Músicas dispersas

HERMAN DUNE: My home is nowhere without you

2010-04-28T00:33:00.002+02:00

Originalmente el grupo se formó en 1999 como un trío constituido por el guitarrista y cantante David-Ivar Herman Düne (Yaya), su hermano André y el batería Néman Herman Düne (que no es familia de los otros dos componentes). El grupo funcionó con esta formación hasta el año 2006 en el que André Herman Düne abandonó el grupo para dedicarse a su carrera en solitario bajo el sobrenombre, entre otros, de Stanley Brinks. El paso a dúo del grupo quedó marcado por la pérdida de la diéresis del nombre. Aunque David-Ivar nació en Suecia y Néman en Suiza se consideran un grupo parisino, a pesar de que en alguna época también han residido en Nueva York, ciudad en la que brillaron en los escenarios underground y antifolk.

Hasta la fecha han grabado ocho álbumes de estudio y desde 2006 en que publicaron "Giant", editan sus discos en una multinacional lo que les ha facilitado llegar a un público más amplio. No obstante, continúan fieles a su espíritu lo-fi, artesano o naif y así su último disco hasta el momento "Next year in Zion", editado en 2008, fue grabado con métodos y equipos análogicos en la Provenza (Francia) y con todos los músicos tocando juntos en el mismo estudio. Según David-Ivar, compositor del grupo, este disco ha sido el primero que ha creado en momentos de felicidad. En cualquier caso, sus discos están llenos de hermosas y sencillas canciones, algunas dulces y tiernas otras meláncolicas pero con las que siempre acabo de buen humor.

THE DOORS: Light my fire

2010-04-12T23:30:00.004+02:00

El grupo nació en Los Ángeles (EEUU) en 1965 formado por el carismático Jim Morrison, vocalista y letrista del grupo, el teclista Ray Manzarek, el guitarrista Robby Krieger y el batería John Densmore y fue bautizado partir de un verso del poeta William Blake que posteriormente fue utilizado por Aldous Huxley para titular su libro "The Doors of Perception". Desde sus inicios fue reconocida como una banda transgesora, componían las canciones en grupo, no utilizaban el bajo en sus conciertos y la actitud rebelde y provocadora de Morrison hacía el resto. Su primer disco homónimo se publicó en 1967 tras un tiempo de tocar en clubes y ser fichados por la compañía Elektra Records. Este disco contenía alguna de las grandes canciones del grupo y fue un gran éxito, convirtiendo a Jim Morrison en un verdadero ídolo. Con los siguientes discos grabados por la formación completa "Strange days" (1967), "Waiting for the sun" (1968), "The soft parade" (1969), "Morrison Hotel" (1970) y "L.A. woman" (1971) la fama del grupo continuó en ascenso a la vez que los excesos y adicciones de Morrison se hicieron más frecuentes, llegando a ser arrestado por insultar a la policía y procesado por agresión en un avión, aunque fue absuelto, y por obscenidad y escándalo público en un concierto, acusación por la que fue sentenciado en un mediático juicio a ocho meses de custodia, aunque obtuvo la libertad gracias a una apelación.

Tras la grabación de "L.A. woman", Morrison decidió tomarse un tiempo libre y se mudó a París con su novia, Pamela Courson, con la intención de escapar a la fama que ya le agobiaba y dedicarse a escribir poesía, pero allí tampoco pudo abandonar su adicción al alcohol y las drogas falleciendo el 3 de julio de 1971 a los 27 años en extrañas circunstancias aparentemente relacionadas con una sobredosis, conviertiéndose a partir de ese momento en un mito, que permanece vigente hasta ahora como demuestran las multitudes que visitan su tumba en Paris. El resto del grupo nunca reemplazó a Morrison y siguió en activo un tiempo publicando dos disco más "Other voices" en 1971 y "Full circle" en 1972, que tuvieron una buen acogida aunque ya sin el éxito masivo de los anteriores. Finalmente el grupo se disolvió en 1973 desapareciendo uno de los máximos exponentes de la psicodelia y en general de la historia del rock.

VIEUX FARKA TOURÉ : Ana

2010-03-23T00:00:00.003+01:00

Efectivamente Vieux Farka Touré es hijo del gran Ali Farka Touré, músico maliense que falleció en 2006 pero que tuvo tiempo de participar en el primer disco de su hijo publicado internacionalmente en 2007, dándole de alguna forma el relevo familiar con su apoyo y el de otros grandes músicos y amigos suyos como Toumani Diabaté y Afel Bocoum que también participaron en dicha grabación. Además, Ali Farka Touré le encomendó a Toumani Diabaté la misión de aconsejar a su hijo cuando él faltara y desde entonces el maestro de la kora le ayuda en todas las decisiones sobre su carrera. A pesar de este decisivo apoyo final de su padre, al parecer no siempre fue así ya que Ali Farka Touré pretendía alejar a sus hijos del negocio musical que tanto le había hecho sufrir. Así, para su segundo hijo Bouréim, el verdadero nombre de "Vieux" (apodo que lleva en honor a su abuelo), tenía prevista una carrera militar pero afortunadamente, gracias seguramente al evidente talento y la obstinación de su hijo finalmente consintió que se dedicara a la música y como ya he comentado colaboró activamente en sus inicios.

La música de Vieux Farka Touré, al igual que la de su padre, no se fundamenta sólo en los ritmos tradicionales malienses aunque evidentemente no se pierden estas raíces sino que fusiona bases tradicionales con rock and roll, reggae, pop e incluso salsa para dar lugar a un estilo propio que él mismo llama Koroboro Rock, nombre con el que se autodenominan los miembros de la etnia Songhai, de la que forma parte la familia Farka Touré. En 2009 la interesante compañía discográfica Six Degrees editó su segundo disco "Fondo" en el que Vieux Farka Touré realiza un trabajo más personal y que sigue contando con la colaboración de sus protectores Toumani Diabaté y Afel Bocoum, aunque por méritos propios creo que ya tiene muy bien encauzada su carrera musical.

JOAN MIQUEL OLIVER: Final feliç

2010-03-09T23:43:00.002+01:00

Joan Miquel Oliver es el compositor y letrista del grupo mallorquín Antónia Font, que ya apareció allá por los comienzos de este blog. Pero, además de esta labor, también desarrolla cada vez más una interesante carrera en solitario. En 2005 editó el primer disco con su propio nombre “Surfistes en càmera lenta” y en 2009 “Bombón mallorquín”, además en 2008 se encargó de la banda sonora de la película “My way”. Personalmente creo que sin duda el talento de este músico hacía necesario que pudiera expresarse él mismo pero, además, Joan Miquel Oliver parece ser también poseedor de un importante ego. Además de cómo músico se ha estrenado también como escritor, y con cierta polémica ya que, quizás por su necesidad de ser original o por esa elevada autoestima, en su primer libro de narrativa “El misteri de l’amor” (2008) prescindió de las elementales reglas de puntuación hasta el extremo de que, al menos en la primera edición del libro, la editorial añadió una nota desmarcándose del invento.

En su segundo disco, el resultado es mucho más personal aunque sólo sea porque prácticamente lo ha hecho todo él mismo, ha tocado los instrumentos, ha cantado, lo ha producido e incluso ha diseñado la portada. Además, lo ha acompañado de una edición limitada de unos apuntes sobre el desarrollo de este trabajo con el título de "Quadern 2008" donde refleja la continua mutación de sus canciones y también adelanta alguno de sus proyectos futuros, novelas, guiones cinematográficos, dibujos y poemas.

ALPAMAYO: La lluvia

2010-03-02T23:44:00.001+01:00

El monte Alpamayo es un pico nevado de la Cordillera de los Andes que toma su nombre del caserío de Alpamayo (De allpa = tierra y mayu = río, en quechua). Se encuentra ubicado en Perú y destaca entre otros picos más altos por su forma piramidal casi perfecta. En 1966 llegó a ser declarado por la revista Alpinismus como la montaña más bella del mundo. Bueno, pues con este referente en 1984 un grupo de estudiantes universitarios en Lima procedentes del Departamento de Ancash fundó un grupo folclórico con el nombre de esta montaña mítica con la idea de recopilar y revalorizar la música peruana.

Actualmente el grupo ya no se encuentra activo pero su labor de recopilación y difusión internacional de la música andina los hace ser reconocidos como uno de los grupos más representativos del folclor andino latinoamericano. En los años 80 del siglo XX iniciaron su actividad en festivales folclóricos a lo largo de Perú publicando su primer trabajo “Llanketa kutitsmay” en cassette en 1989. En la siguiente década emigraron a Alemania y desde allí consiguieron popularizar la música andina por prácticamente todo el continente europeo publicando cinco CD y realizando giras por Alemania y Suiza. En 1998 realizaron conciertos en Japón y finalmente en 1999 actuaron también en Brasil.

AFEL BOCOUM: Jaman moro

2010-02-27T00:12:00.001+01:00

Escuchando a este guitarrista de Malí no puedo evitar recordar al gran Ali Farka Touré, su paisano y mentor y del que se considera su heredero. Comenzó su carrera como miembro del grupo de Ali Farka Touré con 13 años, permaneciendo a su lado casi 30 años. Posteriormente siguió su carrera con su grupo Alkibar (“mensajero del gran río”) compuesto por dos guitarras acústicas, un njarka (una especie de violín), un njurkle (una clase de laúd), calabash y percusión del djembe, y dos cantantes femeninas así como los cantantes masculinos en los estribillos. En 1997 editó su primer disco con el nombre de su grupo, en 2006 se editó “Níger” y, finalmente, en 2009 “Tabital Pulaaku”.

En su juventud Afel Bocoum trabajó como asesor agrícola tras finalizar sus estudios en una escuela estatal y este trabajo le permitió conocer tanto la realidad del desarrollo de su país, como la diversidad de etnias, lenguas y culturas o la riqueza musical de Malí. Finalmente, Afel Bocoum ha acabado convertido en un altavoz políglota. Desde niño habla songhai, el idioma de su padre, y peul la lengua de su madre. Además ha incorporado también canciones en tamashek y bambara, entre otras lenguas, a fin de llegar con sus mensajes sobre la unidad de Malí, la religión musulmana, la inmigración y un sinfín de temas cercanos a su realidad más próxima a los habitantes de las distintas culturas presentes en Malí. En un país en el que en muchas zonas es muy difícil el acceso a la prensa o la televisión, la música es uno de los mejores medios para transmitir su mensaje de respeto, tolerancia y esperanza.

FUXAN OS VENTOS: Romance da lavandeira

2010-02-16T23:56:00.001+01:00

Recientemente lamentaba que a pesar de la diversidad y dispersidad que caracteriza a este blog todavía no había publicado ninguna entrada dedicada a un grupo o músico que cantara en gallego o euskera. Bueno, pues afortunadamente de hoy no pasa que se escuche cantar en gallego, y además a cargo de uno de los grupos con más historia de toda Galicia, Fuxan os ventos. El grupo nació en Lugo en 1972, inicialmente con el nombre de Folk 72, formado por unos amigos que cantaban en el coro de su colegio. Después de ganar el III Festival As San Lucas de Mondoñedo (Lugo) ese mismo año con la canción “Fuxan os ventos”, decidieron adoptar este nombre para el grupo. A partir de ese momento comienzan a actuar de forma continua por pueblos, ciudades y aldeas de toda Galicia y su música, que siempre tenía un componente folk, va acercándose cada vez más hacia la música tradicional, alimentándose de forma continua a partir de las experiencias aportadas por el público en sus conciertos. Asimismo, también va acentuándose su compromiso galleguista en contra de la dictadura de Franco y a favor de la identidad y la lengua gallega.

La situación político-social de los últimos años del franquismo hace que su música sea requerida también fuera de Galicia y así realizan conciertos tanto en el resto de España como en Lisboa, Bruselas, París y hasta en el mítico Festival Interceltique de Lorient (Francia). La actividad del grupo, tanto por sus continuas actuaciones como por su labor investigadora de la música tradicional, hace difícilmente compatible cualquier otra actividad profesional o incluso la vida personal de sus componentes, lo que ha dado como resultado continuos cambios en la formación y que hayan pasado por el grupo casi una treintena de músicos. Tras grabar 6 discos, en 1989 abandonan sus actuaciones en público, aunque realizan algunos contados y celebrados conciertos por motivos excepcionales, en 1993 para celebrar la supresión de la cuota empresarial agraria, que gravaba a los pequeños agricultores gallegos como empresarios, en 1997 para celebrar el 25 aniversario de la asociación Auxilia para la integración social y cultural de los discapacitados físicos y en 2007 para hacer el pregón-presentación de la Feira de Artesáns de Pardiñas. En este tiempo han publicado otros tres discos, “Sempre e máis despois” en 1999, “Na memoria dos tempos” en 2002 y, finalmente, “Terra de Soños” en 2009, que recoge la grabación de uno de los conciertos que dieron con este nombre en Galicia tras 20 años sin prácticamente actuar ante su público.

LHASA: Rising

2010-02-09T23:26:00.001+01:00

La verdad es que tenía prevista esta entrada para más adelante pero la reciente y muy prematura muerte de esta cantante y compositora me ha parecido razón suficiente para escribir un poco sobre ella cuanto antes. Tras años de campañas a favor de la prevención y también gracias a los continuos avances médicos creo todos tenemos la impresión de que el cáncer de mama es uno de los que tiene una tasa de supervivencia más elevada y, aunque esto es cierto, sigue siendo una enfermedad terrible que cada vez es más frecuente, siendo el segundo con mayor incidencia después del cáncer de pulmón y el primero entre las mujeres. Cada año se diagnostican más de 1.100.000 nuevos casos (unos 15.000 en España) y a pesar de todos los avances causa al año más de 400.000 muertes en el mundo (unas 5.000 en España). El dato positivo es que el porcentaje de curación es uno de los más altos (supera el 75%) y que esta tasa sigue aumentando.

Lhasa de Sela ha sido una de estas mujeres que no ha tenido suerte en su lucha contra esta enfermedad y el primer día de 2010 murió con solo 37 años. Su padre era un profesor y escritor mexicano y su madre una fotógrafa norteamericana que bautizó a su hija con el nombre de la capital del Tibet por influencia de sus lecturas y quizás también por los ojos rasgados de la niña. Con sus padres y sus hermanas tuvo una infancia bohemia y artista, vivían en un autobús con el que recorrieron México y Estados Unidos sin televisor ni electricidad. A los 19 años Lhasa se instaló en Montreal con sus tres hermanas que estudiaban en una escuela circense y en esta ciudad actuó durante años en bares en los que a duras penas se podían escuchar sus canciones tristes. Finalmente en 1997 publicó su sorprendente y premiado disco “La llorona”, cantado íntegramente en castellano y que llamó poderosamente la atención de la crítica internacional. Posteriormente publicó “The living road” en 2003 y “Lhasa” en 2009, su último disco.

FALLOU DIENG & LE DLC: Nagou

2010-02-02T23:48:00.003+01:00

El ritmo endiablado del mbalax representa, sin duda, la música más importante de Senegal y Gambia y es también uno de los géneros musicales africanos más populares en todo el mundo gracias sobre todo a Youssou N'Dour y también a Ismaël Lô, Thione Seck o Coumba Gawlo Seck. Es cultivado sobre todo por miembros de la etnia wolof y actualmente se mezclan instrumentos europeos (guitarra, flauta y trompeta) con instrumentos tradicionales como el djembé, la tama (tambor de axila) o el kessing-kessing. También ha dado lugar a nuevos estilos mestizos como la salsa mbalax o el rap mbalax.

Fallou Dieng nació en Dakar y es famoso en Senegal desde que tenía 13 años donde ha publicado una decena de cassetes con su música. Ha trabajado y ha sido influenciado por grandes músicos como Pape Hane, Bouri Seck o Cheick Tall Dioum. A mediados de los años 90 del siglo XX alcanzó su mayor éxito con con su álbum "Biri Biri" alcanzando un reconocimiento mundial como uno de los sucesores de Youssou N'Dour, que ha ejercido como su protector, y fundamentalmente en su propio país donde se le conoce como “Le roi de l’ambiance” a causa de sus provocativas canciones con ritmo mbalax. Desde el año 2000 en que grabó "Medina" ha publicado 5 CD más, ya con difusión internacional, algunos de ellos recopilatorios de sus primeros éxitos.

GORDON SANCHEZ: Ce serait si bien

2010-01-27T00:30:00.001+01:00

Gordon Sanchez fue un grupo francés de pop-rock con toques folk que publicó su primer disco “À la plage” en 2004, en el que se reconocían las influencias españolas, y que consiguió cierto reconocimiento en su país a partir de este disco y de más de 150 conciertos que realizaron por toda Francia. En 2006 obtuvieron el premio Génération Réservoir que se celebra cada verano en París organizado por la dueña del Club Réservoir, Mary de Vivo, a fin de promocionar los nuevos talentos, facilitándoles la posibilidad de grabar videoclips y realizar actuaciones en directo. A pesar de las buenas expectativas creadas, el grupo se disolvió en 2007, publicándose posteriormente el disco póstumo “Le phénomène”.

A partir de este momento, los integrantes del grupo han continuado su carrera por separado. Así, el bajo Pierrick Guiho y el batería Benoît Batisse participan en el grupo Squid and the Stereo dedicado a la fusión de rock, música electrónica y rap, mientras que el guitarrista Benjamín ha iniciado una interesante carrera en solitario con un estilo entre el pop-rock y el folk y el carismático Manu, compositor y cantante del grupo, ha seguido su carrera con su apellido Defarguiel con un repertorio más urbano que en Gordon Sanchez.

PAULINHO MOSKA: A idade do Céu

2010-01-19T23:58:00.000+01:00

Su verdadero nombre es Paulo Corrêa de Araujo aunque es conocido como Paulinho Moska, apodo que adoptó al parecer debido a un disfraz infantil. Este cantante, compositor y actor brasileño comenzó a tocar la guitarra a los 13 años, formó parte del grupo Inimigos do Rei, grupo que abandonó en 1992 para seguir su carrera en solitario, y ha estudiado cine y teatro en la Casa de Artes de Laranjeiras de Río de Janeiro. Ha publicado hasta la fecha 6 discos en solitario y sus principales éxitos han sido “O último dia”, que fue la sintonía de una exitosa miniserie de televisión brasileña y las canciones “A seta e o alvo” y “Lágrimas de diamantes”.

Son frecuentes sus intercambios y participaciones conjuntas con otros músicos sudamericanos con los que comparte algo más que un estilo común como Jorge Drexler o Kevin Johansen. Todos ellos junto con Jorge Cabrera, Vitor Ramil y alguno más han dado lugar a una especie de corriente musical y creadora bautizada por Daniel Drexler, hermano también músico de Jorge Dexler”, como Templadismo, en alusión al Tropicalismo brasileño de finales de los años 60 del siglo XX. De la misma forma que el movimiento brasileño, estos músicos piensan que por encima de las corrientes globales o las modas su música está influenciada sobre todo por sus orígenes, la geografía de sus países o el clima en el que habitan, de donde aparece la referencia del movimiento al clima templado de la pampa sudamericana.

FELA KUTI: Water no get enemy

2010-01-13T23:34:00.000+01:00

El afrobeat es el género musical iniciado por Fela Kuti en los años 60 del siglo XX a partir de una mezcla de ritmos africanos, jazz, highlife y funk, adoptado posteriormente por numerosas bandas en todo el continente africano. Sus principales características fueron la amplitud de las bandas, formadas por músicos muchas veces multiinstrumentistas, los ritmos enérgicos y repetitivos, la percusión polirítmica y el uso de la improvisación. Además, esta música se usaba con frecuencia para denunciar la injusticia social, la corrupción política o la falta de derechos habituales en la mayoría de los países africanos de la época posterior a la descolonización. Musicalmente puede decirse que esta música ha atraído desde entonces a muchos músicos occidentales, sobre todo músicos norteamericanos de jazz y soul y últimamente también a Dj y músicos electrónicos que han revitalizado el género. Por otra parte, la vida de Fela Kuti es digna de una película y, de momento, está triunfando en Broadway el musical Fela! sobre su vida y su legado musical.

Fela Kuti nació una familia nigeriana de clase media. Su madre era una activista feminista y anticolonialista, mientras que su padre fue maestro y un talentoso pianista. Fela Kuti se trasladó a Londres para seguir la carrera medicina pero una vez allí decidió pasar a estudiar música. No tardó en formar su primera banda "Koola Lobitos", que ya fusionaba los ritmos del oeste de África con el jazz más clásico. En una gira por Estados Unidos entró en contacto con el movimiento por los derechos civiles de la población afroamericana del Black Power y las Panteras Negras y se radicalizó su activismo político, su banda pasó a llamarse Nigeria 70 y, finalmente, Africa 70 cuando regresó a Nigeria. Allí fundó “Kalakuta Republic”, su propia productora musical que funcionaba como cooperativa en su propia casa y que acabó autoproclamando como Estado independiente. Á partir de ésta y otras provocaciones se sucedieron los enfrentamientos con la policía y el ejército nigeriano que desembocaron en el asalto de su casa en el que Fela fue herido gravemente. Para conmemorar este asalto un año después se casó con 27 mujeres. Fundó su propio partido “Movimiento del Pueblo”, con el que optó varias veces a la presidencia de Nigeria. Su última actuación ocurrió en 1986 en el marco de los conciertos de Amnistía Internacional compartiendo escenario con Bono y Carlos Santana. En 1997 murió de un ataque al corazón causado por el virus del SIDA.

