ELLIOTT SMITH: Between the bars

Los padres de Elliott Smith, cuyo verdadero nombre era Steven Paul Smith, se divorciaron apenas un año después de su nacimiento. Elliott se mudó con su madre y su padrastro a vivir a Texas, donde tuvo una difícil infancia marcada por los malos tratos de su padrastro. Años después, se hizo un tatuaje del mapa de Texas en el hombro para no olvidar que no le gustaba vivir allí. Aprendió a tocar la guitarra a los 10 años gracias a una pequeña guitarra acústica que le compró su padre. A los catorce años se mudó a Oregón para vivir con su padre, grabó sus primeras composiciones de forma casera y comenzó a experimentar con las drogas y el alcohol. Durante el instituto tocó el clarinete con la banda de la escuela y fue el cantante, guitarrista y pianista de las bandas “Stranger than fiction”, “A murder of crows” y “The greenhouse” bajo los nombres de Steven Smith o "Johnny Panic", finalmente tras abandonar el instituto adoptó el nombre de Elliott Smith. En su época universitaria formó la banda “Heatmiser” con la que publicó 3 álbumes y un EP. Finalmente, en 1994 grabó su primer disco en solitario con un sello independiente y en 1997 firmó un contrato con la discográfica DreamWorks Records, con la que sacó otros dos álbumes.

En 1995, publicó su álbum homónimo “Elliott Smith”, grabado prácticamente en solitario y por el que se ganó cierta fama de persona oscura y depresiva, que posteriormente intentó abandonar en vano, incluso los críticos llegaron a criticar la pérdida de su característica melancolía y oscuridad en su álbum “Figure 8” editado en 2000. 1997 fue el año en el que obtuvo sus mayores éxitos, por una parte editó el CD “Either/Or”, inspirado en el libro del mismo título del filósofo danés Søren Kierkegaard, que se convirtió en su álbum más aclamado y, por otro lado, su canción “Miss Misery” fue incluida en la banda sonora de la película “Good Will Hunting”, siendo nominada como candidata al Óscar a la mejor canción original de 1997. Durante muchos años de su vida Elliott Smith luchó contra el alcoholismo, la drogadicción y el alcoholismo, temas que trató en las letras de muchas de sus canciones. Según contaba él mismo, el día de su graduación en Filosofía y Ciencias Políticas sólo fue capaz de sentirse orgulloso de haber conseguido hacer algo que realmente no quería hacer durante cuatro años. Elliott Smith murió en 2003, a los 34 años, de dos puñaladas en el pecho aparentemente autoinflingidas mientras trabajaba en su último álbum “From a basement to the hill”, que fue publicado póstumamente en 2004 y del que fueron excluidas las canciones más depresivas. Tras su muerte se le dedicaron muchos homenajes, canciones y varios álbumes.

CESÁRIA ÉVORA: Sodade

La morna es un género musical originario de Cabo Verde relacionado con el fado portugués, la modinha brasileña, el tango argentino y el lamento angoleño y que también se ha comparado en ocasiones con el blues. Las composiciones se cantan, generalmente, en el idioma criollo de Cabo Verde, generado a partir del portugués impuesto por los colonizadores que descubrieron estas islas en el siglo XV y que dominaron el país hasta su independencia en 1975, junto con connotaciones africanas aportadas por los esclavos que fueron traídos desde el continente. La morna trata de reflejar la realidad insular del pueblo de Cabo Verde, su aislamiento, el vergonzoso tráfico de esclavos y también la emigración obligada por la pobreza del país. Tradicionalmente se acompaña de instrumentos acústicos como cavaquinho, clarinete, acordeón, violín, piano y guitarra.

