron las fiestas, las mujeres y el whisky. En una de estas actuaciones en la sala “La Fusa” de Buenos Aires junto a Toquinho, Maria Creuza y Maria Bethânia se grabó uno de los discos esenciales de la música brasileña. Para terminar, añadir que parece que finalmente debe descartarse la leyenda de que Vinicius y Jobim compusieran “Garota de Ipanema” sobre la servilleta de un bar mientras bebían cachaça. Como ellos mismos decían, eran gente seria y nunca se les ocurriría estar trabajando en un bar donde sólo iban a beber. Vinicius de Moraes murió en 1980 a los 67 años en compañía de Toquinho y de su novena mujer tras sufrir un derrame cerebral. Saravá!

TIKEN JAH FAKOLY: Plus rien ne m’etonne

Tiken Jah Fakoly, cuyo verdadero nombre es Doumbia Moussa Fakoly, es un músico reggae de Costa de Marfil. Su importancia en su país y en buen parte de África es mucho mayor que la meramente musical. Su compromiso hace que sus canciones traten con frecuencia sobre el panafricanismo, rechazando el nacionalismo basado en las fronteras artificialmente creadas por los colonizadores europeos, o el laicismo ya que a pesar de ser musulmán le preocupa la división que crean en la sociedad las distintas religiones. También denuncia las injusticias sociales, la discriminación, la pobreza y la falta de democracia, arremete contra los organismos internacionales y manifiesta su rechazo ante esa práctica brutal que es la ablación.

Sus opiniones le han costado ser perseguido en su propio país, especialmente tras las críticas vertidas hacia el dictador Robert Guéï que llegó al poder tras un golpe de estado en 1999 que derribó a otro dictador Konan Bédié y que se había comprometido a limpiar el país de las mafias pero que también cayó en sus manos y que finalmente fue asesinado. Tras su muerte fue proclamado presidente el nacionalista Laurent Gbagbo con el apoyoyo de la población cristiana del sur del país. Su gobierno incrementó la discriminación hacia las regiones más pobres del norte y oeste de mayoría musulmana dando lugar a una olvidada guerra civil y en la práctica a la división del país. Tiken Jah Fakoly se libró en varias ocasiones de ser represaliado gracias a ser avisado por algunos militares amigos suyos amantes de su música, pero finalmente su casa fue incendiada y el comediante amigo suyo Camara H murió asesinado tras lo que decidió exiliarse en Malí.

Musicalmente su carrera internacional comenzó en 2000 con el disco “Cours d’Histoire”. Posteriormente ha publicado "Françafrique" en 2002, “Coup de Gueule” en 2004 y “L‘Africain” en 2007, siempre cultivando un reggae melódico con secciones de viento poderosas e incorporando instrumentos tradicionales como la kora o el balafon y que han obtenido un apreciable éxito en Europa, especialmente en Francia, logrando una legión de seguidores de su música y sus mensajes.