OLLE NYMAN: Don’t let those bastards reel you in

2010-01-07T23:53:00.001+01:00

Olle Nyman es un joven cantautor sueco con una importante trayectoria de actuaciones en los escenarios de su país natal aunque con tan sólo dos discos publicados y es una de las grandes sorpresas por descubrir de la siempre interesante música escandinava. En su primer trabajo “Behind the clouds” (2008) su música seguía los cauces del gran Van Morrison, a quien admira y gracias al que adquirió su sobrenombre de Van Morrison de Lulea (su localidad natal) por el que era conocido en sus inicios.

En el segundo disco “Venture” publicado en 2009, se aprecia una mayor madurez en sus composiciones, los arreglos de las canciones se hacen menos evidentes y se acercan al country-folk americano más actual aunque sin dejar de lado completamente el soul y el jazz, manteniendo una voz que sigue sonando sincera y cálida y que se acompaña por el sólido sonido de una gran banda. Nyman alterna en sus canciones con gran acierto folk, rock, country, swing que acompañan una mezcla de melancolía y pasión.

BON IVER: Flume

2009-12-31T00:36:00.002+01:00

Como es bien conocido por todos, el fracaso, el desamor o la tristeza son estados mucho más creativos que el éxito o la felicidad. Un buen ejemplo es el disco “For Emma, forever ago” publicado por Bon Iver en 2007. Este disco fue escrito por el cantautor Justin Vernon después de ser abandonado por su novia y recluirse en una cabaña remota en las montañas de Wisconsin durante tres meses y es la demostración de que en los perores momentos muchas veces los artistas muestran su cara más brillante.

Mientras estudiaba en el instituto de su ciudad natal, Eau Claire, Justin Vernon fundó los grupos de rock Mount Vernon y DeYarmond Edison. Tras conseguir el éxito en su ciudad, los cuatro componentes del grupo se trasladaron a Carolina del Norte pero después de un año allí, Justin Vernon rompió con su novia y con su grupo, cuyos componentes pasaron posteriormente a formar Megafaun. Además de la ruptura con su banda y con su novia, en ese momento se le detectó una mononucleosis hepática y Vernon decidió retirarse una temporada a las montañas para recuperarse física y anímicamente. Aunque inicialmente no pretendía grabar, se encontró componiendo y tocando con el material básico de que disponía, grabando bellas y tristes melodías y añadiéndoles la letra tras escucharlas una y otra vez. Cuando comprobó que prácticamente tenía un disco preparado pensó en enviarlo a alguna casa discográfica pero sus amigos le hicieron ver que el disco estaba listo para ser distribuido tal como estaba grabado y después de un periodo de éxito en internet firmó con el sello independiente Jagjaguwar para que fuera editado en todo el mundo bajo el nombre de Bon Iver, que responde a un juego de palabras entre “bon hiver” (buen invierno en francés) y "bon ivre" (buena cogorza), recibiendo unas excelentes críticas.

STAFF BENDA BILILI: Polio

2009-12-23T00:05:00.003+01:00

La poliomelitis es una enfermedad de origen vírico que afecta al sistema nervioso central y provoca parálisis, atrofia muscular y, en ocasiones, deformidades. Desde 1954 existe una vacuna eficaz contra esta enfermedad y las campañas masivas de vacunación han conseguido erradicar la enfermedad de América, Europa y buena parte de Asia y África. En 1998 se producían todavía casi 350.000 nuevos casos anuales y la Organización Mundial de la Salud inició una campaña de erradicación global. Actualmente se ha logrado reducir el número de nuevos afectados hasta unos 1.000 nuevos casos anuales pero continúa activa en Afganistán, India, Pakistán y Nigeria. Se estima que se está camino de la erradicación total, lo que será oficial cuando no se produzcan nuevos casos tras 3 años desde el último nuevo contagio. Cuando ocurra, esta enfermedad será la segunda que se ha conseguido erradicar completamente después de la viruela.

Staff Benda Bilili es uno de los grupos más improbables y también sorprendentes que ha aparecido en los últimos años. La banda está formada por músicos callejeros congoleños, varios de ellos parapléjicos como consecuencia de la polio, que viven en las cercanías del antiguo zoológico de Kinshasa, utilizando unos artesanales triciclos para desplazarse. En muchas de sus canciones, mezcla de rumba congoleña, funk y ritmos cubanos, se habla de la discapacidad como un problema psicológico más que físico, tratan acontecimientos de su vida cotidiana y dan consejos para vivir en esas condiciones además de recordar a los padres la necesidad de vacunar a sus hijos. Su primer disco “Très, très fort” fue grabado en 2009 al aire libre, en el mismo escenario donde viven los integrantes del grupo, y ha tenido una acogida entusiasta, sobre todo en Francia, Reino Unido y Gran Bretaña. En la ceremonia de clausura de la WOMEX 2009, el grupo recibió el premio al artista del año. Para 2010 está prevista la aparición de una película sobre el grupo.

MISHIMA: Miquel a l'accés 14

2009-12-15T23:56:00.001+01:00

Me estoy dando cuenta que ya han aparecido en el blog varios grupos que cantan en castellano y otros cuantos en catalán pero no he incluido todavía a ningún músico que cante en gallego o en euskera. Prometo intentar remediarlo pronto. En fin, volviendo a Mishima, el grupo lo formó en 1998 el barcelonés David Carabén con músicos procedentes de otros grupos como Marc Lloret (Felicidad Blanch), Christian Aloy (Songstore), Dani Vega (Vyvian), Oscar d'Aniello (Facto Delafé y las flores azules) y Dani Acedo (Vyvian) para realizar una interesante mezcla entre pop y canción de autor. Al año de su formación publicaron su primer disco “Lipstick traces”, completamente cantado en inglés y con el que consiguieron el reconocimiento de la crítica y ser comparados con grupos como Arab Strap, The Magnetic Fields o The Divine Comedy. En 2003 se editó su segundo disco "The fall of public man", también en inglés y, finalmente, en 2005 realizaron su trabajo más personal con su tercer disco "Trucar a Casa. Recollir les fotos. Pagar la multa”, para el que pasaron a utilizar el catalán y con el que alcanzaron el reconocimiento masivo, al menos en Catalunya.

En 2007 se desplazaron a los estudios del productor Paco Loco en el Puerto de Santa María (Cádiz) para grabar su cuarto disco “Set tota la vida”, trabajo que recoge reflexiones sobre el amor y la existencia con el que mantienen su sonido característico aunque las canciones son más directas, el sonido más desnudo y los arreglos menos artificiosos que en sus anteriores discos, más influenciados por los grupos pop británicos. En cualquier caso se escuchan nuevamente las características melodías del grupo, aparentemente sencillas y adornadas con crescendos de guitarras, pianos y baterías.

KARU ÑAN: Gasto Yauicuy

2009-12-08T23:46:00.001+01:00

El sanjuanito es un género de música andina originario de la provincia ecuatoriana de Imbabura. Es un género alegre y bailable que se ejecuta en las festividades de la cultura mestiza e indígena y cuyo ritmo ha servido para la adaptación de muchos villancicos. Al parecer el nombre procede de la costumbre de utilizarlo para los bailes del día 24 de junio, fiesta de San Juan Bautista para los españoles y fecha de celebración de los rituales indígenas del Inti Raymi. Antes de la conquista, esta ceremonia religiosa en honor al Inti (el dios sol) era la más importante de las que se celebraba en Cusco, asistía prácticamente toda la población de la ciudad que durante los tres días previos no habían comido más que maíz crudo, yerbas y agua, no habían encendido fuego y se habían abstenido de dormir con sus mujeres. Finalmente el día del solsticio el Inca recibía al sol al que todos adoraban y se sacrificaba un gran número de animales cuya carne era repartida entre los asistentes con gran cantidad de chicha. En 1572 la fiesta fue prohibida por los españoles por considerarla una ceremonia pagana y contraria a la fe católica. Actualmente y desde hace 65 años, se celebra nuevamente como importante atracción turística además de como cierta reivindicación de la identidad inca para los propios cusqueños.

Karu Ñan es un grupo oriundo de la localidad ecuatoriana de Otavalo, que desde hace años recorre los escenarios populares de América y el mundo llevando este ritmo típico de su región. El estilo inconfundible de sus composiciones les ha hecho merecedores de un espacio muy importante tanto en su propio país como en el exterior, consolidándose como uno de los importantes exponentes de la música tradicional andina.

VICTOR DÉMÉ: Djon Maya

2009-12-01T23:38:00.002+01:00

Burkina Faso es uno de los países más pobres del mundo. El 90% de sus casi 15 millones de habitantes, cuya esperanza de vida apenas alcanza los 50 años, se dedica a la agricultura pero precisan de la ayuda internacional para alcanzar una renta per capita de unos 1200 dólares anuales. En estas condiciones es fácil entender que en este país no exista una verdadera industria musical y también que no lleguen a Occidente fácilmente los trabajos de sus interesantes músicos. Victor Démé heredó la tradición musical y seguramente también su conmovedora voz de su madre, que en los años 60 se dedicaba a cantar en bodas, bautizos y otros actos sociales en su ciudad, Bobo-Dioulasso. Su familia se exilió a Costa de Marfil siendo adolescente, allí trabajo como sastre, oficio tradicional en la familia de su padre, a la vez que por las noches comenzó a actuar en los clubes de Abiyán con varios grupos hasta llegar a la famosa orquesta Super Mandé de Abdulaye Diabaté.

En 1988 la familia regresó a Burkina Faso y allí Victor Démé asentó su popularidad, ganó varios concursos y fue requerido por las orquestas más importantes de Ouagadougou como “L’Echo de l’Afrique” o “Suprême comenba”. Sin embargo, tras haber alcanzado el éxito, el destino le hizo abandonar durante años su carrera musical y cuando quiso regresar no lo tuvo nada fácil. Finalmente pudo volver a dedicarse a la música, aunque versionando canciones de Salif Keita o Mory Kanté. Afortunadamente siguió trabajando en sus propias composiciones y en 2005 conoció a Camille Louvel, manager de Ouagajungle, una asociación de bares en Ouagadougou, que supuso un giro en su vida. Con la ayuda del periodista David Commeillas y activistas de la asociación Soundicate, fundaron el sello Chapa Blues Records que en 2008 editó el primer disco de Victor Démé tras 30 años de carrera. El disco, que se grabó en el patio trasero de la propia casa de Victor en Ouagadougou, es una conmovedora y recomendable mezcla de melodías folk-blues, con baladas mandingas e influencias latinas.

KOČANI ORKESTAR: Hajde te kelas

2009-11-24T23:10:00.001+01:00

Esta banda es una de las mejores fanfarrias compuestas por gitanos que hay en la región de los Balcanes. Estas agrupaciones se formaron a finales del siglo XIX en todas las zonas ocupadas por las tropas de los turcos otomanos dando lugar a una mezcla entre la música militar otomana y las canciones y bailes locales, que posteriormente se enriqueció también con el contacto con la música del este de Europa. Tradicionalmente estas orquestas están formadas por amigos o vecinos y se dedican a ofrecer sus servicios para los actos sociales de la comunidad como bodas, comuniones, aniversarios o entierros.

Kočani Orkestar procede de la ciudad de Kočani, en la República ex-yugoslava de Macedonia, y está formada por dos trompetas, tres tubas, un saxofón, un clarinete, la zurla (un oboe tradicional) y percusiones. Sus miembros cambian a menudo aunque la esencia del grupo está formada por el trompetista Neat Veliov y su familia, actualmente participan su abuelo, su padre y su hijo. Las canciones del grupo emanan de las tradiciones de Bulgaria, Rumania, Serbia o Turquía pero también contiene elementos de salsa, rumba, jazz e incluso de la música de la India. Su música ha aparecido en la banda sonora de varias películas del realizador serbio Kusturica y también en la taquillera “Borat” en la que pretendidamente reflejaba el ambiente de Kazajastán, lo que considerando que entre esos países hay más de 3.500 Km de distancia tiene el mismo rigor que si se utilizara música de Laponia para un reportaje sobre las Fallas de Valencia.

ELLIOTT SMITH: Between the bars

2009-11-18T00:50:00.001+01:00

Los padres de Elliott Smith, cuyo verdadero nombre era Steven Paul Smith, se divorciaron apenas un año después de su nacimiento. Elliott se mudó con su madre y su padrastro a vivir a Texas, donde tuvo una difícil infancia marcada por los malos tratos de su padrastro. Años después, se hizo un tatuaje del mapa de Texas en el hombro para no olvidar que no le gustaba vivir allí. Aprendió a tocar la guitarra a los 10 años gracias a una pequeña guitarra acústica que le compró su padre. A los catorce años se mudó a Oregón para vivir con su padre, grabó sus primeras composiciones de forma casera y comenzó a experimentar con las drogas y el alcohol. Durante el instituto tocó el clarinete con la banda de la escuela y fue el cantante, guitarrista y pianista de las bandas “Stranger than fiction”, “A murder of crows” y “The greenhouse” bajo los nombres de Steven Smith o "Johnny Panic", finalmente tras abandonar el instituto adoptó el nombre de Elliott Smith. En su época universitaria formó la banda “Heatmiser” con la que publicó 3 álbumes y un EP. Finalmente, en 1994 grabó su primer disco en solitario con un sello independiente y en 1997 firmó un contrato con la discográfica DreamWorks Records, con la que sacó otros dos álbumes.

En 1995, publicó su álbum homónimo “Elliott Smith”, grabado prácticamente en solitario y por el que se ganó cierta fama de persona oscura y depresiva, que posteriormente intentó abandonar en vano, incluso los críticos llegaron a criticar la pérdida de su característica melancolía y oscuridad en su álbum “Figure 8” editado en 2000. 1997 fue el año en el que obtuvo sus mayores éxitos, por una parte editó el CD “Either/Or”, inspirado en el libro del mismo título del filósofo danés Søren Kierkegaard, que se convirtió en su álbum más aclamado y, por otro lado, su canción “Miss Misery” fue incluida en la banda sonora de la película “Good Will Hunting”, siendo nominada como candidata al Óscar a la mejor canción original de 1997. Durante muchos años de su vida Elliott Smith luchó contra el alcoholismo, la drogadicción y el alcoholismo, temas que trató en las letras de muchas de sus canciones. Según contaba él mismo, el día de su graduación en Filosofía y Ciencias Políticas sólo fue capaz de sentirse orgulloso de haber conseguido hacer algo que realmente no quería hacer durante cuatro años. Elliott Smith murió en 2003, a los 34 años, de dos puñaladas en el pecho aparentemente autoinflingidas mientras trabajaba en su último álbum “From a basement to the hill”, que fue publicado póstumamente en 2004 y del que fueron excluidas las canciones más depresivas. Tras su muerte se le dedicaron muchos homenajes, canciones y varios álbumes.

CESÁRIA ÉVORA: Sodade

2009-11-10T22:50:00.003+01:00

La morna es un género musical originario de Cabo Verde relacionado con el fado portugués, la modinha brasileña, el tango argentino y el lamento angoleño y que también se ha comparado en ocasiones con el blues. Las composiciones se cantan, generalmente, en el idioma criollo de Cabo Verde, generado a partir del portugués impuesto por los colonizadores que descubrieron estas islas en el siglo XV y que dominaron el país hasta su independencia en 1975, junto con connotaciones africanas aportadas por los esclavos que fueron traídos desde el continente. La morna trata de reflejar la realidad insular del pueblo de Cabo Verde, su aislamiento, el vergonzoso tráfico de esclavos y también la emigración obligada por la pobreza del país. Tradicionalmente se acompaña de instrumentos acústicos como cavaquinho, clarinete, acordeón, violín, piano y guitarra.

Cesária Évora es conocida con el sobrenombre de “reina de la morna” y también como "la diva de los pies descalzos" debido a su costumbre de presentarse descalza sobre los escenarios en solidaridad con los sin techo y pobres de su país. Ella misma vivió la pobreza en su propia familia ya que su madre enviudó cuando ella tenía 7 años y tuvo que sacar adelante a sus siete hijos con su trabajo como cocinera, Cesária fue dejada bajo los cuidados de un orfanato en cuyo coro aprendió a cantar y a partir de los 16 años comenzó a ganarse la vida cantando en los bares de su ciudad natal a cambio de algo de dinero o de bebida. A los 40 años llegó su oportunidad al ser invitada a cantar en Lisboa, allí conoció a José da Silva, un joven francés con raíces en Cabo Verde que se convirtió en su productor, la persuadió para ir a París donde grabó su primer álbum “La diva aux pieds nus” (1988) que inmediatamente alcanzó el éxito, reconocimiento que le ha acompañado desde entonces. Este mismo año ha publicado su último álbum “Nha sentimento”. En 2004 ganó el Grammy al mejor álbum de world music contemporánea, en 2007 Jacques Chirac le otorgó la medalla de la legión de honor de la República Francesa y desde 2006 es embajadora contra el hambre del Programa Mundial para la Alimentación de la FAO, siendo la primera artista africana en asumir ese papel.

DOMINIQUE A: Dans un camion

2009-11-03T23:55:00.001+01:00

El verdadero nombre de este músico francés con ascendencia catalana es Dominique Ané. Siendo adolescente comenzó a hacer coros en un grupo que interpretaba versiones de temas roqueros y a los 17 años formó su primer grupo llamado “John Merrick” (como el hombre elefante) y que duró dos años y medio, hasta que Dominique decidió emprender su carrera en solitario a través de canciones propias de estilo minimalista influenciadas por el rock y la canción francesa. A partir de 1993 y tras haber publicado previamente dos álbumes, “Le disque sourd” (1991) y “La fossette” (1992), además de componer e interpretar sus canciones pasó también a producirlas con la publicación de su disco “Si je connais Harry”. Asimismo comenzó a trabajar como productor para otros artistas, como Françoiz Breut con la que mantuvo una relación sentimental y que, por cierto, pronto aparecerá también por este blog. Es de destacar que a pesar de su ruptura Dominique le sigue escribiendo canciones. Asimismo ha colaborado con otros artistas franceses como Yann Tiersen para quien ha puesto la voz a alguna de sus composiciones. En 1995 su canción “Le twenty-two bar” incluida en su álbum “La mémoire neuve” ganó el premio Victoire de la musique, que reconoce a la mejor producción musical del año en Francia.

Siempre interesado en la investigación de nuevos caminos musicales, tras publicar “Remué” en 1999 y “Aguri” en 2001, con el que celebró sus primeros diez años de carrera musical, es sobre todo a partir de 2002 que se dedica más intensamente a la experimentación de sonidos. Ese año publica el recopilatorio “Le détour” que contó con la colaboración de sus fans para elegir las canciones que lo integraron y en 2004 publicó su disco seguramente más experimental “Tout sera comme avant” que no obtuvo el apoyo del público y tras el cual volvió a renovarse en el siguiente disco “L’horizon”, publicado en 2006, que tampoco produjo él mismo. En 2007 publicó un disco grabado en una actuación en directo “Sur nos forces motrices”, al año siguiente se edita una caja con el título de “Les Sons Cardinaux” que incluye cuatro discos (cada uno con el nombre de un punto cardinal) que contienen temas inéditos de las distintas épocas de su discografía y un libreto de 32 páginas con textos y dibujos suyos. Este mismo año 2009 ha visto la luz su último disco hasta la fecha “La Musique” en el que Domique A ha compuesto todas las canciones y toca también todos los instrumentos que se escuchan en el disco. Además, para sus seguidores incondicionales existe una versión especial que incluye otro disco que no se puede comprar por separado y que lleva por título “La Matière”.

OS MUTANTES: A minha menina

2009-10-27T23:31:00.002+01:00

A finales de los años sesenta surgió en Brasil el Tropicalismo. Este movimiento musical, cuyo nombre se debe a Caetano Veloso, proponía la fusión de elementos de la bossa-nova, el rock'n roll, la psicodelia, la música tradicional de Bahía, y el fado portugués junto con un cierto aire renovador y contestatario, aunque finalmente pasó a convertirse en un nuevo un producto comercial, provocando el abandono de alguno de sus miembros. Entre sus representantes más significativos, además de Caetano Veloso, se encuentran Gilberto Gil, Gal Costa, Tom Zé y Os Mutantes. Este grupo nació en São Paulo en 1966 y estaba formado inicialmente por los hermanos Arnaldo Baptista y Sérgio Dias junto con la cantante Rita Lee. Aunque en su momento fueron poco conocidos fuera de su país, mucho tiempo después de separarse han sido reivindicados por músicos de renombre internacional como David Byrne, Beck, Kurt Cobain o Devendra Banhart que han reconocido su influencia, logrando que se recuperaran sus canciones y, finalmente, que volvieran a la actividad.