Cesária Évora es conocida con el sobrenombre de “reina de la morna” y también como "la diva de los pies descalzos" debido a su costumbre de presentarse descalza sobre los escenarios en solidaridad con los sin techo y pobres de su país. Ella misma vivió la pobreza en su propia familia ya que su madre enviudó cuando ella tenía 7 años y tuvo que sacar adelante a sus siete hijos con su trabajo como cocinera, Cesária fue dejada bajo los cuidados de un orfanato en cuyo coro aprendió a cantar y a partir de los 16 años comenzó a ganarse la vida cantando en los bares de su ciudad natal a cambio de algo de dinero o de bebida. A los 40 años llegó su oportunidad al ser invitada a cantar en Lisboa, allí conoció a José da Silva, un joven francés con raíces en Cabo Verde que se convirtió en su productor, la persuadió para ir a París donde grabó su primer álbum “La diva aux pieds nus” (1988) que inmediatamente alcanzó el éxito, reconocimiento que le ha acompañado desde entonces. Este mismo año ha publicado su último álbum “Nha sentimento”. En 2004 ganó el Grammy al mejor álbum de world music contemporánea, en 2007 Jacques Chirac le otorgó la medalla de la legión de honor de la República Francesa y desde 2006 es embajadora contra el hambre del Programa Mundial para la Alimentación de la FAO, siendo la primera artista africana en asumir ese papel.

DOMINIQUE A: Dans un camion

El verdadero nombre de este músico francés con ascendencia catalana es Dominique Ané. Siendo adolescente comenzó a hacer coros en un grupo que interpretaba versiones de temas roqueros y a los 17 años formó su primer grupo llamado “John Merrick” (como el hombre elefante) y que duró dos años y medio, hasta que Dominique decidió emprender su carrera en solitario a través de canciones propias de estilo minimalista influenciadas por el rock y la canción francesa. A partir de 1993 y tras haber publicado previamente dos álbumes, “Le disque sourd” (1991) y “La fossette” (1992), además de componer e interpretar sus canciones pasó también a producirlas con la publicación de su disco “Si je connais Harry”. Asimismo comenzó a trabajar como productor para otros artistas, como Françoiz Breut con la que mantuvo una relación sentimental y que, por cierto, pronto aparecerá también por este blog. Es de destacar que a pesar de su ruptura Dominique le sigue escribiendo canciones. Asimismo ha colaborado con otros artistas franceses como Yann Tiersen para quien ha puesto la voz a alguna de sus composiciones. En 1995 su canción “Le twenty-two bar” incluida en su álbum “La mémoire neuve” ganó el premio Victoire de la musique, que reconoce a la mejor producción musical del año en Francia.

Siempre interesado en la investigación de nuevos caminos musicales, tras publicar “Remué” en 1999 y “Aguri” en 2001, con el que celebró sus primeros diez años de carrera musical, es sobre todo a partir de 2002 que se dedica más intensamente a la experimentación de sonidos. Ese año publica el recopilatorio “Le détour” que contó con la colaboración de sus fans para elegir las canciones que lo integraron y en 2004 publicó su disco seguramente más experimental “Tout sera comme avant” que no obtuvo el apoyo del público y tras el cual volvió a renovarse en el siguiente disco “L’horizon”, publicado en 2006, que tampoco produjo él mismo. En 2007 publicó un disco grabado en una actuación en directo “Sur nos forces motrices”, al año siguiente se edita una caja con el título de “Les Sons Cardinaux” que incluye cuatro discos (cada uno con el nombre de un punto cardinal) que contienen temas inéditos de las distintas épocas de su discografía y un libreto de 32 páginas con textos y dibujos suyos. Este mismo año 2009 ha visto la luz su último disco hasta la fecha “La Musique” en el que Domique A ha compuesto todas las canciones y toca también todos los instrumentos que se escuchan en el disco. Además, para sus seguidores incondicionales existe una versión especial que incluye otro disco que no se puede comprar por separado y que lleva por título “La Matière”.