En 1968 publicaron sus dos primeros discos “Os Mutantes” y “Tropicalia: ou Panis et Circenses” en los que combinaban la psicodelia con el rock y otros estilos de música popular y que son una buena representación del Tropicalismo, movimiento que abandonaron a principios de los 70. En 1971 se unieron a la banda el bajista Liminha y el percusionista Dinho. La banda con la formación inicial grabó otros tres discos hasta que en 1972 abandonó el grupo Rita Lee para iniciar su carrera como solista. A partir de ese momento, el grupo empezó a girar su estilo hacia el rock progresivo como queda patente en su álbum “O A e o Z” grabado en 1973, aunque no llegó a publicarse hasta 1992 por desacuerdos con su compañía discográfica, y en otros tres álbumes más. Ese mismo año dejó el grupo Arnaldo Baptista para comenzar también una carrera como solista y a causa de algunos problemas con el resto de integrantes de la banda. A continuación se marchó Dinho y un año después Liminha. Sérgio Dias, el último miembro de la composición original que quedaba, abandonó la banda en 1978, provocando su disolución. En 2006 se unieron tres de los miembros del grupo, Arnaldo, Sérgio y Dinho, en un concierto con motivo de una exposición sobre el movimiento tropicalista, al que sucedió una gira por Estados Unidos como teloneros de The flaming lips . El 2007 el grupo actuó en las fiestas del aniversario de São Paulo, después de casi treinta años sin tocar en Brasil. Finalmente, este mismo año han publicado un nuevo disco de estudio "Haih or amortecedor”.

OUMOU SANGARÉ: Ne bi fe

2009-10-20T23:37:00.003+02:00

No es fácil encontrar una persona cuya vida pueda servir de ejemplo a los demás pero creo que Oumou Sangaré debe ser una de ellas. Cuando tenía tan sólo dos años su padre le abandonó junto a su madre y a sus cinco hermanos dejándoles prácticamente en la miseria. Esta situación le obligó a dejar muy pronto la escuela para ayudar a su familia actuando en bodas y bautizos con su madre. Más tarde pasó a formar parte del Ensamble Nacional de Malí, donde estaban los mejores músicos del país, hasta que Bamba Dembele le invitó en 1986 a unirse a su compañía de percusiones tradicionales para hacer una gira por Europa. De este viaje regresó con la determinación de formar su propio grupo y crear su propio sonido, basándose en el estilo y la tradición de Wassolou, su tierra ancestral. Tras dos años de duro trabajo con su grupo recibió la oferta para grabar un disco y de esta forma se publicó en 1989 “Moussoulou”, compuesto íntegramente por ella y que le convirtió en una figura muy popular en su país. Gracias al sello World Circuit este disco se distribuyó en todo el mundo y le permitió grabar en 1993 ya para esta compañía su segundo disco “Ko Sira”, que fue elegido mejor álbum del año de World Music en Europa. En 1996 publicó “Worotan” (diez nueces de Kola, que hace referencia al precio tradicional por una novia en Malí), “Oumou” en 2003 y finalmente “Seya” en 2009, su último disco hasta el momento.

Alcanzado el éxito, Oumou fue a buscar a su padre a Costa de Marfil donde vivía, le encontró, le perdonó por haberles abandonado y, a pesar de que él había rehecho allí su vida, le construyó una casa en Bamako para que se trasladara a vivir con su familia cerca de su madre y de sus hermanos y consiguió que también ellos le perdonaran. Cuando su padre murió, ella también se hizo cargo de la nueva familia de su padre. 20 años después de sus comienzos como cantante por las calles de Bamako, Oumou Sangaré es ahora propietaria de un pequeño hotel, una empresa de importación de coches y un pequeño terreno en el que cultivar. Simplemente esta actividad como empresaria ya sería suficiente para que sirviera como ejemplo a muchas mujeres de su país, donde como en muchos otros sitios del mundo el machismo es endémico pero además intenta colaborar al desarrollo de las mujeres malienses creando puestos de trabajo y concediendo microcréditos que les permiten iniciar pequeños negocios, les dan independencia y les alejan de algunos peligros por los que Oumou ha pasado y de los que les advierte, los matrimonios impuestos y muy tempranos o la poligamia.

DEPEDRO: La memoria

2009-10-13T23:43:00.001+02:00

Depedro es el nombre del último proyecto del músico madrileño Jairo Zavala, cantante y guitarrista que antes de embarcarse en esta aventura ya tenía una trayectoria de casi 2 décadas en los grupos Vacazul, 3000 Hombres y Zolo Zeppelín, con los que sigue colaborando, además de haber trabajado como músico de sesión en discos de artistas de variados estilos musicales. En este último proyecto Jairo ha tenido la participación y apadrinamiento del grupo norteamericano Calexico a los que conoció cuando éstos grabaron una versión de su canción “Don't leave me now” que Jairo coescribió junto a Amparanoia. A partir de ese momento comenzó a tocar con ellos cuando estaban de gira por España y gracias a este contacto consiguió que los miembros de Calexico colaboraran en la grabación en Tucson de su primer disco como Depedro y él mismo participó en el disco “Carried to dust” del grupo norteamericano. Posteriormente Jairo ha pasado a ser el guitarrista de Calexico en sus giras y con ellos ha recorrido media Europa y Estados Unidos.

La música que hace Depedro es fundamentalmente mestiza y fronteriza con letras que tratan de emociones y sentimientos pero también de reflexiones sobre lo que acontece en el mundo. Su disco de presentación se editó en 2008 y hace tenido una muy buena acogida en todos los frentes además de una gran repercusión mediática que seguramente ha sorprendido a este músico con tantos años de trabajo. Así ha conseguido realizar una importante gira de conciertos por España y ahora se prepara para hacerlo también por Estados Unidos donde finalmente también se ha editado el disco este mismo año. Al parecer prepara nuevo disco para el próximo año, en el que seguirá contando con la colaboración de Calexico.

LOS FOLKLORISTAS: Tierra mestiza

2009-10-06T23:00:00.001+02:00

El grupo nació en 1966 en la ciudad de México con el objetivo de difundir la música folklórica y la nueva canción de México y de toda América Latina. En esta larga trayectoria de más 40 años han participado en el grupo 46 músicos. Desde su fundación Los Folkloristas se han dedicado a la investigación de las expresiones culturales y al rescate de las raíces folklóricas de México y Latinoamérica, incorporando todo este conocimiento a su repertorio. Así, son autores de una extensa y completa discografía en la que cada uno de sus discos es una verdadera enciclopedia de géneros, ritmos, raíces, culturas y expresiones de toda América Latina.

En 1970 el grupo fundó la Peña de los Folkloristas que durante su vida activa fue el centro más importante de enseñanza y difusión de la música latinoamericana en México y donde dieron conciertos artistas de la talla de Víctor Jara, Inti-Illimani, Atahualpa Yupanqui, Mercedes Sosa, Silvio Rodríguez o Pablo Milanés. La agrupación ha participado en festivales y conciertos masivos en países como Cuba, Canadá, Italia, Alemania, Costa Rica, Venezuela, Bolivia, Guatemala, Nicaragua, Chile, Argentina, Panamá, Colombia, Ecuador y Perú. En muchos de esos viajes han hecho acopio de un importante acervo de más de 100 instrumentos, que después utilizan en sus conciertos. Así, con frecuencia utilizan instrumentos de siglos atrás rescatados por ellos como las ocarinas de diversas formas y tamaños, el huéhuetl (gran tambor ceremonial), el teponaztle (tambor de agua), el cinturón de pezuñas, el raspador yaquis o los tenábaris (capullos de mariposa rellenos con piedritas de hormiguero).

ROKIA TRAORÉ: Dounia

2009-09-29T23:33:00.001+02:00

Rokia Traoré es una cantante, compositora y guitarrista maliense. Gracias a que su padre era diplomático paso su infancia y juventud en varios países del mundo, entre ellos Argelia, Arabia Saudí, Francia y Bélgica, lo que sin duda ha influido en el carácter multicultural de su música. Rokia Traeré pertenece a la etnia bambara, con gran tradición musical basada en los griots, casi todos pertenecientes a la casta de los jeli. Sin embargo, su familia pertenecía a la nobleza, que tiene tradicionalmente prohibido dedicarse a la música, por lo que en sus inicios contó con la oposición familiar. A pesar de esto, Rokia decidió emprender la carrera musical y entre sus primeros maestros y apoyos contó con el gran guitarrista maliense Ali Farka Touré, que también ha alentado la carrera de otros innovadores talentos malienses. Rokia ha alcanzado gran éxito en Europa por su música plenamente contemporánea en la que mezcla los instrumentos y la tradición de Malí con sonidos occidentales de guitarra y el bajo acústicos para acompañar su espléndida voz.

Empezó triunfando en su país con una de sus primeras canciones, "Finini", que le sirvió también para darse a conocer en otros países. En 1997 ganó el premio "Découverte Afrique" de Radio Francia Internacional, que le dio la oportunidad de publicar al año siguiente su primer disco editado internacionalmente, “Mouneissa”. Dos años después publicó “Wanita”, en el que compuso la letra y la música de todos los temas. En 2003 vio la luz su tercer álbum, “Bowmboï”, y en 2008 el cuarto, “Tchamantché”, que dedicó al maestro Ali Farka Touré y en el que volvió a firmar todas las canciones, a excepción de una versión de un tema de Billie Holiday. Este álbum tuvo una gran difusión internacional y obtuvo el premio francés “Victoire de la musique” en la categoría de Músicas del mundo.

MATT ELLIOTT: The guilty party

2009-09-22T22:33:00.003+02:00

Matt Elliott es un músico inglés nacido en Bristol que ha protagonizado una especie de conversión personal desde una música básicamente electrónica a dedicarse a escribir oscuras canciones de aires folk interpretadas con tradicionales instrumentos acústicos. Comenzó su carrera bajo el nombre de The Third Eye Foundation, triunfando con una mezcla de drum and bass, samples y guitarras procesadas electrónicamente. También fue miembro de los grupos Movietone y Amp y colaboró en algunas grabaciones de Flying Saucer Attack, dedicados al post-rock y a la experimentación. El primer álbum de The Third Eye Foundation “Semtex” fue publicado en 1996 por el propio sello de Matt Elliott. Este disco es considerado parte del trip hop practicado en Bristol por grupos como Portishead, Massive Attack o Tricky. En su segundo álbum “Ghost” (1997) incrementó el uso de samples de forma más agresiva que en el anterior pero a partir de ese momento en sus siguientes discos “You guys kill me” (1998), “Little lost soul” (2000), y “I poo poo on your Juju” (2001) su música comenzó a transformarse haciéndose más minimalista aunque sin abandonar los samples ni su característico sonido sombrío.

En 2003 se produce el verdadero cambio radical, publica “The mess we made”, utilizando ya su propio nombre, abandona la electrónica y la programación, profundiza en el minimalismo y pasa a utilizar instrumentos acústicos. El disco fue muy bien recibido y aunque no sé si el cambio fue aceptado por sus antiguos seguidores, debo confesar que yo mismo sí que lo he visto con mucho agrado. Desde entonces ha continuado con este nuevo estilo en tres discos que forman una especie de trilogía “Drinking songs” (2005), “Failing songs” (2006) y “Howling songs” (2008), que ha sido el primero grabado en estudio. En ellos ha contado con la colaboración de la violinista Patricia Argüelles, ha añadido un mayor uso de voces e introducido un contenido político y social a sus canciones. También ha producido dos álbumes de la banda Hood, ha colaborado con su paisano Manyfingers y en 2009 ha sido una sorpresa verle actuar como telonero de Yann Tiersen en su gira por España.

FLEET FOXES: Your protector

2009-09-15T23:31:00.001+02:00

Fleet Foxes es el nombre de esta banda estadounidense que realiza una interesante mezcla de folk, rock y pop caracterizada por sus perfectos juegos de armonías vocales que remiten a grupos de otras épocas aunque ninguno de sus miembros supera los 25 años. El grupo lo formaron inicialmente Robin Pecknold y Skyler Skjelset, unos compañeros de instituto en Seattle que compartían su admiración por Bob Dylan y Neil Young y que en principio se hiceron llamar Pineapple aunque posteriormente tuvieron que cambiar el nombre del grupo ya que lo utilizaba otra banda local. Pecknold se hizo cargo de la composición, Skjelset de la guitarra, y la voz la pusieron ambos. El grupo quedó definido como quinteto con la incorporación del batería Joshua Tillman y los multiinstrumentistas Casey Wescott y Christian Wargo. El peculiar estilo sesentero del grupo llamó la atención del productor local Phil Ek, quien en 2006 les ayudó a grabar su primer EP “Fleet Foxes”. A finales de ese mismo año, la prensa de Seattle comenzó a hacerse eco de la nueva banda, destacando la calidad de las letras y la madurez musical del grupo, a pesar de la juventud de sus componentes.

A partir de este momento su popularidad se hizo global gracias sobre todo a internet y en particular a su página de Myspace. De esta forma llegaron a firmar con el sello Sub Pop, filial de Warner con el que editaron en 2008 su segundo EP “Sun Giant”. Ese mismo año realizaron una gira por el Noroeste de Estados Unidos que les llevó a ser reconocidos en buena parte del país y a atraer también la atención de la prensa europea, lo que hizo que “Sun Giant” fuera también editado para el mercado internacional y que ampliaran su gira al resto de Estados Unidos y a Europa. A su regreso se publicó su primer álbum con el propio nombre del grupo, con gran acogida por parte de la crítica y unas buenas ventas, sobre todo en Europa. Con escasa promoción, el disco fue elegido el mejor álbum del año 2008 por la revista británica MOJO y la estadounidense Pitchfork, mientras que Rolling Stone les otorgó el cartel de gran revelación de 2008, También The Times lo nombró disco del año y The Guardian le colocó la etiqueta de “clásico instantáneo”. Actualmente, la banda se está preparando para el lanzamiento de su segundo álbum para finales de 2009.

SALIF KEITA: Folon

2009-09-08T17:25:00.002+02:00

En el Siglo XIII Sundiata Keita constituyó el Imperio de Malí mediante la reunión de varios reinos y lo amplió a través de la conquista de otros pueblos. Es recordado como un gran administrador que desarrolló una eficaz organización política, administrativa y militar y reconocido por su sabiduría y su tolerancia, que permitieron la coexistencia pacífica del Islam y del animismo. Además fomentó el comercio, la explotación de oro e introdujo el cultivo del algodón. Salif Keita es descendiente directo de Sundiata Keita y por ello su familia se ha opuesto siempre que se dedicara a la música, ocupación que entienden incompatible con su rango y que corresponde a la clase inferior de los jalis. Pero no esto no ha sido lo peor en la vida de Keita, en la cultura mandinga se considera que las personas albinas son una señal de mala suerte y por este motivo también fue marginado por su familia y discriminado por sus vecinos para los que representaba la encarnación de un poder maligno por lo que escupían al suelo ante su presencia a fin de alejar los espíritus del mal.

En estas circunstancias, a los 18 años Salif Keita abandonó su ciudad natal Djoliba para mudarse a la capital del país, Bamako, donde pasó un tiempo como músico callejero y cantando en bares hasta que se unió a la Rail Band, patrocinada por el estado y con sede en el hotel de la estación de trenes de la ciudad. En 1973 Salif Keita y Kante Manfila dejaron la Rail Band y se unieron al grupo Les Ambassadeurs, que más tarde se transformó en Les Ambassadeurs Internationaux. Finalmente, el clima político y social en Malí obligó a los músicos a instalarse en Costa de Marfil, donde tuvieron la oportunidad de grabar y de actuar en vivo. Tras la disolución de este grupo en 1984 Salif Keita se mudó a Francia donde dio comenzó su exitosa carrera en solitario que le ha llevado a triunfar en Europa y ser conocido como la voz de oro africana. Su música combina los ritmos tradicionales de África Occidental con influencias europeas manteniendo un estilo general islámico. Esta mezcla también se ve reflejada a nivel instrumental, utilizando balofonos, yembes, koras, órganos, saxofones o sintetizadores. En 2002 volvió a Malí para grabar su disco Moffou, cuyo éxito le llevó a construir en Bamako un estudio propio donde en 2005 grabó su último disco de estudio hasta la fecha, M’Bemba.

BALKAN BEAT BOX: Joro Boro

2009-09-01T23:50:00.003+02:00

A pesar de que su música recuerda sobre todo a los Balcanes, este grupo procede de Nueva York donde fue fundado por los músicos Ori Kaplan y Tamir Muskat, ambos de origen israelí pero residentes en el neoyorkino barrio de Brooklyn y que se conocieron tocando en grupos de la escena rock underground de dicha ciudad, especialmente en Gogol Bordello, grupo del que Kaplan fue miembro y Muskat uno de sus productores. Actualmente el grupo está formado por miembros procedentes de Marruecos, España, Bulgaria, Israel y Palestina. Su música fusiona sonidos sirios, judíos, europeos y americanos con ritmos contemporáneos de hip hop, dub, triphop y dancehall e incluye las hipnóticas melodías de las cantantes búlgaras Vlada Tomova y Kristin Espeland.

El resultado de esta fusión musical ha sido definido por el propio Ori Kaplan como dancehall mediterráneo aunque también ha sido catalogado como folk urbano. En todo caso es una música radicalmente enérgica, con resonancias mediterráneas y contagiosamente rítmica. El primer trabajo discográfico de Balkan Beat Box se publicó en 2005 con el nombre del propio grupo y en 2007 editaron “Nu Med” (Nuevo Mediterráneo) en el que la música electrónica cobra un mayor protagonismo. Son renombradas sus actuaciones en directo en las que ofrecen un espectáculo casi circense, contundente y sobre todo muy divertido.

IRON & WINE: Flightless bird, american mouth

2009-08-25T23:49:00.001+02:00

El verdadero nombre de este compositor, cantante y productor norteamericano de folk-pop es Sam Bean. Su música acústica y melancólica ha sido comparada con la de otros grandes cantautores como Elliott Smith o Nick Drake. Además de la música, Beam ha mostrado interés por la realización audiviosual, graduándose en la Florida State University Film School y ejerciendo incluso durante un tiempo como profesor de la Film and Cinematography at Miami Internacional University of Art & Design. Precisamente siendo profesor en esta escuela llamó la atención de la discográfica de Seattle Sub Pop, especializada en grunge, y que finalmente editó en 2002 su primer disco “The creek drank the cradle” grabado en un estudio casero y en el que su cálida voz solamente se acompañaba de su guitarra acústica y banjo. Las críticas a este primer trabajo fueron entusiastas. En la misma línea que este primer disco fue lanzado al año siguiente “The sea & the rhythm”, un EP que recopilaba otras grabaciones caseras.

Su segundo álbum “Our endless numbered days” (2004) fue grabado ya en un estudio profesional y contó con la participación de una pequeña banda que introdujo un mayor número de matices a sus temas. En 2005 se publicó el EP titulado “Woman King” en el que también incluye guitarras eléctricas además de la presencia en cada tema de una figura espiritual femenina con un sutil trasfondo bíblico, a pesar de que Bean se ha declarado agnóstico. Ese mismo año publicó otro EP con el título de “In the reins” en colaboración con Calexico, en el que aunque Beam escribió todos los temas del álbum, se incluyen sonidos de instrumentos de metal, elemento característico de Calexico pero novedoso para la música de Beam. Además ha grabado dos EP en exclusiva para iTunes “Iron & Wine iTunes Exclusive EP”, que incluía temas no grabados en estudio, y “Live Session (iTunes Exclusive) EP”, en el que colabora su hermana Sarah Beam. Finalmente, en 2007 lanzó el disco "The Shepard´s Dog" en el que a pesar de seguir siendo predominantemente acústico incluye novedosas texturas musicales progresivas. También ha conseguido mucha popularidad gracias a que algunos de sus temas han sido elegidos para ambientar series de televisión, anuncios y películas, entre éstas últimas puede destacarse que su tema “Flightless bird, american mouth” fue incluido en la banda sonora de la película "Crepúsculo" y que es la canción que cierra este exitoso film de vampiros destinado al público adolescente.

AMADOU & MARIAM: Sabali

2009-08-18T23:51:00.001+02:00

Hoy voy a saldar una deuda histórica. No sé cómo ha podido ocurrir pero resulta que el disco que más veces he comprado en mi vida (normalmente no me gusta regalar copias) ha sido el fantástico “Dimanche à Bamako” y, a pesar de esto, ha hecho falta más de un año para que esta pareja de músicos malienses aparezcan en este blog. En fin, dicho queda. Amadou Bagayoko y Mariam Doumbia se conocieron hace casi 30 años en el Instituto de Jóvenes Ciegos de Malí y desde entonces no se han separado. Antes de formar su propio grupo Amadou estuvo durante 6 años en el mítico grupo “Les Ambassadeurs”, del que también han formado parte Salif Keita o Kante Manfila. Por su parte, Mariam cantaba desde que era pequeña en fiestas tradicionales. En 1980 la pareja contrajo matrimonio y en 1985 se trasladaron a vivir a Costa de Marfil, donde consiguieron gran éxito y grabaron varios álbumes. En los años 90 se trasladan como la mayoría de los músicos malienses de su generación a París, donde consiguieron finalmente el reconocimiento también en Europa. Inicialmente grabaron tres discos “Sou Ni Tile” (1999), “Tjé Ni Mousso” (2000) y “Wati” (2003) en los que dieron a conocer su estilo, denominado afro-blues, en el que mezclan los ritmos tradicionales de su patria con guitarras eléctricas, violines de Siria, trompetas cubanas, ney egipcios, trombones colombianos, tablas indias y percusión Dogón. Estos discos tuvieron bastante éxito en Europa, sobre todo en Francia.

Finalmente, Manu Chao hizo gala de su indudable gran olfato y les propuso grabar y producir un disco juntos, lo que dio lugar en 2004 al exitoso “Dimanche à Bamako” antes comentado. La perfecta mezcla de melodías tradicionales, blues africano y pop europeo aderezado con el inconfundible estilo de Manu Chao hizo de este disco un éxito global. La enorme popularidad alcanzada por el dúo les hizo interpretar el himno de la Copa del Mundo de Fútbol celebrada en Alemania en 2006 y que se reeditaran discos suyos con canciones grabadas en Malí y Costa de Marfil. En 2008 grabaron “Welcome to Malí”´con la participación de otros grandes músicos como K'Naan, Toumani Diabate o Tiken Jah Fakoly además de Damon Albarn, líder del grupo Blur, también cautivado por la música de este grupo y que participó y produjo el tema “Sabali” que abre el disco. En todos sus temas, Amadou y Mariam cuentan con gran sencillez escenas cotidianas junto con mensajes de paz y de respeto al prójimo.

M.I.A.: Paper planes

2009-08-11T01:41:00.002+02:00

La República de Ceilán accedió a su independencia del Imperio Británico en 1948 y en 1972 cambió su nombre por el actual de Sri Lanka a la vez que se cambió la bandera del país para acoger una representación de las poblaciones minoritarias tamil y musulmana. Y es que en este país de unos 20 millones de habitantes conviven varias etnias, principalmente cingaleses que son la mayoría, con tamiles, moros o malayos, y varias religiones, sobre todo budismo e hinduismo, aunque también se practica el cristianismo y el islam. Esta situación ha generado tradicionalmente unas relaciones complejas, sobre todo entre las comunidades cingalesa y tamil agravadas a partir de las revueltas que se produjeron en todo el país tras el asesinato de 13 soldados en 1983, que provocaron cientos de muertos tamiles y una situación de práctica guerra civil entre el ejército de Sri Lanka y los Tigres de Liberación de la Patria Tamil, organización fundada en 1976 con la pretensión de establecer un estado tamil independiente al noroeste de la isla. Desde entonces han muerto decenas de miles de personas por el conflicto. La guerrilla tamil logró durante un tiempo actuar casi como un estado en el territorio que ocupaba, llegando a disponer de poder judicial, policial, radio y televisión e, incluso, algunas embarcaciones y aeronaves. En 2009, el ejército gubernamental proclamó que la guerrilla había sido definitivamente vencida tras una tremenda ofensiva que causó miles de muertes civiles y se anunció la muerte de su fundador y sus dos principales comandantes cuando después de rendirse pretendían huir, actitud radicalmente contraria a la que empujaron a más de 150 suicidas en atentados contra la población cingalesa.

Mathangi "Maya" Arulpragasam, verdadero nombre de M.I.A. es hija de un activista tamil y, aunque nació en Londres, cuando tenía 6 meses su familia regresó a Sri Lanka aunque finalmente tuvieron que volver al Reino Unido como refugiados al recrudecerse la guerra civil. Allí se dedicó a estudiar Artes, destacando inicialmente como graffitera, siendo habitual en sus obras la temática guerrillera y llegando a estar nominada para el famoso Premio Turner. Musicalmente se inició participando en el segundo álbum de Elástica, lo que le sirvió para acabar grabando su primer disco “Piracy funds terrorism”, inicialmente sólo disponible para la prensa pero que finalmente fue publicado en 2004 a causa de su éxito. Al año siguiente publicó “Arular” con gran éxito de crítica y, finalmente, en 2007 grabó “Kala” en el que se incluye la canción “Paper planes” que fue escogida para la banda sonora de la estupenda película Slamdog millionaire y que creo que ha logrado que la mestiza música, mezcla de rap, funk y música electrónica, de esta artista cuyo nombre significa algo así como “desparecido en combate” se haya popularizado en todo el mundo.

SUFJAN STEVENS: Chicago

2009-08-04T00:57:00.000+02:00

El nombre de este músico estadounidense natural de Michigan es de origen árabe y recuerda a Abu Sufyan, prominente figura del Islam que inicialmente se opuso al profeta y acabó luchando con él después de la Hégira. No obstante, Sufjan Stevens ha hecho repetidamente reconocimiento público de un cristianismo militante, que incluso impregna los textos de sus canciones. Su carrera comenzó en los grupos folk Marzuki y Danielson Famile, grupo con el que todavía toca. Se considera un músico autodidacta y toca varios instrumentos, entre ellos guitarra, banjo, piano, oboe o flauta. Su imaginación desbordada se hace patente tanto en su prolífica capacidad de componer como en los temas elegidos, que van desde las canciones sobre ciudades y destinos turísticos, poetas o incluso asesinos famosos hasta las dedicadas a temas fantásticos en las que los protagonistas son brujas o dragones.

Su primer disco “A sun came” (1998) fue publicado por la compañía de su padrastro mientras él todavía estaba estudiando en la Universidad. En 2001, ya instalado en Nueva York, editó su segundo álbum “Enjoy your rabbit”, dedicado al zodiaco chino. En 2003 (Michigan) y 2005 (Illinois) editó dos discos dedicados enteramente cada uno de ellos a un estado norteamericano. En esa época anunció su proyecto de dedicar un disco a cada uno de los 50 estados de Estados Unidos. Actualmente, y con buen criterio, parece haber abandonado este titánico proyecto. Además ha editado “Seven Swans” en 2004, sobre su relación con la fe cristiana, el amor y el ser humano, y en 2006 se publicaron sus últimos discos hasta la fecha “The avalanche” y “Songs for Chistmas”, una colección de canciones navideñas recopiladas durante varios años. Actualmente está embarcado en la reedición de las canciones de su disco “Enjoy your rabbit” en formato acústico y en la publicación multimedia del espectáculo que realizó en 2007 sobre un documental dedicado al transporte entre los barrios neoyorkinos de Queens y Brooklyn que dirigió y en el que también se encargó de componer la banda sonora.

HABIB KOITÉ: Africa

2009-07-28T23:25:00.003+02:00

Habib Koité procede de una noble familia de griots Khassonké, etnia de la región de Kayes al oeste de Malí. El papel de los griots en esta zona de África era el de preservar las tradiciones orales de su pueblo, acompañándose normalmente de música aunque en ocasiones tan sólo recitaban cuentos o poemas. Habib heredó la afición por la música de su abuelo que tocaba el n’goni kamal, instrumento tradicional de cuatro cuerdas asociado a los cazadores de la región de Wassolou. Comenzó de niño acompañando a su madre, también griot, que cantaba en ceremonias tradicionales y, sin necesidad de que nadie le enseñara aprendió a tocar la guitarra. Con un grupo de amigos de la infancia fundó en 1988 el grupo Bamada (apodo que se da a los habitantes de Bamako y que significa algo así como “en la boca el cocodrilo”) y desde entonces continúa con ellos. Su familia tenía previsto que estudiara ingeniería pero gracias a un tío suyo que valoró su talento y convenció a sus padres, se matriculó en el Instituto Nacional de Artes de Bamako, donde estudió durante cuatro años y donde fue contratado como profesor de guitarra al licenciarse. En esa época acompañó también a grandes músicos de Malí como Toumani Diabaté o Kélétigui Diabaté y gracias a un amigo francés pudo participar en el Festival Voxpole de Perpignan, que le dio a conocer en Europa y que le permitió ganar varios premios.

A partir de ese momento sus conciertos han sido habituales en Europa y en 1995 pudo publicar su primer disco “Muso ko”. Su segundo álbum “Ma ya” más introspectivo y acústico que el anterior fue un gran éxito en Europa en 1998 y fue reeditado un año después por el sello Putumayo logrando una repercusión mundial, triunfando también en Estados Unidos donde ofreció una serie de conciertos memorables, fue alabado por artistas como Jackson Browne y Bonnie Raitt y donde ha aparecido en las páginas de Rolling Stone, The New York Times y hasta Vanity Fair. En 2001 se publicó “Baro” y en 2007 “Afriki” un grandísimo disco gracias al que le conocí. Habib Koité es un ejemplo de mestizaje, en primer lugar entre la riquísima diversidad musical de su país pero también al incluir elementos occidentales en su música y al combinar con tanto virtuosismo la música tradicional con las tendencias contemporáneas.

ROSE: La liste

2009-07-21T22:21:00.002+02:00

Su verdadero nombre es Keren Meloul, pero eligió el nombre artístico de Rose en homenaje a Janis Joplin, por la película biográfica “The Rose” protagonizada por Bette Midler en 1979. Hasta que decidió dedicarse a la música estudió derecho y llegó a trabajar como maestra de escuela. Empezó actuando como telonera de Jehro, Axelle Red, The Servanty y Olivia Ruiz hasta que en 2006 Alain Souchon le dio la oportunidad de actuar con él en el mítico Olympia. Rose no desaprovechó esta oportunidad para ser conocida lo que le permitió grabar su primer y único disco hasta el momento ese mismo año y realizar una exitosa gira por toda Francia al año siguiente.

Además de Joplin, Rose es también entusiasta de la poesía de Bob Dylan y, en general, del folk americano, que impregna hasta su imagen consistente habitualmente en camisas de cuadros y botas vaqueras. Sus canciones, acompañadas siempre por el sonido de su guitarra “Martine” y, en ocasiones, apoyadas por una armónica recuerdan tanto al folk como al country o al jazz y suelen representar fragmentos de su propia vida, tratando por tanto los temas habituales en un diario personal y, en definitiva en una vida, soledad, amor, esperanzas y desilusiones.

CALEXICO: Roka

2009-07-14T23:58:00.001+02:00

Calexico es una ciudad californiana, situada en la frontera entre este estado y México. De hecho su nombre proviene de la contracción de California y México para indicar que es el lugar donde termina California y comienza México. Calexico es la ciudad norteamericana con mayor porcentaje de población latina, aproximadamente un 85%, y es el nombre escogido por este grupo para bautizar su música fronteriza mezcla de folk del suroeste de los Estados Unidos y música mexicana. A mí, particularmente, me atraen más sus discos en los que es más patente las influencias mexicanas en su música y mayor es el aporte de violines e instrumentos de viento que se imponen sobre las guitarras y las parte vocales.

Calexico surgió a partir del grupo californiano Giant Sand, en el que John Convertino tocaba la batería y al que en 1990 se incorporó el batería Joey Burns. En 1994 el grupo se trasladó a Tucson y allí Convertino y Burns fundaron Friends of Dean Martinez y, posteriormente, Spoke, que finalmente adoptaría el nombre definitivo de Calexico con la edición en 1997 de su primer álbum, publicado inicialmente en una pequeña edición independiente como Spoke. Desde entonces su discografía se compone de álbumes de estudio (“The black light” en 1998, “Hot rail” en 2000, “Feast of wire” en 2003. “Garden Ruin” en 2006 y “Carried to dust” en 2008) y otros grabados en directo que sólo pueden ser adquiridos en sus conciertos (“Road map” en 1999, “Travelall” en 2000 y “Aerocalexico” en 2001). Además haciendo gala del sentido mestizo y participativo de su música han colaborado con diversos artistas como Françoiz Breut, Amor Belhom Duo, Iron & Wine, la cantante granadina Amparanoia o el músico Jairo Zavala, con el que han colaborado en su primer disco y que incluso ha participado con ellos en alguna gira. Además han editado otros dos discos con rarezas y en 2000 incluso publicaron un disco con el nombre de su antiguo grupo Giant Sand.

ISSA BAGAYOGO: Saye mogo bana

2009-07-07T22:16:00.001+02:00

Issa Bagayogo vivía en Malí en el campo con su padre, las cuatro esposas de su padre y sus quince hijos. Toda la familia se dedicaba al campo que era su forma de vida. A los 12 años Issa comenzó a tocar el kamel n’goni, un instrumento tradicional de seis cuerdas mezcla de n´goni y kora, y a cantar. Mucho tiempo después, en 1991, tras haberse ganado el reconocimiento en su pueblo se trasladó a Bamako para intentar ganarse la vida con su música, así consiguió grabar su primera cinta, pero no tuvo el éxito esperado y tan sólo pudo volver a su pueblo con el orgullo de ver su foto en la portada. Sin embargo, Issa no tenía intención de volver a trabajar en el campo y sólo 3 meses después de su vuelta regresó a Bamako donde en 1993 grabó su segunda cinta, también con éxito escaso. Entonces se vio obligado a trabajar como aprendiz de conductor de autobús y comenzaron sus problemas con las pastillas. Su mujer le dejó y su madre se desesperaba por la vida de su hijo.

Afortunadamente, Issa estaba decidido a vivir de su música y tras dejar su adicción consiguió reunirse con el ingeniero de sonido Yves Wernert y el ex-guitarrista de Ali Farka Touré, Moussa Koné, que le sugirieron participar en una experiencia musical todavía inédita en Malí, mezclar la música tradicional con bases rítmicas cercanas al techno pero Issa no estaba acostumbrado a trabajar con cajas de ritmo e inicialmente dudó del proyecto. En 1998 aparecieron estas nuevas canciones en su disco “Sya” y sorprendentemente fue un éxito en Malí, se le pasó a conocer como “Techno Issa” y finalmente pudo volver a su pueblo como un triunfador. Su madre estaba orgullosa de su hijo y hasta su mujer quiso volver con él. En 1999 alcanzó el premio de la Radio Televisión de Malí al artista revelación, lo que en un país con tanta tradición y riqueza musical verdaderamente es un gran premio. Tres discos después, “Timbuktu” (2002), Tassoumakan (2004) y el último hasta la fecha, “Mali Koura”, publicado en 2008, le han proporcionado un importante éxito global y el reconocimiento internacional a su personal estilo musical. Issa ya no va a tener que volver a trabajar en el campo.

BELLERUCHE: Northern girls

2009-06-30T19:36:00.001+02:00

Ellos mismos se definen como un grupo de “hip-hop blues soul”. Pues eso. El trío se formó de forma casual en 2004 al encontrase el productor DJ Modest y el guitarrista Richy Fabulous, que ya actuaban juntos en bares de Londres, con la vocalista Kathrin DeBoer en un mercado. Al año siguiente de nacer, el grupo editó 3 singles en su propio sello Hippoflex y en 2006 un EP. Finalmente, en 2007 tras firmar con la compañía Tru Throughts editaron su primer álbum “Turntable soul music”, bien acogido por la crítica especializada, y en 2008 su segundo y último disco hasta la fecha “The express”. En todos sus trabajos consiguen un sonido muy personal aplicando la electrónica y técnicas del hip-hop (turntablism) a los ritmos soul y jazz que crean, acompañados de la maravillosa voz de su vocalista.

Turntable o mesa giratoria es el término para designar al plato giradiscos y el nombre que DJ Babu utilizó por primera vez para diferenciarse de los clásicos pinchadiscos que sólo se dedicaban a poner y mezclar canciones ajenas. Así, estos DJ utilizan los platos como instrumentos y se consideran verdaderos músicos capaces de componer temas utilizando técnicas como el scratch, backspin, breakbeats o beat juggling.

ELÍADES OCHOA Y EL CUARTETO PATRIA: Píntate los labios María

2009-06-23T23:20:00.001+02:00

En 1997 el éxito del disco Buenavista Social Club, impulsado por Ry Cooder y editado por World Circuit, atrajo la atención del mundo hacia la música cubana. En este histórico disco participaron grandes músicos como Compay Segundo, Ibrahim Ferrer, Rubén González, Omara Portuondo o el propio Elíades Ochoa. Todos ellos tuvieron después de este éxito un reconocimiento mundial y un relanzamiento de sus propias carreras, aunque a casi todos les llegó muy tarde. Quizás Elíades Ochoa es quien más ha podido aprovechar este éxito ya que su edad le ha permitido seguir en activo y actualmente continúa ofreciendo un gran número de conciertos cada año por todo el mundo.

Elíades Ochoa nació en el Oriente Cubano y comenzó de niño a tocar la guitarra y cantar música tradicional cubana por las calles de Santiago, después pasó a formar parte de los grupos Quinteto Oriental y Septeto Típico abandonando las calles y logrando frecuentar el escenario de la Casa de la Trova, verdadero centro neurálgico de la música tradicional en la isla. En 1978 entró a formar parte del Cuarteto Patria, grupo fundado en 1940, cuyo nombre recuerda al periódico fundado y dirigido por José Martí hasta su muerte. Cuatro años después Elíades pasó a dirigir el grupo, colaborando en su difusión internacional. Con este grupo ha publicado algunos discos sensacionales con música tradicional cubana y composiciones nuevas pero, en particular, me parece muy destacable el disco CubAfrica que editaron en 1996, tras su encuentro con el gran músico camerunés Manu Dibango.

A pesar del éxito conseguido y de los múltiples viajes que realiza cada año para actuar allí donde se le reclama es de destacar la humildad y el fantástico carácter de este músico que impregna de felicidad cualquier escenario que visita así como su orgullo en recordar los orígenes campesinos, guajiros, de su música y de él mismo. También es característica su guitarra armónica capaz de sonar como un tres o como una guitarra tradicional.

MAYRA ANDRADE: Tunuka

2009-06-16T00:18:00.002+02:00

No toda la música caboverdiana es morna y Cesaria Évora pero es indudable que el éxito de la cantante de los pies descalzos ha ayudado a situar en el mapa a este pequeño país de apenas 4.000 Km2 y 500.000 habitantes. La verdad es que es impresionante la diversidad de músicas, cantantes y compositores que ha producido este pequeño país gracias al mestizaje, forzado, entre los colonizadores europeos y los esclavos africanos llevados hasta allí por los europeos ya que el archipiélago no estaba habitado cuando llegaron. Sin embargo, el comercio de seres humanos fue la principal actividad de estas islas durante siglos.

Mayra Andrade une a este origen mestizo de su país el suyo personal. Nació en Cuba y ha vivido en Senegal, Angola y Alemania además de en Cabo Verde, hasta que se instaló en París con 16 años después de ganar el concurso musical Jeux de la francophonie. A las influencias musicales que puede haber recibido en todos estos destinos debe añadirse, sin duda, la que le ha aportado la música brasileña que ha escuchado en su casa desde niña. En París comenzó a recibir clases de canto y, poco después, siendo muy joven pasó a actuar en escenarios de Lisboa o Cabo Verde y también en pequeños clubes de la capital francesa. Toda esta experiencia hace que su excelente primer disco “Navega” publicado en 2006 refleje una madurez impropia del debut de una cantante tan joven. En 2008 recibió el importante premio de World Music de BBC Radio 3 y hace apenas unos días se ha editado su segundo disco “Stória, Stória” cuyo título evoca el inicio de un cuento tradicional de cabo Verde y que espero poder escuchar pronto.

SANDRINE KIBERLAIN: Y’a du monde

2009-06-08T00:13:00.001+02:00

Esta francesa descendiente de judíos polacos ha triunfado en su país como actriz. En 1995 ya obtuvo el César a la mejor actriz revelación y desde entonces ha recibido varias nominaciones más y obtenido el prestigioso premio Romy Schneider que se concede a los jóvenes talentos del cine francés. Pero además de su talento como actriz, Sandrine Kiberlain ha tenido también la oportunidad de demostrar su valía para la música, a la que siempre ha estado muy unida por tradición familiar.

Inicialmente se dedicaba a escribir textos para otros cantantes hasta que el cantautor francés Alain Souchon le animó a interpretarlos ella misma. Así, en 2005 se publicó su primer disco “Manquait plus qu'ça” con muy buena acogida en Francia, recibimiento que se repitió en 2007 con el lanzamiento de su segundo álbum “Coupé bien net et bien carré”. En ambos trabajos, Sandrine ha escrito las letras de todas las canciones, habitualmente desarrolladas como páginas de un diario personal en las que introduce apuntes de su propia biografía. La música la deja a diversos compositores entre los que destacan el propio Pierre Souchon y Camille Bazbaz, además de Etienne Daho y Mickaël Furnon.