OS MUTANTES: A minha menina

A finales de los años sesenta surgió en Brasil el Tropicalismo. Este movimiento musical, cuyo nombre se debe a Caetano Veloso, proponía la fusión de elementos de la bossa-nova, el rock'n roll, la psicodelia, la música tradicional de Bahía, y el fado portugués junto con un cierto aire renovador y contestatario, aunque finalmente pasó a convertirse en un nuevo un producto comercial, provocando el abandono de alguno de sus miembros. Entre sus representantes más significativos, además de Caetano Veloso, se encuentran Gilberto Gil, Gal Costa, Tom Zé y Os Mutantes. Este grupo nació en São Paulo en 1966 y estaba formado inicialmente por los hermanos Arnaldo Baptista y Sérgio Dias junto con la cantante Rita Lee. Aunque en su momento fueron poco conocidos fuera de su país, mucho tiempo después de separarse han sido reivindicados por músicos de renombre internacional como David Byrne, Beck, Kurt Cobain o Devendra Banhart que han reconocido su influencia, logrando que se recuperaran sus canciones y, finalmente, que volvieran a la actividad.

En 1968 publicaron sus dos primeros discos “Os Mutantes” y “Tropicalia: ou Panis et Circenses” en los que combinaban la psicodelia con el rock y otros estilos de música popular y que son una buena representación del Tropicalismo, movimiento que abandonaron a principios de los 70. En 1971 se unieron a la banda el bajista Liminha y el percusionista Dinho. La banda con la formación inicial grabó otros tres discos hasta que en 1972 abandonó el grupo Rita Lee para iniciar su carrera como solista. A partir de ese momento, el grupo empezó a girar su estilo hacia el rock progresivo como queda patente en su álbum “O A e o Z” grabado en 1973, aunque no llegó a publicarse hasta 1992 por desacuerdos con su compañía discográfica, y en otros tres álbumes más. Ese mismo año dejó el grupo Arnaldo Baptista para comenzar también una carrera como solista y a causa de algunos problemas con el resto de integrantes de la banda. A continuación se marchó Dinho y un año después Liminha. Sérgio Dias, el último miembro de la composición original que quedaba, abandonó la banda en 1978, provocando su disolución. En 2006 se unieron tres de los miembros del grupo, Arnaldo, Sérgio y Dinho, en un concierto con motivo de una exposición sobre el movimiento tropicalista, al que sucedió una gira por Estados Unidos como teloneros de The flaming lips . El 2007 el grupo actuó en las fiestas del aniversario de São Paulo, después de casi treinta años sin tocar en Brasil. Finalmente, este mismo año han publicado un nuevo disco de estudio "Haih or amortecedor”.

OUMOU SANGARÉ: Ne bi fe

No es fácil encontrar una persona cuya vida pueda servir de ejemplo a los demás pero creo que Oumou Sangaré debe ser una de ellas. Cuando tenía tan sólo dos años su padre le abandonó junto a su madre y a sus cinco hermanos dejándoles prácticamente en la miseria. Esta situación le obligó a dejar muy pronto la escuela para ayudar a su familia actuando en bodas y bautizos con su madre. Más tarde pasó a formar parte del Ensamble Nacional de Malí, donde estaban los mejores músicos del país, hasta que Bamba Dembele le invitó en 1986 a unirse a su compañía de percusiones tradicionales para hacer una gira por Europa. De este viaje regresó con la determinación de formar su propio grupo y crear su propio sonido, basándose en el estilo y la tradición de Wassolou, su tierra ancestral. Tras dos años de duro trabajo con su grupo recibió la oferta para grabar un disco y de esta forma se publicó en 1989 “Moussoulou”, compuesto íntegramente por ella y que le convirtió en una figura muy popular en su país. Gracias al sello World Circuit este disco se distribuyó en todo el mundo y le permitió grabar en 1993 ya para esta compañía su segundo disco “Ko Sira”, que fue elegido mejor álbum del año de World Music en Europa. En 1996 publicó “Worotan” (diez nueces de Kola, que hace referencia al precio tradicional por una novia en Malí), “Oumou” en 2003 y finalmente “Seya” en 2009, su último disco hasta el momento.