ELIS REGINA: Águas de março

2009-06-01T00:02:00.002+02:00

Elis Regina nació en Porto Alegre y comenzó a cantar con 11 años en un programa de radio infantil. A los 13 años ya fue contratada por Radio Gaúcha y un año después, en 1960, se trasladó a Rio de Janeiro y grabó su primer álbum “Viva a Brotolândia”. Desde ese momento comenzó una carrera meteórica que le llevó a grabar discos de forma continua, contribuyendo al éxito del movimiento tropicalista fundado por Gilberto Gil y Milton Nascimento, entre otros, y obteniendo una enorme popularidad en Brasil, lo que le permitió no ser represaliada por la dictadura militar que gobernó el país desde 1964 a 1985, a pesar de ser públicamente muy crítica con ellos y que otros muchos cantantes de la época sufrieron prisión o debieron exiliarse. Sin embargo, accedió a cantar públicamente el himno nacional en un acto público lo que le granjeó las críticas de la izquierda brasileña.

En 1974 alcanzó su mayor éxito internacional con el disco “Elis & Tom” que grabó junto a Tom Jobim y que ha sido uno de los discos de bossa nova más vendidos de la historia. A pesar de su brillante carrera y ser reconocida como una de las mejores representantes de la música popular brasileña, Elis siempre mantuvo una vida agitada, siendo conocida también por su fuerte temperamento y su trato difícil. En 1982 murió como consecuencia de una sobredosis de alcohol, drogas y tranquilizantes cuando contaba 36 años. Su prematura muerte causó una gran conmoción en Brasil. En los muros de muchas ciudades se popularizó la leyenda “Agora é uma estrela”.

TOUMAST: Amidinine

2009-05-24T23:51:00.000+02:00

De vuelta al desierto del Sahara. Y mucho de lo dicho en su momento para Tinariwen sirve para el guitarrista de este grupo Moussa Ag Keyna. Hasta los 15 años vivió como pastor en el país de los tuareg, en la frontera entre Malí y Niger, como lo habían estado haciendo sus antepasados durante siglos. Sin embargo, después de que en los años 70 del siglo XX se produjera una disminución del ganado y, por tanto, la pérdida de su forma de vida, muchos jóvenes fueron reclutados para participar en la rebelión tuareg en defensa de la identidad de su pueblo.

Sin haber abandonado todavía las armas, Moussa comenzó a dedicarse también a la música y formó Toumast, que significa “identidad”. Inicialmente todas sus canciones compartían el espíritu revolucionario que le llevó a luchar por su pueblo. En 1994 fue herido en combate y evacuado a Francia, donde afortunadamente entró en contacto con el productor y multiinstrumentista Dan Levy que produjo sus canciones tuareg con arreglos contemporáneos pero sin perder las fuertes raíces que tenían las hipnóticas composiciones de Moussa. Así, después de 10 años en Francia en los que estuvo colaborando con varios músicos occidentales, finalmente en 2006 pudo publicarse el primer disco de Toumast “Ishumar” contando con la cantante Aminatou Goumar. De esta forma Moussa sigue con su lucha pero ahora con otras armas, seguramente más eficaces.

DAVID BOWIE: Life on Mars?

2009-05-17T23:48:00.003+02:00

Hoy cumple un año este blog y francamente estoy orgulloso de todo lo que ha pasado en este tiempo. Según el contador que aparece a la izquierda, desde el 17 de mayo de 2008 ha habido más de 6.500 visitas, y aunque no puedo comunicarme con todas las personas que han llegado aquí alguna vez, espero que hayan encontrado algo de lo que andaban buscando, o mejor, que hayan encontrado algo que no andaban buscando. Puedo decir que estas visitas han procedido mayoritariamente de España (casi el 70%) pero que también han llegado visitantes de todos los países de América Latina (sobre todo de Nicaragua, Argentina, México, Colombia y Chile), de prácticamente toda Europa y en algunas contadas ocasiones ha habido visitas desde Australia, Japón o Kuwait. Supongo que todos estos orígenes tienen mucho más que ver con la lengua de este blog que con el reconocimiento popular de los músicos en esos países y, en cualquier caso, es destacada la desproporcionada presencia, para el tamaño de su país, de visitantes procedentes de Nicaragua, hecho muy ligado al éxito de Carlos Mejía Godoy y la música popular en dicho país. También debo remarcar, aunque no como algo positivo, que en este tiempo sólo se ha producido una única visita del continente africano.

Creo haber cumplido con la dispersidad prometida. En estas 52 semanas han aparecido 52 músicos y grupos repartidos de forma escrupulosamente paritaria entre músicos procedentes de Europa, América y África que han utilizado, además de los instrumentos habituales de los músicos occidentales contemporáneos otros como la mandolina, el n’goni, la kora, el balafon, la quena, la zampoña, el charango o el ukelele y se han podido escuchar canciones cantadas en inglés, castellano, catalán, francés, portugués, italiano, wolof, bambara, garifuna, quechua, aymara, amazigh e, incluso, en lenguas inventadas como el Vonlenska (o hopelandic) de Sigur Rós. Como curiosidad añadiré que los músicos con más éxito hasta el momento han sido, con mucha diferencia, Jovanotti y Carlos Mejía Godoy, aunque últimamente se nota el auge de Los Delinqüentes, quizás debido al lanzamiento de su último disco. La verdad es que me han sorprendido estos resultados, sobre todo el caso de Carlos Mejía Godoy que, francamente, no pensaba que tuviera tanta vigencia. Por otra parte, también me sorprende que Daara J haya sido el grupo con más visitas de entre los africanos, cuando han aparecido otros músicos como Ali Farka Touré, Cheikh Lô o Tiken Jah Fakoly, que pensaba que tendrían más tirón popular, pero una vez más se demuestra que mi opinión casi nunca es demasiado acertada.

En fin, hace un año Seu Jorge inauguraba este blog con una extraordinaria versión de la canción Life on Mars? de David Bowie y me ha parecido oportuno celebrar este aniversario con la versión original de este gran tema. Menos mal que David Bowie es muy conocido y no necesita mucha presentación porque no querría alargar demasiado esta entrada. Sólo recordaré que tomó su apellido artístico de uno de los defensores de la misión texana de El Álamo frente a las tropas mexicanas, que su carrera comenzó en la década de los 60 del siglo XX y que desde entonces ha tenido un importante papel en la historia de la música rock y pop, sabiendo adaptarse a otros estilos e incluso anticiparse a las tendencias que han ido surgiendo en todos estos años. Actualmente sigue en activo y según me ha parecido verle en alguna grabación, a pesar de la edad y de haber engordado un poco, en comparación con su extrema delgadez de épocas pasadas, parece que mantiene completamente el pelo y el talento.

THE FELICE BROTHERS: Frankie’s gun

2009-05-11T01:24:00.001+02:00

Este grupo estadounidense está formado por Ian Felice, Simon Felice y James Felice además de otros dos amigos llamados Christmas y Farley. Los tres primeros realmente se llaman así y son verdaderos hermanos y no ficticios como en su momento crearon los Ramones. Hacen una música rural catalogada como folk-rock aderezada con algo de country que indudablemente en muchas de sus canciones recuerda las míticas grabaciones de Dylan con The Band, lo que además de por los instrumentos que utilizan se ve favorecido por la voz de Ian Felice. Uno de sus grandes momentos ocurrió en el prestigioso festival folk de Newport en 2008 donde a causa de las condiciones meteorológicas se quedaron sin electricidad y se vieron obligados a improvisar un concierto completamente acústico, que al parecer fue memorable

Los hermanos Felice son originarios de Palenville en el estado de Nueva York a escasos 20 minutos de la ciudad de Woodstock, donde en 1969 se desarrolló uno de los festivales de música rock más famosos de la historia, y allí comenzaron a tocar en reuniones familiares. Pero el grupo como tal nació en Nueva York, una vez que la familia se había trasladado a Brooklyn, tocando en sus inicios en las estaciones del metro. En 2006 publicaron su primer trabajo “Through These Reins and Gone” y después de haber editado desde entonces un disco al año, muy recientemente acaba de salir su último álbum “Yonder Is the Clock”, que reconozco que todavía no he escuchado pero como siempre les está ocurriendo hasta el momento, ya atesora unas excelentes críticas.

ABDULLAH IBRAHIM: The wedding

2009-05-04T00:13:00.003+02:00

El nombre original de este compositor, pianista y multiinstrumentista sudafricano es Adolphe Johannnes Brand y originalmente actuó con su grupo con el nombre de “Dollar Brand Trio” hasta que adoptó el de Abdullah Ibrahim al convertirse al Islam en la década de los sesenta del siglo XX. Inició su carrera en su país en los grupos Tuxedo Slickers y la big band de Willie Max y colaborando con otros grandes músicos como la recientemente desparecida Miriam Makeba o el trompetista Hugo Masekela. Duke Ellington lo alabó reconociéndolo como el mejor pianista y compositor de África y le apoyó con la edición del disco “Duke Ellington presents The Dollar Brand Trio” (1963) que le ayudó a ser reconocido mundialmente y le dio la oportunidad de colaborar también con Elvin Jones, el trompetista Don Cherry o el saxofonista argentino Gato Barbieri.

En 1965 se trasladó a vivir a Suiza donde también contrajo matrimonio, en 1970 retornó a Sudáfrica pero el vergonzoso régimen racista todavía estaba vigente y en 1976 abandonó su país para instalarse en Nueva York. En esos momentos ya era una figura popular en el mundo del jazz y actuaba en los principales festivales de jazz de Europa, América y Japón tanto como solista de piano como con su grupo. En 1990 con la liberación de Nelson Mandela y el inicio del fin del apartheid volvió a Sudáfrica pero sin abandonar completamente Nueva York, donde sigue residiendo. En 1998 compuso la banda sonora de la película “Chocolat”, que obtuvo el Oscar a la mejor banda sonora de ese año. También es destacable su colaboración con la Joven Orquesta de la Comunidad Europea, la Orquesta Filarmónica de la Radio de Munich y la Orquesta de Cámara de Zurich para hacer versiones sinfónicas de sus obras con gran éxito. En 2008 con 74 años y después de cuatro años sin grabar ha editado su disco “Senzo” en el que se muestra en plena forma e interpreta sólo con su piano 21 temas propios y una versión de “In sentimental mood” de Duke Ellington.

SERGENT GARCIA: Long time

2009-04-27T00:05:00.002+02:00

Esta banda está formada actualmente por diez músicos procedentes de Cuba, Guayana, Francia y España liderados por Bruno García, músico, DJ y agitador cultural de nacionalidad francesa, origen español y vocación universal que reside desde hace años en Valencia donde se ha embarcado también en la instalación de un estudio de grabación, La Gwagwita, donde grabar sus propios disco y producir a artistas de todo el mundo. También ha creado una radio en Internet, Radio Timbo, para divulgar a artistas que combinan música latina y reggae que lleva funcionado desde 2007, es director artístico de varios festivales y colabora con diversas causas sociales

Bruno Garcia comenzó su carrera musical en los años 80 del pasado siglo como guitarrista en la mítica banda de punk Ludwig von 88 con el seudónimo de Nobru. En Paris se dedicó a producir a grupos de rap hasta que comenzó a mezclar en la radio música latina y reggae, creando su estilo personal, la salsamuffin (por analogía al ragamuffin), al que se ha dedicado desde entonces. En 1997 grabó casi artesanalmente el disco “Viva el Sargento”, al que siguieron “Un poquito quemao” en 1999 que supuso su consagración, “Sin fronteras” en 2001, “La semilla escondidad” en 2003 y “Máscaras” en 2006 que es su último álbum publicado hasta el momento. Gracias al éxito ha llegado a arroparse por un grupo de buenos músicos de orígenes diversos que le acompañan en giras interminables por Francia, España y América Latina.

FAROFA CARIOCA: Pare e pense

2009-04-20T10:17:00.001+02:00

La farofa es un alimento a base de harina de mandioca o maíz muy popular en Brasil por su reducido coste y que se utiliza desde la época colonial como acompañamiento de carne, ave o pescado. Con este nombre que sugiere la mezcla que musicalmente cultivan nació en 1995 en Rio de Janeiro este grupo entre cuyos miembros fundadores se encontraba Seu Jorge. Poco después del lanzamiento del primer disco de la banda "Moro no Brasil" en 1998, distribuido en Brasil, Portugal y Japón, Seu Jorge abandonó el grupo para dedicarse a su exitosa carrera en solitario. A partir de ese momento fue sustituido por Mário Broder que confirió un estilo más funk a las canciones del grupo.

Desde entonces Farofa Carioca ha continuado realizando su peculiar mezcla de pop, rock, rap, samba y funk junto con la denuncia de la situación de las clases más desfavorecidas de Brasil que se incluye en sus letras, ha participado en varios discos colectivos y en 2008 ha publicado su nuevo disco “Tubo de ensaio”. Además no ha dejado de ofrecer conciertos por todo Brasil, que en ocasiones se convierten en verdaderos espectáculos en los que incorporan danza o números circenses.

KHALED: Aïcha

2009-04-13T00:54:00.002+02:00

El raï, que en árabe significa “opinión” o “punto de vista”, es una música originaria de Orán, en el oeste de Argelia. Surgió en los inicios del siglo XX a partir de la tradición de antiguas músicas religiosas musulmanas y del folclore beduino y ha logrado una gran difusión tanto en el norte de África como en Francia, donde se ha extendido gracias al importante número de emigrantes del Magreb que viven en ese país, que fue la antigua potencia colonizadora. Así, en 2001 el Consejo Superior Audiovisual francés reconoció la importancia de este género al otorgar la concesión de dos emisoras en la región de París que emiten desde entonces raï las 24 horas del día.

En sus orígenes existía un raï oficial que glosaba los valores religiosos y morales y un raï prohibido e irreverente que se cantaba en zocos y tabernas y en el que los temas eran el alcohol y los placeres humanos. Tras la independencia de Argelia este género se extendió por todo el país pasando a ser una especie de música nacional y adoptando instrumentos occidentales además de los tradicionales como la flauta, el bendir o el laúd árabe. Ya en los años 70 del siglo XX, se añadieron sintetizadores y cajas de ritmo a la vez que se produjeron fusiones con elementos del rock, pop o reggae dando lugar a un género mestizo mucho más atractivo. A partir de la década de los 80 surgieron los grandes cantantes como Cheb Hasni, Cheb Khaled, Cheb Mami o Rachid Taha que lograron hacer internacional esta música interpretándola en francés y adoptando cierto estilo occidentalizado.

Durante el régimen del partido único Frente de Liberación Nacional en Argelia, el raï estuvo prohibido alegándose que sus letras eran obscenas y corrompían a la sociedad. Con la llegada de la democracia y ante su extensa popularidad el gobierno llegó a concederle el reconocimiento como música nacional. Sin embargo, por otra parte es rechazado por los islamistas más radicales que durante la cruel guerra civil que se desarrolló en la década de los noventa llegaron a asesinar a algunos cantantes como Cheb Hasni, uno de los más famosos, provocando que otros muchos cantantes se trasladaran a Francia. Uno de ellos es Khaled, o Cheb Khaled (el joven Khaled) en sus inicios, que a los 14 años publicó su primer disco tras haber aprendido por su cuenta a tocar la guitarra, el bajo, el acordeón y la armónica y que vive en Francia desde 1989 donde ha cosechado sus mayores éxitos a través de discos en los que se ha acercado al jazz, al pop y al reggae.

LOS DELINQÜENTES: El aire de la calle

2009-04-05T23:32:00.004+02:00

Ahora que parece que por fin llega de verdad el buen tiempo y la primavera trompetera se asienta entre nosotros creo que llegado el momento de acordarse de Los Delinqüentes. Este grupo jerezano nació en 1998 e inicialmente estaba formada por dos amigos del instituto, Miguel Benítez (el Migue) y Marco del Ojo (el Canijo) que adoptaron el nombre de una canción de Kiko Veneno, al que desde siempre este grupo ha tenido como referente, y que llegaron a grabar una maqueta. Después de asistir a una actuación de Diego Pozo (el Ratón) y su banda, Miguel y Marco le pidieron que les diera algunas clases de guitarra. Finalmente Diego acabó incorporándose al grupo para dar lugar al trío Los Delinqüentes, acompañados siempre por su inseparable Banda del Ratón. En esta banda se integraron algunos integrantes del grupo Palocortao, del que también formaba parte el Ratón, entre ellos su cantante “el Daviles” que canta algunas canciones de su antiguo grupo que Los Delinqüentes han adoptado.

En 1999 grabaron su segunda maqueta que tuvo cierta repercusión en Andalucía tras haber sido utilizada la canción “El duende garrapata” en una campaña publicitaria. Grabaron una tercera maqueta, completamente en directo, en espera de recibir una propuesta de alguna compañía discográfica pero como esta respuesta no llegaba se trasladaron a Madrid para darse a conocer. Tocaron en colegios mayores y fiestas privadas y se presentaron en varias discográficas con sus guitarras. Finalmente, los cazatalentos de Virgin demostraron tener más olfato que los demás y con esta compañía grabaron en 2001 su primer disco “El sentimiento garrapatero que nos traen las flores”, que llegó a ser disco de oro en España. En 2003 editaron su segundo disco “Arquitectura del aire en la calle” y en 2006 su último disco de estudio hasta el momento “El verde rebelde vuelve”, ya sin Miguel Benítez. Para 2008 estaba previsto el lanzamiento de su nuevo disco “Bienvenidos a la época iconoclasta” pero problemas con su compañía discográfica hicieron que se retrasara. Al parecer su publicación se anuncia inminente.

En 2004, en pleno auge del grupo falleció Miguel Benítez a los 21 años, oficialmente a causa de una parada cardiaca aunque es bien conocido que su muerte fue causada por los excesos con las drogas, una más entre las ocurridas a jóvenes músicos con éxito. Esta pérdida fue dura para el grupo ya que Miguel era su líder, compositor y el cantante en la mayoría de los temas, aunque Marco ya había comenzado a compartir con él esa labor en el segundo disco. Tras el golpe, el grupo decidió seguir adelante, continuar con su mezcla de rock, blues y flamenco y, si cabe, hacer una música cada vez más festiva y desenfadada.

VINICIUS DE MORAES: Tarde em Itapoã

2009-03-29T23:58:00.001+02:00

Vinicius de Moraes fue sobre todo un poeta apasionado, bohemio y mujeriego. No obstante, también estudió derecho y aunque desde muy joven ya había comenzado a publicar sus primeros libros de poesía y conseguido una beca para estudiar lengua y literatura inglesa en la Universidad de Oxford, tuvo que volver a Brasil con el inicio de la Segunda Guerra Mundial dedicándose a su regreso a la crítica cinematográfica hasta que consiguió ingresar por concurso en la carrera diplomática. A causa de este trabajo vivió en Los Ángeles, París y Montevideo. Sin embargo, sus ocupaciones nunca le impidieron desarrollar sus verdaderas pasiones, la poesía, el cine y la música. Pudo compatibilizar su trabajo como diplomático con su pertenencia al Partido Comunista y una presencia cada vez más frecuente en los ambientes artísticos y de la farándula hasta que al cumplir 55 años fue expulsado del Ministerio de Relaciones Exteriores, decisión que el propio Vinicius aplaudió y celebró incorporándose a una comunidad hippy en Bahía.

Su relación con la música comenzó a los 19 años cuando escribió sus primeras 10 canciones que fueron grabadas por los hermanos Tapajós. En 1950, trabajando ya como diplomático, escribió su primera samba junto con el músico Antônio Maria y en 1954 su obra de teatro “Orfeu da conceição” ganó el concurso del IV Centenario de São Paulo y fue llevada al cine en 1959 por Marcel Camus con el título de “Orfeo negro”. Esta película, que ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, la Palma de oro en el Festival de Cannes y el premio de la Academia Británica, permitió a Vinicius iniciar una larga amistad con Antonio Carlos Jobim, que escribió varias canciones para la película. Posteriormente el dúo colaboró en algunas de las canciones más recordadas de la bossa nova.

Además de Jobim, Vinicius colaboró con otros grandes músicos brasileños como Baden Powel, Edu Lobo, Carlos Lyra o Toquinho, que llegó a ser unos de sus grandes amigos. Muchos otros cantantes han grabado también alguna de las más de 400 canciones que escribió. Tras ser expulsado del cuerpo diplomático, dejó un poco de lado la poesía y pasó a convertirse en un showman de la música popular brasileña, llegando finalmente a realizar actuaciones en directo en pequeños teatros. El propio Vinicius cuenta que aquellos fueron seguramente los mejores años de su vida, en los que no faltaron las fiestas, las mujeres y el whisky. En una de estas actuaciones en la sala “La Fusa” de Buenos Aires junto a Toquinho, Maria Creuza y Maria Bethânia se grabó uno de los discos esenciales de la música brasileña. Para terminar, añadir que parece que finalmente debe descartarse la leyenda de que Vinicius y Jobim compusieran “Garota de Ipanema” sobre la servilleta de un bar mientras bebían cachaça. Como ellos mismos decían, eran gente seria y nunca se les ocurriría estar trabajando en un bar donde sólo iban a beber. Vinicius de Moraes murió en 1980 a los 67 años en compañía de Toquinho y de su novena mujer tras sufrir un derrame cerebral. Saravá!

TIKEN JAH FAKOLY: Plus rien ne m’etonne

2009-03-22T23:56:00.005+01:00

Tiken Jah Fakoly, cuyo verdadero nombre es Doumbia Moussa Fakoly, es un músico reggae de Costa de Marfil. Su importancia en su país y en buen parte de África es mucho mayor que la meramente musical. Su compromiso hace que sus canciones traten con frecuencia sobre el panafricanismo, rechazando el nacionalismo basado en las fronteras artificialmente creadas por los colonizadores europeos, o el laicismo ya que a pesar de ser musulmán le preocupa la división que crean en la sociedad las distintas religiones. También denuncia las injusticias sociales, la discriminación, la pobreza y la falta de democracia, arremete contra los organismos internacionales y manifiesta su rechazo ante esa práctica brutal que es la ablación.

Sus opiniones le han costado ser perseguido en su propio país, especialmente tras las críticas vertidas hacia el dictador Robert Guéï que llegó al poder tras un golpe de estado en 1999 que derribó a otro dictador Konan Bédié y que se había comprometido a limpiar el país de las mafias pero que también cayó en sus manos y que finalmente fue asesinado. Tras su muerte fue proclamado presidente el nacionalista Laurent Gbagbo con el apoyoyo de la población cristiana del sur del país. Su gobierno incrementó la discriminación hacia las regiones más pobres del norte y oeste de mayoría musulmana dando lugar a una olvidada guerra civil y en la práctica a la división del país. Tiken Jah Fakoly se libró en varias ocasiones de ser represaliado gracias a ser avisado por algunos militares amigos suyos amantes de su música, pero finalmente su casa fue incendiada y el comediante amigo suyo Camara H murió asesinado tras lo que decidió exiliarse en Malí.

Musicalmente su carrera internacional comenzó en 2000 con el disco “Cours d’Histoire”. Posteriormente ha publicado "Françafrique" en 2002, “Coup de Gueule” en 2004 y “L‘Africain” en 2007, siempre cultivando un reggae melódico con secciones de viento poderosas e incorporando instrumentos tradicionales como la kora o el balafon y que han obtenido un apreciable éxito en Europa, especialmente en Francia, logrando una legión de seguidores de su música y sus mensajes.

ELASTIC BAND: My right time

2009-03-16T01:32:00.003+01:00

No todo van a ser músicos consagrados en el blog, de vez en cuando también hay que dar una oportunidad a nuevos valores y más si como es el caso utilizan una mandolina eléctrica, lo que igual que ocurre con el banjo, la kora, el ukelele o la zampoña siempre va a ser una garantía para aparecer en este blog. Elastic Band publicó a finales de 2008 su primer disco “Boogie beach days” en una pequeña discográfica con la producción de Mike Pelanconi, productor de Lily Allen o Graham Coxon (ex Blur), que al parecer accedió a trabajar con ellos rebajando su tarifa habitual porque sonaban muy “cool". Además consiguieron que el diseño de la portada se lo hiciera Scott Barry, un exquisito ilustrador californiano. Todo ello, junto con la publicación del disco en vinilo proporciona la sensación de estar ante un producto delicadamente presentado.

A pesar de cantar en inglés el grupo está formado por dos músicos granadinos Pablo Román y David Díaz con sobrada experiencia en otros grupos y que han conseguido presentar un disco con canciones pegadizas en el que se combina la citada mandolina eléctrica con divertidos samplers, bajos y guitarras folk y la imponente voz de Pablo Román, que en directo añade a su personal interpretación de los temas un cierto descaro propio del glam.

LOS KJARKAS: Munasq’echay

2009-03-09T01:00:00.003+01:00

Este grupo boliviano nació en 1965 formado por los hermanos Wilson, Castel y Gonzalo Hermosa más Édgar Villarroel. Inicialmente se dedicaba a tocar música del folclore argentino, más popular en aquellos momentos que la propia música autóctona de Bolivia. Tras la salida de los integrantes iniciales Gonzalo relanzó el grupo con nuevos componentes, dedicándose cada vez con más intensidad a la música andina y forjándose y perfeccionado su interpretación y composición en innumerables conciertos por todo el país hasta que en 1975 se presentaron en La Paz y posteriormente comenzaron a tocar también por otros países de Latinoamérica, Estados Unidos, Europa y Japón. En este último país obtuvieron un éxito apreciable y hoy en día sigue siendo un destino para sus giras. A partir del disco “Cóndor Mallku” (1980) comienzan a alternar temas folclóricos con canciones románticas, para mi gusto personal en algunos casos excesivamente románticas.

En estos años han ido sucediéndose constantes cambios en la formación, destacando la incorporación de Ulises Hermosa, creador hasta su muerte en 1992 de algunos de los grandes éxitos del grupo, así como la de su hermano Elmer, voz principal del grupo en la actualidad. También fue importante la incorporación de Fernando Torrico y Edwin Castellanos, que más tarde abandonaron el grupo para formar el dúo Tupay y en 1997 la entrada del charanguista japonés Makoto Shishido, quien conoció el charango de niño y enamorado de su sonido se fue a vivir a Cochabamba siendo adolescente para aprender a tocarlo y llegar finalmente a ser aceptado en el grupo.

A finales de los años 80 del siglo XX, un grupo formado en Francia por músicos brasileños emigrantes en ese país llamado Kaoma consiguió fama mundial gracias al sensual baile de la lambada que acompañaron de una pegadiza canción, que era un evidente plagio de la canción “Llorando se fue” de Los Kjarkas compuesta por Ulises Hermosa con el ritmo tradicional de caporales. Finalmente, la justicia sentenció a Kaoma a indemnizar a Los Kjarkas con una suma de dinero que nunca se ha revelado pero que puede estimarse muy cuantiosa considerando el éxito que alcanzó el tema.

AYO: Life is real

2009-03-02T00:14:00.002+01:00

El nombre real de esta cantante y compositora afincada en Paris, nacida en Alemania de la unión de una madre rumana criada en una comunidad gitana y un padre nigeriano, es Joy Olasunmibo Ogunmakin. Utiliza como nombre artístico Ayo que en yoruba, una de las principales lenguas de Nigeria, significa “alegría”. Sus orígenes han marcado su tendencia a la diversidad y también su afición a la música ya que su padre que llegó a Alemania para estudiar, trabajó de DJ y disponía de una completa colección de vinilos.

Su vida ha estado marcada por algunas fuertes experiencias que ha debido vivir muy joven. Así, siendo muy pequeña regresó a Nigeria pero finalmente su padre se la tuvo que llevar de allí para evitar que tuviera que seguir las tradiciones de aquella cultura ya que temía perderla. Poco después su madre se enganchó a las drogas y su padre se vio obligado a hacerse cargo de ella y otros tres hermanos, aunque ella nunca perdió el contacto con su madre. Fue en esa época cuando comenzó a tocar el violín y el piano aunque finalmente ha sido la guitarra la que le ha acompañado hasta ahora en sus composiciones. Su carácter nómada le llevó a abandonar Alemania para vivir en Londres y actualmente vive entre París y Nueva York, ciudades en las que su origen multicultural no es extraño y donde encontró los músicos y el productor que buscaba para reflejar la música que llevaba dentro.

Finalmente en 2006 publicó su primer disco “Joyful” lleno de canciones agridulces pero exquisitas que fue grabado en tan sólo cinco días en condiciones de directo mientras estaba embarazada de su primer hijo. En 2008 ha publicado su segundo disco “Gravity at last” igualmente elegante y conmovedor.

SIGUR RÓS: Gobbledigook

2009-02-21T00:14:00.006+01:00

La primera vez que escuché a este grupo estuve a punto de demandar a mis profesores de islandés porque no entendía nada de lo que decían, luego me enteré de que en muchas de sus canciones utilizan una jerga inventada denominada “Vonlenska” (o “Hopelandic” en inglés), de “Von” esperanza e “islenska” islandés, y que viene a ser una sucesión de sílabas sin sentido cuya función principal es ajustarse a la música, pasando la voz a ser utilizada como un instrumento más. Según el propio grupo, de esta forma el oyente se ve obligado a interpretar su propio significado.

El grupo nació en 1994, adoptando el nombre de la hermana recién nacida de su cantante y líder Jón Þor Birgisson. En 1997 publicaron su primer disco “Von” y en 1998 otro de remezclas “Von brigði” con una discográfica local. El reconocimiento mundial les llegó con su siguiente disco “Ágætis byrjum” (1999) y, sobre todo, con el lanzamiento de () en 2002. En este disco, completamente cantado en “Vonlenska” todas las canciones aparecen sin título y aunque en el sitio web del grupo aparecen sus nombres, no son realmente los nombres de las canciones sino la forma en las que el grupo se refiere a ellas. En 2005 editaron “Takk” y en 2008, publicaron su último álbum hasta el momento con el original título de "Með suð í eyrum við spilum endalaust", que viene a ser algo así como "Con un zumbido en los oídos tocamos eternamente".

Puede parecer extraño que un país alejado y con tan sólo 300.000 habitantes como Islandia tenga algunas de las propuestas musicales más innovadoras de los últimos años como Sigur Rós o Björk, aunque también es cierto que es uno de los más desarrollados y ricos del mundo por su PIB per capita, o al menos lo era hasta el estallido de la actual crisis económica que ha golpeado drásticamente a este país.

EAGLE EYE CHERRY: Are you still having fun?

2009-02-14T01:02:00.003+01:00

Aunque parezca raro, Eagle Eye no es el nombre artístico de este artista sueco-americano ni tiene antecedentes navajos o sioux. En realidad, su original nombre se lo debe a su padre, el trompetista de jazz Don Cherry, dado que la primera vez que le vio lo hizo con un solo ojo abierto. Es hermanastro de la cantante pop sueca Titiyo y de Neneh Cherry, que triunfó mundialmente en 1994 con la canción “7 seconds” cantada a dúo con Youssou N’Dour. Eagle Eye nació en Estocolmo y vivió en Suecia hasta que empezó a acompañar a su padre en sus giras y finalmente se instaló en Nueva York para ir a la escuela, y donde más tarde empezó a tocar en varias bandas y debutó como actor.

Tras la muerte de su padre regresó a Suecia y dos años después, en 1997, publicó su primer disco “Desireless” que alcanzó un gran éxito en Europa lo que atrajo a Sony a editarlo también en Estados Unidos. Finalmente vendió más de 4 millones de copias en todo el mundo y le empujo a una gira de conciertos que se prolongó durante más de dos años. Además, el éxito hizo que fuera invitado por Carlos Santana a participar en su álbum “Supernatural” y que su música fuera incluida en la bada sonora de varias películas.

Después de estos comienzos arrolladores, Eagle Eye publicó su segundo disco “Living in the present future” en 2000 y el tercero “Sub Rosa” en 2003. Estos dos discos siguen siendo tremendamente personales pero también más maduros, complejos y diversos musicalmente que el primero aunque han tenido una menor repercusión. Actualmente está grabando su cuarto disco en estudio y se espera que esté publicado este mismo año.

BASSEKOU KOUYATÉ: N'goni fô warra

2009-02-07T18:21:00.003+01:00

Bassekou Kouyaté es un músico de Malí virtuoso del n’goni. Este instrumento, mezcla de laud y arpa y precursor del banjo, está fabricado a partir de una calabaza recubierta de piel de cabra unida a un mástil al que se sujetan entre tres y siete cuerdas de cuero de antílope, hilo de pescar, que es lo más habitual, o incluso alambre. Es muy popular en la República de Malí y Burkina Fasso, donde ha sido utilizado tradicionalmente por los griots para el canto de sus historias. Al ser más económico de fabricar y más fácil de tocar por tener menos cuerdas, es considerado en África Occidental como una kora popular. En los últimos tiempos se ha popularizado tanto en Malí que ha llegado a convertirse en un símbolo nacional y un reclamo turístico.

Bassekou Kouyaté es uno de los representantes de la nueva generación que está desarrollando las posibilidades técnicas del n’goni. Procede de una aldea en las orillas del río Níger cerca de la región de Segu, la cuna de la cultura bambara, donde su madre es cantante y su padre y hermanos, como él, músicos de n´goni. A los 19 años se trasladó a Bamako donde conoció a Toumani Diabaté con el que ha participado en la grabación de varios discos. También ha colaborado con el balafonista Kélétigui Diabaté o Youssou N’Dour y artistas occidentales como Taj Mahal, Carlos Santana o U2. Finalmente creó su grupo N’goni Ba, el primer cuarteto de laúdes n’goni de la historia, y en 2007 grabó su primer disco “Segu blue” producido por la locutora de la BBC3 Lucy Duran en Malí y mezclado en Londres, en el que recoge un repertorio propio de esta región y que obtuvo el premio al mejor disco del año 2008 de World Music de BBC Radio 3. Tal como dice Taj Mahal, Bassekou Kouyaté es un genio y la prueba viviente de que el blues nació en la región de Segu.

MANEL: En la que el Bernat se´t troba

2009-02-02T00:18:00.003+01:00

A estas alturas de siglo XXI en España todavía es prácticamente imposible que triunfe globalmente un grupo que cante exclusivamente en catalán. Sin embargo, como en el resto del mundo, es de lo más frecuente que listas y radio fórmulas estén copadas por canciones en inglés. Esperemos que esto pueda cambiar algún día y un artista pueda triunfar por su calidad independientemente del idioma que utilice y podamos conocer éxitos cantados en catalán, euskera, quechua, wolof o bambara.

Manel es un grupo formado por cuatro músicos barceloneses que realizan un pop-folk cercano y simpático acompañado de ukelele, bases electrónicas y hasta una sección de viento mezclados con unas ricas e imaginativas letras. Se dieron a conocer en 2007 gracias al programa Sona9 de la televisión catalana TV3 en el que se da la oportunidad a nuevos artistas de su ámbito de influencia. Ya en 2008 obtuvieron el premio Nuevas conexiones musicales tras su participación en la IX edición de la Feria de música en la calle de Vila-Seca y en octubre publicaron su primer y francamente prometedor primer disco “Els millors professors europeus”. Desde entonces tienen una completísima agenda de conciertos por todos los territorios de habla catalana, de momento.

DOBACARACOL: Étrange

2009-01-25T18:00:00.005+01:00

A pesar de que puedan parecer hermanas y haber vivido siempre juntas, la realidad es que las percusionistas Doriane Fabreg (Doba) y Carole Facal (Caracol) se encontraron de forma casual en un concierto en 1998. Después de ese encuentro formaron este grupo quebequense (o québécois, que es una palabra que siempre me ha encantado) al que años más tarde unieron a otros cuatro músicos. En un primer momento, Doriane y Carole compaginaron su labor en el grupo con su trabajo acompañando artistas como Junior Marvin, Chango Family o Fodé Kouyaté por todo el mundo. En 2001 el grupo publicó de forma independiente su primer disco “Le calme-son” con el que se presentaron en numerosos festivales del área francófona y que les permitió actuar como teloneros de Alpha Blondy o La rue Kétanou.

Su música personal y llena de sensibilidad reúne elementos modernos y del reggae con acentos inspirados en África o Ámerica del Sur, todo ello con el añadido de sus voces armonizadas de forma magistral.

En 2004 publicaron su segundo album “Soley” ya con la discográfica Les disques Indica, que consiguió un importante respaldo popular apoyado en el inesperado éxito del video rodado en Mexico de la canción “Étrange” y que fue objeto de muy buenas críticas obteniendo varios premios en Quebec que permitieron al grupo lanzar el álbum fuera de las fronteras de Canada, inicialmente en Japón y Oceanía y más tarde en casi toda Europa. Finalmente en noviembre de 2007, casi 3 años después de su inicio, finalizó la gira de presentación del disco tras haber ofrecido más de 400 conciertos en 15 países. Desde entonces el grupo se encuentra retirado por un periodo indeterminado y cada una de sus fundadoras concreta sus proyectos de forma independiente, Doriane se ha establecido en Francia donde está creando muy bellas canciones y Carole ha editado un disco en solitario "L'arbre aux parfum” con el nombre de Caracol.

NNEKA: Heartbeat

2009-01-19T17:48:00.003+01:00

Nneka nació en 1981 en Nigeria, donde comenzó a cantar en la escuela y en el coro de la su iglesia, y con 19 años se trasladó a Alemania para estudiar música y antropología. Supongo que a estas alturas ya debe tener bastante abandonada la antropología porque su carrera musical promete muchos éxitos. En su música pueden encontrarse referencias tanto a su origen africano como a la música occidental más actual, incluyendo el rock indie, el trip hop, el dub, el soul o el reggae.

En 2006 publicó su primer disco “Victim of truth” con el que se dio a conocer y sorprendió a la crítica que lo comparó con el celebrado disco de debut de Lauryn Hill en solitario “The miseducation of Lauryn Hill”, que en los Grammy de 1998 recibió 11 nominaciones, ganando 5 premios, entre ellos el de mejor álbum del año. En 2008, Nneka ha editado su segundo disco “No longer at ease” en el que ahonda en la fusión de elementos occidentales y africanos adornados con el inconfundible sello de su voz.

Aprovecho para hacer público mi desprecio más absoluto hacia esa paraciencia denominada informática. Mi portátil ha decidido dejar de funcionar sin causa aparente, sin preaviso y sin que a pesar de mis múltiples intentos haya sido capaz de encontrar una solución. En fin, un desastre que me ha obligado a actualizar el blog desde el trabajo pero, bueno, aquí estoy.

NICK DRAKE: Place to be

2009-01-11T11:12:00.001+01:00

Este cantautor inglés murió en 1974 a los 26 años. En su corta vida publicó tres álbumes que vendieron en total no más de 10.000 ejemplares. Sin embargo, años después de su muerte su música comenzó a ser apreciada por críticos y otros músicos y, finalmente, gracias a la utilización de su música en cine y televisión ha sido reconocido por el gran público. Con 20 años y a punto de terminar la carrera de literatura inglesa abandonó sus estudios para dedicarse a la música y se trasladó a Londres donde vivió entre el piso de su hermana y durmiendo en sofás o en el suelo de casas de amigos. Firmó un contrato con la compañía Island y en 1969 editó su primer álbum “Five leaves left”. Un año después se publicó “Bryter later”. En 1972 tras completar su tercer disco “Pink moon”, que tampoco consiguió triunfar comercialmente, dejó de tocar y se volvió a vivir a casa de sus padres.

Durante toda su vida, Drake sufrió depresión e insomnio, lo que se refleja en sus letras y sombrías melodías. Esta enfermedad y su timidez hacían difícil la promoción de sus discos, ya que se negaba a ser entrevistado y en sus escasas actuaciones aparecía sentado mirando al suelo y sin dirigirse al público en ningún momento. El fracaso comercial de sus discos acentuó su enfermedad, su aislamiento y seguramente fue una de las causas que le empujó a consumir drogas de forma compulsiva. Los últimos años de su vida los vivió sumido en una honda depresión, llegando a ser hospitalizado. Murió por una sobredosis de antidepresivos que tomaba para poder dormir, sin que se haya podido determinar si su muerte fue un accidente o un suicidio.

Aunque no consiguió ningún recibimiento en vida, tras su muerte comenzó a ser considerado un artista de culto y su obra ha influido en artistas como Robert Smith de The Cure, Peter Buck de REM, Kate Bush o Paul Weller. En 1997 apareció la primera biografía sobre su vida y en el año 2000 Volkswagen usó la canción “Pink moon” en un anuncio en televisión. No sé si sirvió para vender más coches pero lo que es seguro es que hizo que mucha gente descubriera a este músico, multiplicando las ventas de sus discos más de 25 años después de su muerte.

JOÃO GILBERTO: Corcovado

2009-01-04T21:25:00.005+01:00

Es posible que la bossa nova no hubiera podido surgir sin las composiciones de Tom Jobim o la poesía de Vinicius de Moraes pero de lo que estoy absolutamente seguro es de que de ninguna manera hubiera sido posible sin la novedosa y peculiar forma de cantar y tocar la guitarra que introdujo João Gilberto. En 1958 se editó su primer disco “Chega de saudade” que incluía la canción que daba título al álbum, que se convirtió en un gran éxito en Brasil y es considerada el inicio de este movimiento musical. En 1962 marcó otro hito con la grabación del disco Getz/Gilberto, que contó con la colaboración del saxo tenor Stan Getz, el piano de Tom Jobim y la voz de Astrud, que en aquel momento era la mujer de João. Esta grabación prácticamente perfecta, que consiguió cuatro Grammys, sigue siendo uno de los discos catalogados como jazz más vendidos de la historia, incluye grandísimas canciones como “Garota de Ipanema”, “Desafinado” o “Corcovado” e hizo de la bossa nova un estilo de moda en Estados Unidos y en todo el mundo y llevó a la fama a todos sus participantes.