Alcanzado el éxito, Oumou fue a buscar a su padre a Costa de Marfil donde vivía, le encontró, le perdonó por haberles abandonado y, a pesar de que él había rehecho allí su vida, le construyó una casa en Bamako para que se trasladara a vivir con su familia cerca de su madre y de sus hermanos y consiguió que también ellos le perdonaran. Cuando su padre murió, ella también se hizo cargo de la nueva familia de su padre. 20 años después de sus comienzos como cantante por las calles de Bamako, Oumou Sangaré es ahora propietaria de un pequeño hotel, una empresa de importación de coches y un pequeño terreno en el que cultivar. Simplemente esta actividad como empresaria ya sería suficiente para que sirviera como ejemplo a muchas mujeres de su país, donde como en muchos otros sitios del mundo el machismo es endémico pero además intenta colaborar al desarrollo de las mujeres malienses creando puestos de trabajo y concediendo microcréditos que les permiten iniciar pequeños negocios, les dan independencia y les alejan de algunos peligros por los que Oumou ha pasado y de los que les advierte, los matrimonios impuestos y muy tempranos o la poligamia.

DEPEDRO: La memoria

Depedro es el nombre del último proyecto del músico madrileño Jairo Zavala, cantante y guitarrista que antes de embarcarse en esta aventura ya tenía una trayectoria de casi 2 décadas en los grupos Vacazul, 3000 Hombres y Zolo Zeppelín, con los que sigue colaborando, además de haber trabajado como músico de sesión en discos de artistas de variados estilos musicales. En este último proyecto Jairo ha tenido la participación y apadrinamiento del grupo norteamericano Calexico a los que conoció cuando éstos grabaron una versión de su canción “Don't leave me now” que Jairo coescribió junto a Amparanoia. A partir de ese momento comenzó a tocar con ellos cuando estaban de gira por España y gracias a este contacto consiguió que los miembros de Calexico colaboraran en la grabación en Tucson de su primer disco como Depedro y él mismo participó en el disco “Carried to dust” del grupo norteamericano. Posteriormente Jairo ha pasado a ser el guitarrista de Calexico en sus giras y con ellos ha recorrido media Europa y Estados Unidos.

La música que hace Depedro es fundamentalmente mestiza y fronteriza con letras que tratan de emociones y sentimientos pero también de reflexiones sobre lo que acontece en el mundo. Su disco de presentación se editó en 2008 y hace tenido una muy buena acogida en todos los frentes además de una gran repercusión mediática que seguramente ha sorprendido a este músico con tantos años de trabajo. Así ha conseguido realizar una importante gira de conciertos por España y ahora se prepara para hacerlo también por Estados Unidos donde finalmente también se ha editado el disco este mismo año. Al parecer prepara nuevo disco para el próximo año, en el que seguirá contando con la colaboración de Calexico.

LOS FOLKLORISTAS: Tierra mestiza

El grupo nació en 1966 en la ciudad de México con el objetivo de difundir la música folklórica y la nueva canción de México y de toda América Latina. En esta larga trayectoria de más 40 años han participado en el grupo 46 músicos. Desde su fundación Los Folkloristas se han dedicado a la investigación de las expresiones culturales y al rescate de las raíces folklóricas de México y Latinoamérica, incorporando todo este conocimiento a su repertorio. Así, son autores de una extensa y completa discografía en la que cada uno de sus discos es una verdadera enciclopedia de géneros, ritmos, raíces, culturas y expresiones de toda América Latina.

En 1970 el grupo fundó la Peña de los Folkloristas que durante su vida activa fue el centro más importante de enseñanza y difusión de la música latinoamericana en México y donde dieron conciertos artistas de la talla de Víctor Jara, Inti-Illimani, Atahualpa Yupanqui, Mercedes Sosa, Silvio Rodríguez o Pablo Milanés. La agrupación ha participado en festivales y conciertos masivos en países como Cuba, Canadá, Italia, Alemania, Costa Rica, Venezuela, Bolivia, Guatemala, Nicaragua, Chile, Argentina, Panamá, Colombia, Ecuador y Perú. En muchos de esos viajes han hecho acopio de un importante acervo de más de 100 instrumentos, que después utilizan en sus conciertos. Así, con frecuencia utilizan instrumentos de siglos atrás rescatados por ellos como las ocarinas de diversas formas y tamaños, el huéhuetl (gran tambor ceremonial), el teponaztle (tambor de agua), el cinturón de pezuñas, el raspador yaquis o los tenábaris (capullos de mariposa rellenos con piedritas de hormiguero).