Frente a la fama de juerguistas y bebedores, seguramente bien ganada, de Tom Jobim y Vinicius de Moraes, João Gilberto siempre ha sido considerado un tanto especial y excéntrico, fama que le ha acompañado toda su vida. Así, durante los años previos a alcanzar el éxito siempre rechazó hacer trabajos comerciales como "jingles" para la radio o tocar en bares donde la gente hablara o hiciera ruido y, por supuesto, nunca se le pasó por la imaginación buscar un trabajo no relacionado con la música así que se vio obligado a alojarse largas temporadas en casas de amigos, según se dice sin sentirse obligado a colaborar con los gastos. Además, para “facilitarles” la convivencia tenía la costumbre de dormir durante el día y dedicar toda la noche a tocar la guitarra.

Una vez alcanzada la fama, no mejoraron las cosas ya que su obsesión enfermiza por la perfección le llevaba a trabajar durante meses en la misma canción o a pasar días enteros en el estudio para grabar un tema del que nunca quedaba satisfecho. Además, en más de una ocasión abandonó un concierto o ni siquiera llegó a comenzar si consideraba que no había las condiciones adecuadas para que el sonido fuera lo bueno que él deseaba, con el consiguiente enfado del público. Desde hace años vive prácticamente enclaustrado en su apartamento de Rio y nunca ha concedido entrevistas. En fin, un genio del que en 2008, a sus 77 años, algunos privilegiados todavía pudieron disfrutar en directo en São Paulo, Rio de Janeiro, Salvador de Bahia, Tokio o Nueva York donde realizó conciertos para conmemorar el 50 aniversario de la bossa nova.

ORCHESTRA BAOBAB: Ndéleng Ndéleng

2008-12-29T01:32:00.004+01:00

La Orchestra Baobab nació en 1970 como banda residente de un club de elite en Dakar. Baro N'Diaye, saxofonista y su primer director, se encargó junto al bajista Sidathe Ly de escoger a los demás miembros entre músicos de distintas etnias y culturas. En aquellos años la capital de Senegal comenzaba a convertirse en una de las ciudades musicalmente más dinámicas e interesantes del planeta, repleta de músicos fusionando ritmos autóctonos con músicas e instrumentos occidentales. La música latina, especialmente cubana, estaba de moda en Dakar desde los años 50 del siglo XX gracias a los marineros que traían esas músicas de sus viajes. Posteriormente el régimen de Fidel Castro colaboró en la independencia de Guinea, Malí y Senegal, incrementándose esta relación. La Orchestra Baobab supo mezclar con acierto ritmos afro-cubanos y melodías portuguesas con la rumba congoleña y otros ritmos del África Occidental, logrando un gran éxito en todo el continente.

Este éxito duró hasta que su música pausada y cadenciosa fue arrasada por el huracán que supuso la llegada del mbalax de Youssou N’Dour. En un intento de ponerse al día la banda introdujo tambores sabar en su formación pero los cambios no resultaron y la banda acabó disolviéndose en 1987.

Según la tradición senegalesa cuando uno toma el nombre de algo acaba pareciéndose y así la Orchestra Baobab ha debido reunir algunas de las características del mítico árbol que le da nombre porque además de la longevidad ha revivido justo cuando su popularidad en Senegal se encontraba en su punto más bajo. Esta resurrección ha sido debida principalmente al inteligente productor Nick Gold y su sello World Circuit que reeditó en 1989 el disco “Pirate’s Choice”, inicialmente lanzado en 1982, y consiguió después de 15 años de silencio encontrar y convencer a todos los componente vivos de la Orchestra para reunirse y grabar en 2002 el disco “Specialist in all styles”. El éxito de estos discos llevó al grupo a volver a tocar en un club de moda de Dakar, a realizar conciertos en todo el mundo y a grabar en 2007 el disco “Made in Dakar” con nuevas y viejas canciones y que consiguió nuevamente un gran éxito en América y Europa. Estos nuevos discos han contado con la colaboración de Youssou N'Dour en un gesto entrañable ya que la irrupción de este genial músico había sido la causa indirecta del cambio en los gustos musicales que causó la disolución de la Orchestra Baobab.

THE SPECIALS: A message to you Rudy

2008-12-21T02:15:00.007+01:00

En los años posteriores a la proclamación de la independencia de Jamaica en 1962 se produjo la emigración de muchos jóvenes hacia Gran Bretaña buscando empleo como obreros. Allí eran conocidos como rudeboys, tal como eran denominados en Jamaica los integrantes de las bandas surgidas en los zonas marginales de Kingston que tenían el ska como estilo propio. Al llegar a Europa esta música autóctona jamaicana se mezcló con el punk, que en aquellos momentos nacía en Gran Bretaña, para dar lugar a una variante del ska conocida como “2 tone” caracterizada por un sonido más rápido y enérgico que el original pero manteniendo su estilo alegre y bailable. Muchas de las canciones de la época fueron versiones nuevas de canciones clásicas del ska jamaicano.

Además de las características estrictamente musicales, este movimiento fue también importante política y socialmente ya que se caracterizó por su postura radicalmente antirracista, representada por la integración racial del público y de las propias bandas, en un momento en que se estaba produciendo el auge de la extrema derecha representada por el National Front.

The Specials nació en 1977 en Coventry con el nombre de Aka Specials, con el que editaron la canción “Gansters” que fue su primer éxito. Posteriormente el grupo pasó a denominarse The Specials al firmar con el sello Chrysalis y finalmente se separaron en 1981. Desde entonces se han reunido en ocasiones casi todos sus miembros fundadores e incluso se anuncia una gira para 2009. The Specials fueron los indiscutibles creadores y líderes del movimiento “2 tone” e incluso su teclista Jerry Dammers fundó el sello “Two tone” para divulgar las principales grabaciones de este estilo. Dammers fue uno de los miembros del grupo más activos políticamente contra el apartheid y fue unos de los organizadores del concierto en pro del aniversario de Nelson Mandela que se celebró en Londres en 1988, cuando todavía existía la segregación racial en Sudáfrica y Mandela se encontraba en prisión.

ILLAPU: Condorcanqui

2008-12-13T19:48:00.003+01:00

Según la tradición familiar, José Gabriel Condorcanqui Noguera era descendiente de Tupac Amaru, el último inca ejecutado en Cusco en 1572. Fue cacique de Surimana, Tungasuca y Pampamarca durante el virreinato colonial de Perú, recibió por herencia de su familia propiedades y otras actividades económicas que le hicieron poseedor de una buena posición económica. Se trasladó con su familia a Cusco pero no fue aceptado por la alta sociedad de la ciudad formada por españoles y criollos a causa de sus rasgos indígenas. Sufrió la presión de las autoridades coloniales españolas para arrebatarle el monopolio del transporte de minerales por el Alto Perú, la obligación del trabajo obligado para todos los indígenas en las minas a favor de la Corona española y la expropiación de algunas de sus tierras. Ante estos excesos, Condorcanqui presentó una petición formal ante la Real Audiencia de Lima para que los indígenas fueran liberados del trabajo obligatorio que fue rechazada.

Finalmente, en 1780 estalló la rebelión indígena encabezada por el propio Condorcanqui, que ya había adoptado el nombre de Tupac Amaru II, y que en principio se limitaba a exigir cambios en la organización administrativa del Virreinato para frenar los abusos de los corregidores pero reconociendo la autoridad de la Corona española. Tras unos iniciales triunfos militares, Condorcanqui retiró las tropas rebeldes en espera de que los españoles accedieran a una solución negociada al conflicto. Por el contrario, los españoles se reorganizaron y reforzaron y acabaron derrotando a los rebeldes. Capturado Condorcanqui, fue obligado a presenciar la ejecución de sus aliados, sus amigos, su esposa y sus cuatro hijos. Luego le cortaron la lengua, se le intentó descuartizar vivo atando cada una de sus extremidades a sendos caballos, de manera infructuosa, por lo que finalmente se optó por decapitarlo y posteriormente despedazarlo. La derrota de Condorcanqui y la posterior represión a que dio lugar marcó el inicio de la emancipación del Perú y de la figura de Condorcanqui como precursor de la independencia.

Illapu, que en quechua significa “relámpago”, es un grupo chileno de folklore andino fundado en 1971 en Antofagasta. En sus primeros discos el grupo se caracterizaba por el rescate de instrumentos, melodías y líricas relacionadas con la cultura andina, como es el caso de la canción dedicada a Condorcanqui. El golpe de Estado de Augusto Pinochet les pilló de gira fuera de Chile y mediante un decreto se les impidió regresar acusándoles de activistas marxistas y de participar en la campaña de desprestigio de Chile en el exterior. El exilio duró 15 años hasta que regresaron en 1988 a tiempo para participar en la campaña a favor del No en el plebiscito convocado por la dictadura militar para perpetuar a Augusto Pinochet en el poder. El grupo continúa actualmente en activo aunque a causa de su larga trayectoria, de los problemas derivados de vivir en el exilio e incluso de algunos problemas personales, han pasado hasta 22 componentes por el grupo.

TINARIWEN: Chet Boghassa

2008-12-06T01:21:00.007+01:00

Los tuareg emigraron al Sáhara desde Libia y Argelia durante la conquista árabe. La dureza del desierto les obligó a adoptar el carácter nómada que finalmente les ha caracterizado pero también les proporcionó otras formas de vida gracias al control que ejercían sobre las rutas comerciales que conectaban el Atlántico con el Mediterráneo o la explotación con esclavos negros de las abundantes minas de sal de la zona. Tras la colonización europea de África en el siglo XIX y la creación de fronteras artificiales que separaron su territorio natural en diversas naciones, los tuareg han sostenido luchas desesperadas para mantener su independencia de un poder que ellos nunca han reconocido, produciéndose diversas revueltas contra las autoridades nacidas tras la independencia de estos países que fueron brutalmente reprimidas por los respectivos gobiernos, especialmente en Malí.

En 1981, el coronel Gaddafi hizo una llamada a los rebeldes tuareg para que acudieran a los campos de entrenamiento que Libia puso a su disposición bajo la preparación de guerrilleros de la OLP y la CNA de Sudáfrica para formar el cuerpo de oficiales de la revolución tuareg. Los futuros Tinariwen formaron parte del primer grupo reclutado y además de la preparación militar tuvieron acceso por primera vez a músicas e instrumentos occidentales, guitarras y bajos eléctricos, que pasaron a constituir nuevos elementos en la música tradicional de su pueblo. Como grupo musical, Tinariwen nació en 1982, sus canciones grabadas en cassettes se divulgaron por todo el Sahara de mano o en mano o copiadas mil veces convirtiéndose en héroes revolucionarios y en el único medio de comunicación en un mundo sin periódicos, radio o televisión, prohibiéndose su música en Malí, Argelia y Níger.

En Malí, tras la caída del dictador Moussa Traoré se nombró un Consejo Nacional de Reconciliación, se invitó a participar a los tuareg en el nuevo gobierno, y finalmente, en 1996, se firmó el Pacto Nacional de Bamako que reconoció un estatuto especial para las regiones del norte de mayoría tuareg. Este acuerdo se materializó en la Hoguera por la Paz de Timbuktú, donde las guerrillas quemaron sus armas. Tinariwen continúa con su revolución exclusivamente musical en un festival anual que se celebra en las cercanías de Timbuktú, en pleno desierto, cada primera luna llena de enero desde el año 2001 a través del cual se han dado a conocer en todo el mundo. Desde entonces han editado varios CD con creciente éxito especialmente el hipnótico “Aman iman” (El agua es vida), grabado en Bamako con el productor inglés Justin Adams, en el que unen las músicas tradicionales de su pueblo tocadas con guitarras eléctricas, al legendario estilo de Ali Farka Touré.

GENTLEMAN: Intoxication

2008-11-29T00:27:00.004+01:00

A pesar de que su verdadero nombre es Otto Tilmann, que es blanco y que nació en Alemania, Gentleman está considerado actualmente como uno de los más importantes y renovadores músicos de reggae, siendo reconocido incluso en Jamaica, donde graba regularmente con las grandes figuras de la isla y participa en los principales festivales que allí se celebran. Desde que tenía 16 años Gentleman ha viajado regularmente a Jamaica siguiendo el origen de la música reggae que descubrió escuchando los discos de su hermano, hasta llegar a ser un profundo conocedor de esta música. Esta relación profesional junto con los lazos personales que ha creado al haber formado una familia con una corista jamaicana del grupo Fast East Band, que le acompañó durante su primera gira por Alemania en el 2002, hacen que considere con toda naturalidad a Jamaica como su segundo hogar.

Después de realizar algunas colaboraciones como productor y DJ, comenzó su carrera en el reggae en 1999 con la publicación de su primer y aclamado trabajo “Trodin on”. En 2002 editó su segundo disco “Journey to Jah” con la participación de alguno de los músicos y productores jamaicanos más importantes del momento y en el que hacía un tributo a las últimas tendencias en reggae, la vuelta al roots reggae. Su siguiente disco de estudio “Confidence”, publicado en 2004, llegó a encabezar las listas de éxitos en Alemania y Austria. En 2007 ha editado su último disco hasta la fecha “Another intensity”, en el que se reafirma como uno de los músicos de reggae más interesantes, incorporando nuevamente diversas colaboraciones entre las que destacan los músicos jamaicanos Sizzla, Jack Radics y Daddy Rings, y donde su personal sonido melódico y melancólico vuelve a acercarse al hip-hop como en los inicios de su carrera.

BOB MARLEY: Redemption song

2008-11-22T00:02:00.005+01:00

El Príncipe (Ras) Tafari Makonnen, descendiente del Rey David según la tradición etiope, fue proclamado emperador de Etiopía en 1930 adoptando el nombre de Haile Selassie I. Los seguidores del movimiento rastafari, originado en Jamaica en la década de los años 30 del siglo XX, consideraron que con esta proclamación se cumplió la profecía bíblica divulgada por el luchador por las libertades de la comunidad negra Marcus Garvey, para el que la coronación del Emperador anunciaba la liberación de esta comunidad y consideraba a Haile Selassie I como la tercera reencarnación del propio Dios (Jah) tras Melquisedec y Jesucristo, aunque el propio Haile Selassie I que era cristiano devoto negaba esta divinidad.

El movimiento rastafari se basa en la creencia en la divinidad de Haile Selassie I, el deseo de los descendientes de esclavos deportados de volver a África, donde para ellos se encuentra la tierra prometida, y en las aspiraciones de libertad de la población negra. Los seguidores de este movimiento predican el amor al prójimo, a la vida y a la creación y declaran que las enseñanzas de la Biblia son el camino a la liberación espiritual para la gente del cualquier marco cultural o étnico. El uso de la trenzas rastas se apoya en un texto bíblico que dice que los hombres no mostrarán calvicie sobre sus cabezas ni se afeitaran el extremo de sus barbas, por lo que se usan como símbolo de unidad con Jah. De igual forma, también piensan que fumar cannabis es una ayuda a la meditación y al acceso a la verdadera sabiduría que es otorgada por Jah, por lo que no debe hacerse para conseguir placer superficial. Sin embargo, la música reggae no forma parte del orden ceremonial rastafari.

Este movimiento tuvo su auge a partir de los años 70 gracias al éxito mundial de la música reggae y de uno de sus creyentes más conocidos, Bob Marley, aunque muchos rastafaris ortodoxos rechazaron el reggae como una forma de música comercial y vendida a "Babilonia". El éxito de Bob Marley, apoyado en añadir instrumentos de madera y ralentizar el ritmo del reggae que se hacía hasta entonces, no fue inmediato, pero en su corta vida llegó a alcanzar una enorme fama, realizó multitudinarios conciertos en América, África y Europa y llegó a recibir la Medalla de la Paz de las Naciones Unidas. Como el mismo decía, fue la primera super estrella del Tercer Mundo. Murió en 1981 a los 36 años, poco después de haber recibido la Orden del Mérito de Jamaica en reconocimiento a su inestimable contribución a la cultura del país. Tras su muerte recibió un funeral oficial del pueblo de Jamaica y desde entonces su casa y mausoleo se han convertido en las principales atracciones turísticas de Jamaica.

ASA: Jailer

2008-11-15T00:59:00.006+01:00

Los padres de Asa, que es su apodo y que en yoruba significa “halcón”, emigraron a París donde su padre trabajó en la embajada de Nigeria y allí nació Asa y pasó los dos primeros años de su vida. Pero la vida fue dura en Francia para su familia y finalmente decidieron regresar a Lagos. En esta ciudad desmesurada y caótica, pero también enérgica y llena de oportunidades, vivió escuchando a grandes maestros americanos del soul y clásicos de la música africana y comenzó a cantar y a improvisar melodías como una forma de escapar a una estancia complicada, ya que nunca acabó de sentirse integrada en Nigeria, tuvo que padecer épocas de huelgas en la Universidad, el rechazo en coros y acabó convirtiéndose en una adolescente tímida y solitaria.

A los 18 años, tras darse a conocer en un programa de radio para encontrar talentos y después de aprender a tocar la guitarra en una escuela de música obtuvo sus primeros aplausos y recibió las primeras propuestas de giras y contratos. Consiguió no ceder a las primeras ofertas y así poder desarrollar la música que sentía, musicalmente situada entre el pop y el soul, con gran relevancia de las melodías y con letras cantadas en inglés y yoruba que reflejan la rutina de la vida en Nigeria. Mientras, remitía maquetas a compañías discográficas francesas. En 2004 conoció a su manager, que le presentó a Cobhams Emmanuel Asuquo, que acabó convirtiéndose en su compañero musical.

20 años después de su partida volvió a París, en esta ocasión como una incipiente artista que finalmente consiguió editar un fantástico disco con su propio nombre. Mientras tocaba en Francia con Manu Dibango, Doctor L o Tony Allen, en Nigeria sus primeros sencillos “Eyé Adaba” y luego “Jailer” empezaron a hacerse populares, MTV la escogió como embajadora de Sudáfrica, comenzó a aumentar su popularidad y al regresar a Nigeria se convirtió en telonera de Beyoncé y Snoop Dogg, entre otros.

JOSÉ GONZÁLEZ: Heartbeats

2008-11-09T02:15:00.005+01:00

El músico preferido de este cantautor sueco es Silvio Rodriguez y es que, gracias a sus padres argentinos exiliados a causa de la dictadura militar, en su casa de Goteborg siempre estuvo presente la música latinoamericana. A pesar de ello, José González inició su carrera musical tocando el bajo en una banda punk, además de flirtear también con el hardcore y el rock independiente. Sin embargo, después de estos giros regresó a la guitarra clásica con la que había empezado a tocar éxitos de bossa nova y música de The Beatles y tras unas lecciones de flamenco acabó de perfilar su personal estilo minimalista y emotivo.

En 2003 publicó su primer disco “Verneer” con el que obtuvo un gran éxito y en el que se incluía una estupenda y personal versión del tema “Heartbeats” del grupo sueco The Knife, con la que alcanzó un reconocimiento mundial al ser utilizada por Sony en su recordado anuncio del televisor Bravia en el que 250.000 bolitas de colores caían por las empinadas calles de San Francisco. En 2007 editó su segundo album “In our nature” inspirado en la condición humana, con el que también ha logrado reconocimiento y que nuevamente recogía una inspirada versión, en este caso de la canción “Teardrop” de Massive Attack. En sus conciertos interpreta otras versiones de temas de artistas tan dispares como Kylie Minogue o Joy Division.

TOM JOBIM: Wave

2008-11-01T00:22:00.005+01:00

Se considera que la bossa nova nació en 1958, cuando João Gilberto grabó “Chega de saudade” (algo así como “Basta de nostalgia”). Esta canción con letra de Vinicius de Moraes y música de Tom Jobim ya había sido cantada por Elizete Cardoso sin demasiada repercusión pero la versión de João Gilberto fue un éxito inmediato en Brasil y se la reconoce como la primera canción de bossa nova. Incluso en el año 2000 fue incluida en el Grammy Hall of Fame. Así pues, este año se celebran 50 años de bossa nova y, aunque por poco se me pasa el acontecimiento, creo que todavía estoy a tiempo de remediarlo trayendo a uno de sus máximos exponentes, Tom Jobim.

La bossa nova nació bajo el impulso de un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Rio de Janeiro, entre los que se encontraba Tom Jobim, que en esos momentos tocaba el piano en night clubs tras haber cambiado ya su deseo de ser arquitecto por la música, y se popularizó en todo el mundo gracias a la colaboración con músicos de jazz estadounidenses como Stan Getz o Charlie Byrd en la década de lo sesenta. Ante el éxito en Estados Unidos, Jobim estuvo durante años viviendo a caballo entre Los Ángeles y Rio de Janeiro. En Estados Unidos grabó algunos de sus mejores trabajos como “Wave”, “Tide” y “Stone Flower”. Años más tarde, intentó introducir en su música sonidos más tradicionales de Brasil y una inquietud creciente por la naturaleza y la ecología publicando discos como “Matita Pere”, “Urubu” y “Terra Brasilis”. Tras finalizar el auge de la bossa nova en Estados Unidos, Jobim regresó definitivamente a Brasil donde formó un grupo denominado “Nova Banda”, con la que grabó discos como “Passarim”, “Inedito” y “Antonio Brasileiro”.

El 8 de diciembre de 1994 falleció en el Hospital Monte Sinaí, en Nueva York a causa de un infarto. El traslado de su cuerpo en avión hasta el aeropuerto de Rio que ahora lleva su nombre, el velatorio en el Jardín Botánico por el que paseaba a diario durante los últimos años de su vida y su entierro fueron actos multitudinarios y una muestra de respeto hacia el músico que hizo mundialmente famosa la música popular brasileña. Desde 2006 en el Jardín Botánico de Rio funciona el Centro Tom Jobim de Cultura y Medio Ambiente, que mantiene vivo el profundo interés de Tom Jobim por la naturaleza.

TOUMANI DIABATÉ: Cantelowes

2008-10-26T20:43:00.006+01:00

La kora es un instrumento único. Originario de África Occidental, se construye a partir de una calabaza de gran tamaño cortada por la mitad y cubierta de cuero de vaca a la que se agrega un puente con muescas como un laúd o una guitarra y 21 cuerdas, de las cuales 11 se tocan con la mano izquierda y 10 con la derecha. Tradicionalmente, las cuerdas se hacían de finas tiras de cuero, ahora están hechas con cuerdas de arpa o hilo de pescar. Actualmente, también pueden encontrarse koras modernas a las que se les agrega hasta cuatro cuerdas de bajo. Su sonido recuerda al del arpa, aunque cuando se toca de forma tradicional se asemeja más al estilo de las guitarras flamencas. Los músicos de kora han provenido históricamente de familias de griots que pasan su arte a sus descendientes y son los encargados de transmitir las tradiciones orales.

Toumani Diabaté procede de una antigua familia de de griots y ya su padre, Sidiki Diabaté, grabó en 1970 el primer disco de kora de la historia. Toumani hizo su primera actuación en público a los trece años. En 1987, con 21 años, publicó su album “Kaira”, que recibió elogios de la crítica musical y le permitió recorrer Europa con notable éxito. Ha editado tanto discos de música tradicional como nuevas composiciones propias y colaboraciones con músicos de otros estilos. Entre estas colaboraciones destacan los discos que ha publicado con Ketama, Taj Mahal, el trombonista de jazz Roswell Rud o su participación en el disco “Volta” de Björk.

En 2003 recibió el “Tamani d’Or” como premio al mejor instrumentista de kora del mundo y el año siguiente obtuvo el premio de la UNESCO “Sirva des Virtuoses”. Su disco “In the heart of the moon” junto con Ali Farka Touré obtuvo el Grammy al Mejor álbum tradicional de World music en 2005. Pero Toumani Diabaté no es simplemente un virtuoso de la kora sino que también desempeña un papel muy importante en Mali como profesor, compositor y transmisor de la tradición musical de su país. Con una pierna paralizada desde niño, ha tenido que recorrer un difícil camino para llegar al lugar que hoy día ocupa y actualmente dedica gran parte de su tiempo a ayudar a las personas con discapacidades físicas en Bamako.

BENJAMIN BIOLAY: Dans la Merco Benz

2008-10-18T19:25:00.006+02:00

El talentoso Benjamin Biolay es considerado el mejor representante actual de la gran tradición de la canción de autor francesa y, por tanto, el sucesor de grandes nombres como George Brassens, Jacque Brel, Léo Ferré, Boris Vian y, sobre todo, Serge Gaisnsbourg, al que su voz sugerente y susurrante recuerda. Biolay vivió en un ambiente musical desde su infancia y formó su primer grupo pop muy joven mientras estudiaba música en el prestigioso CNSMD de Lyon. Tras distanciarse radicalmente de la educación clásica que había estudiado desde niño formó el grupo Mateo Gallion, con el que publicó un disco en 1994 que pasó desapercibido. No obstante, EMI le ofreció un contrato dos años más tarde.

Ha mantenido una fructífera relación profesional con Karen Ann, cuyos dos primeros álbumes ha coescrito y coproducido. El veterano Henri Salvador solicitó la colaboración de los dos jóvenes músicos para el disco que iba a suponer su regreso. Tras el éxito del disco “Chambre avec vue” (2000) muchos otros artistas franceses han buscado su colaboración, incluyendo a Juliette Greco y Françoise Hardy, para los que ha compuesto numerosas canciones.

En 2002 publicó su primer disco en solitario “Rose Kennedy” inspirado en la familia Kennedy y sus trágicas circunstancias, que consiguió unas excelentes críticas dentro y fuera de su país. Desde entonces se ha erigido como una de las figuras fundamentales de la música francesa, estableciendo un nexo entre los grandes de la canción de autor y el pop contemporáneo y confirmándose como uno de los músicos francófonos de mayor proyección internacional. En 2003, publicó su segundo disco “Négatif”, en el que se acercaba al pop anglosajón y a la electrónica. Un año más tarde firmó “Home”, un trabajo junto a su esposa, además de la banda sonora del filme “Clara et Moi”. Ese mismo año publicó “Á L’Origine”, su disco más autobiográfico y rockero, que aunque también recibió muy buenas críticas no logró el éxito comercial de los anteriores. Finalmente, en 2007 editó su último trabajo hasta el momento, “Trash Yeyé”, en el que sin la presión de buscar el éxito inmediato, ha podido componer a sus anchas sin necesidad de grandes medios y que ha supuesto la vuelta del Biolay más luminoso, accesible y sereno.

INTI ILLIMANI: Alturas

2008-10-11T01:54:00.004+02:00

El nombre del grupo es una mezcla de quechua y aimara y significa “Sol del Illimani”, la imponente montaña de casi 6.500 m que domina La Paz. Se formó en 1967 por unos estudiantes de la Universidad Técnica del Estado, actualmente USACH, y rápidamente se constituyó en uno de los grupos emblemáticos de la “Nueva canción chilena” junto con Violeta Parra, Víctor Jara, Illapu y otros. Este movimiento se dedicó a recuperar la música folclórica tradicional chilena y fusionarla con los ritmos latinoamericanos a la vez que en sus letras se imponía la temática social. En 1970, el grupo graba “Canto al Programa”, una musicalización del programa de gobierno del presidente Salvador Allende, realizado como homenaje a su victoria en la campaña presidencial de dicho año.

En 1973, mientras estaban de gira por Europa, el golpe militar de Augusto Pinochet les obligó a fijar su residencia en Italia y permanecer exiliados en dicho país durante 15 años, hasta que en 1988 pudieron volver a Chile al derogarse la prohibición que pesaba sobre ellos, sumándose de inmediato a la campaña por el No a Pinochet en el plebiscito del 5 de octubre de 1988. Durante el largo periodo del exilio además de mantener su actividad musical apoyaron de forma decidida las campañas internacionales para la recuperación de la democracia en Chile. A principios de los años noventa, tomaron parte, junto con Peter Gabriel, Sting y Wynton Marsalis, entre otros, en la gira mundial de conciertos que organizó Amnistía Internacional a favor de los Derechos Humanos, siendo uno de los más destacados el que se realizó en el Estadio Nacional de Santiago, ex-centro de detención y tortura durante la dictadura militar de Pinochet.

A lo largo de sus más de 40 años de trayectoria, por Inti Illimani han pasado más de 20 integrantes que han ido abandonando y reintegrándose en el grupo por causas personales o artísticas. Pero en 2001 deja el grupo Horacio Salinas, director musical durante 33 años, por diferencias sobre el futuro artístico de la banda y en septiembre del mismo año abandona José Seves, una de las voces más características del grupo. En 2004, estos dos últimos junto con Horacio Durán, uno de los fundadores del grupo, forman un grupo autodenominado Inti Illimani Histórico para distinguirlo del Inti Illimani capitaneado por los hermanos Coulon. Desde entonces, se han sucedido abitrajes, pleitos y recursos todavía en curso por el uso del nombre e, incluso, es fácil encontrar a seguidores de ambos grupos expresándose como verdaderos hinchas.

DAARA J: Allah

2008-10-04T01:01:00.005+02:00

Daara J significa "la escuela" en wolof y es el nombre de un trío de rap de Senegal que comenzó en los años 80 como un grupo de bailarines de hip-hop. Como grupo musical nació en 1994 y en 1995 firmaron un contrato con la compañía francesa Declic, con la que grabaron sus primeros dos discos “Daara J” (1997) y “Xalima” (1998), para el que contaron con la colaboración del grupo francés de rap Neg'Marrons y de PATRA, estrella del ragga jamaicano. Desde sus inicios, Daara J ha tenido gran éxito en su país, lo que les permitió profesionalizarse y actuar en Europa, sobre todo en Francia donde también gozan de un gran reconocimiento, y en otros países, incluyendo España. En 2003 publicaron “Boomerang”, su último album hasta la fecha y en el que han colaborado otros artistas como Rokia Traore y Sargento García. El título alude al origen africano del rap, que tras desarrollarse en Estados Unidos, principalmente por afromaericanos, ahora vuele a la tierra de donde surgió.

El grupo hace un rap melódico en el que se mezcla hip-hop y funk con ritmos tradicionales africanos, reggae, o música cubana para crear una mezcla muy contagiosa. Daara J utiliza tanto el wolof, que es la lengua autóctona más importante de Senegal, como el francés o el inglés. Desde sus primeras grabaciones, Daara J se ha caracterizado por un fuerte contenido social, político y espiritual en sus letras, no ocultando los problemas del continente africano y recordando también la historia del pueblo negro: esclavitud, colonización...

ADELE: Hometown glory

2008-09-27T17:59:00.004+02:00

Adele Adkins es una joven cantautora londinense de soul y jazz poseedora de una portentosa voz. En 2006 ingresó en la escuela de artes escénicas Brit School of Performing Arts de Croydon, la misma por la que han pasado Amy Winehouse, Leona Lewis o Kate Nash. Esta escuela, cuyo programa educativo pasa por fomentar y alimentar las inquietudes y capacidades artísticas de sus alumnos, parece haber tenido mucho que ver en el crecimiento musical de Adele. Un mes después de su ingreso ya había publicado dos canciones en internet y empezado una gira por el Reino Unido con otros músicos como Jack Peñate, Jamie T., Devendra Banhart o Keren Ann entre otros.

En 2007 se editó de forma limitada su primer sencillo “Hometown glory”, gracias a su compañero de gira Jamie T, que le introdujo en la compañía discográfica Peacemaker Recordings. Estos primeros temas fueron suficientes para que triunfara a través de su página en MySpace y que el sello independiente XL Recordings lanzara su segundo sencillo “Chasing pavements”, también con éxito de crítica y ventas y consiguiendo que sus canciones se difundieran por las radios además de ser invitada a actuar en diversos programas de televisión.

En la edición de 2008 de los Brit Awards Adele ganó el premio de la crítica especializada y este mismo año se ha publicado su primer album “19” con el que ha conseguido llegar al número uno en ventas en el Reino Unido y tener también bastante éxito en Estados Unidos.

KEVIN JOHANSEN: Desde que te perdí

2008-09-20T00:52:00.009+02:00

Kevin Johansen es un músico argentino nacido en Alaska, hijo de padre norteamericano y madre argentina. Tras el divorcio de sus padres, se trasladó a California con su madre donde pasó su infancia hasta que a los 12 años se dirigió hacia Argentina. Allí comenzó su carrera en la banda de rock “Instrucción Cívica” con la que publicó dos álbumes. En 1990 se trasladó a Nueva York donde permaneció 10 años durante los que conoció a su mujer argentina, tocó en el mítico club CGCB, ya cerrado, y en 2000 fundó el grupo “The Nada” con el que grabó su primer album y que le acompaña desde entonces.

Ya de vuelta en Argentina, en 2002 grabó “Sur o no sur” comercializado en Argentina por Los años luz y en el resto del mundo por Sony y que le proporcionó un gran reconocimiento, participó en la gala de los MTV latinos y triunfó en sus giras por Estados Unidos, México, Chile o Europa. En medio de estas giras pudo grabar su album “City Zen” en 2004, también muy bien recibido por crítica y público.

Finalmente en 2007 publicó su último disco hasta la fecha, “Logo” en el que insiste en su inteligente música des-generada, transcultural y llena de ironía. Aunque parezca mentira no es familia del Piojo López, pero su innegable parecido ha hecho que también se le conozca por el mismo apodo.

ALI FARKA TOURÉ: Diaraby

2008-09-13T18:40:00.006+02:00

Ali Ibrahim "Farka" Touré nació en 1939 en una aldea musulmana en la región noroccidental de Tombuctú. Fue el décimo hijo de sus padres, pero el único que logró sobrevivir pasada la infancia. Su apodo, "Farka", significa "asno", animal admirado por su tenacidad. Su padre murió en combate durante la Segunda Guerra Mundial sirviendo en el ejécito francés y la familia se mudó a Niafunké, poblado que Ali consideró su hogar durante el resto de su vida. En estas circunstancias, Ali apenas pudo ir a la escuela y tuvo que dedicarse en su infancia a las labores del campo. Sin embargo, siempre manifestó un gran interés por la música, especialmente por instrumentos tradidicionales malienses como el gurkel (pequeña guitarra), el violín njarka, la flauta peul o el ngoni (laúd de 4 cuerdas), que pronto llegó a dominar. Pero en 1956 quedó muy impresionado cuando vio actuar al guitarrista Keita Fodeba y se decantó definitivamente por la guitarra como instrumento.

En 1960 Malí consiguió la independencia y el gobierno comenzó a promover la música y la cultura tradicional, Ali formó parte de un grupo de música y danzas concido como La Troupe 117. Durante los años 70 se instaló en Bamako, donde trabajó como ingeniero de sonido para Radio Malí lo que le permitió poder escuchar mucha música occidental, sobre todo blues al que encontraba grandes afinidades con la música africana. En esta época publicó su primer disco, “Farka” (1976), uno de los primeros discos comerciales de la música malienese. Internacionalmente fue conocido a partir de la publicación de su álbum “Ali Farka Touré” (1987) que tuvo éxito en todo el mundo y le propició colaborar con músicos occidentales como Taj Mahal y Ry Cooder, con el que publicó en 1994 el disco “Talking Timbuktu”, también con gran éxito y que fue galardonado con un premio Grammy.

El éxito internacional le permitió realizar extensas giras por Europa, Estados Unidos, Canadá y Japón. Sin embargo, nunca se trasladó de su rancho en Niafunké y siempre consideró que su principal papel en la vida era cuidar de sus tierras y estar con su familia. Ali estaba tan involucrado en proyectos encaminados a mejorar la situación agrícola en la región de Niafunké que fue elegido alcalde en 2004. Con su propio dinero asfaltó carreteras, construyó varios canales y puso en marcha un generador para proporcionar electricidad al pueblo. En septiembre de 2005 publicó en colaboración con Toumani Diabaté el álbum “In The Heart Of The Moon” por el que obtuvo su segundo premio Grammy. Unas semanas después de ganar este premio y de aprobar la mezcla final del álbum “Savane” Ali sucumbió a un cáncer óseo que sufrió durante dos años. El gobierno de Malí le confirió una medalla de honor póstuma y se le hizo un funeral de Estado al que asistió el gobierno en pleno, los principales músicos de Malí y miles de personas más. La cobertura mundial de los medios a raíz de su muerte no tuvo precedentes para músico africano alguno.

JENS LEKMAN: Pocketful of money

2008-09-05T23:35:00.007+02:00

Jens Lekman comenzó su carrera grabando sus canciones de forma artesanal. En un principio empezó a ser conocido como Rocky Dennis (el personaje deforme, inteligente y sensible de la película “Mask”, dirigida por Peter Bognadovich en 1985) debido a que una de sus primeras canciones, cantada en primer persona, se titulaba "Rocky Dennis' farewell song to the blind girl". En el año 2003 editó de forma independiente un EP titulado “Maple leaves” en forma de vinilo, con gran éxito en Suecia gracias sobre todo a su difusión por internet. El disco fue lanzado posteriormente por una discográfica independiente en Suecia en formato CD y le permitió firmar un contrato con Secretly Canadian Records para editar sus discos fuera de Suecia.

Su primer álbum “When I said I wanted to be your dog” fue lanzado en el año 2004 e incluyó algunos temas de sus primeras grabaciones. Tuvo gran éxito y múltiples premios en Suecia y también fue bastante escuchado en ambientes alternativos de todo el mundo. En 2005 lanzó una compilación de sus tres EP y algunos temas extras bajo el título "Oh you're so silent, Jens". Su último álbum “Night over Kortedala” (el barrio de la ciudad de Goteborg donde se encuentra su estudio y que el propio Lekman ha definido como un sitio deprimente, donde las luces se apagan a las 21:00) fue lanzado en 2007 y ha supuesto su consolidación internacional. Sus composiciones normalmente están basadas en su guitarra u otro instrumento de cuerda acompañadas de samples y con letras que narran vivencias personales y rebosan de nostalgia, romanticismo y un especial sentido del humor.

CARLOS MEJÍA GODOY Y LOS DE LA PALACAGÜINA: Nicaragua Nicaragüita

2008-08-30T02:29:00.007+02:00

Carlos Mejía Godoy es un cantante y compositor de folclore nicaragüense conocido también por su compromiso político y social. Comenzó a hacerse popular en la década de los 60 del siglo XX con canciones de temática social y en las que manifestaba su acercamiento al movimiento revolucionario del Frente Sandinista de Liberación Nacional (FSLN). Este movimiento, fundado en 1961 y que tomó el nombre del líder nicaragüense Augusto C. Sandino que emprendió una guerra de guerrillas contra la intervención estadounidense durante las primeras décadas del siglo XX, lideró la lucha armada contra la dictadura de la familia Somoza que permanecía en el poder desde el asesinato de Sandino en 1934.

Carlos Mejía Godoy junto con su grupo “Los de Palacagüina” pasó una amplia temporada en España donde hizo de embajador de la lucha de Nicaragua por su libertad y dio a conocer las canciones populares nicaragüenses con enorme éxito. En 1979 la revolución sandinista logró el derrocamiento de Anastasio Somoza Debayle y Carlos Mejía Godoy volvió a su país para participar activamente como dinamizador cultural en el nuevo régimen creando canciones patrióticas, himnos del FSLN y cánticos para la Cruzada Nacional de Alfabetización. Su relación con el Frente Sandinista de Liberación Nacional llega hasta la composición del propio himno del FSLN. Sin embargo, en los últimos años, decepcionado por la deriva que marca la familia Ortega, Carlos Mejía Godoy se ha enfrentado a los actuales dirigentes del FSLN, llegando a presentarse en 2006 como candidato a la vicepresidencia de Nicaragua por el Movimiento Renovador Sandinista y prohibiendo que sus canciones se utilicen en los actos públicos del Gobierno, a lo que el FSLN ha respondido advirtiendo que toda su obra podría ser declarada “patrimonio cultural de la nación”.

Además de músico y compositor, Carlos Mejía Godoy se ha dedicado a la investigación y estudio del folclor nicaragüense, recogiendo y divulgando viejas canciones campesinas. Fundó, después del terrible terremoto del 1972, el "Taller de Sonido Popular" y como integrante de la "Brigada de Salvación del Canto Nacional" siguió la senda del rescate de muchas piezas folclóricas. En 1997, junto con su hermano Luis, también músico, creó la “Fundación Mejía Godoy” para el desarrollo cultural y “La casona de los Mejía Godoy”, que es un importante centro del arte y cultura nicaragüense.

BOUBACAR TRAORÉ: Kayes-Ba

2008-08-23T01:21:00.008+02:00

La actual república de Malí fue colonia francesa desde 1895 hasta 1960 cuando junto con Senegal formó la Federación de Malí, que proclamó su independencia el 20 de junio de 1960. Sin embargo, esta federación estalló apenas tres meses más tarde y la república de Malí se proclamó independiente el 22 de septiembre de 1960. En aquellos momentos Boubacar Traoré era un joven guitarrista y compositor autodidacta que se convirtió en símbolo de la reciente independencia, haciéndose muy populares algunas de sus canciones. Sin embargo, no editó discos ni cobró derechos por la emisión de sus canciones por la radio así que no pudo dedicarse a la música y tuvo que buscarse diversos trabajos para sobrevivir.

Durante años permaneció prácticamente desaparecido hasta que en 1987 fue “redescubierto” gracias a un reportaje en televisión y regresó a los escenarios. Sin embargo, poco después falleció su esposa y, desolado, se trasladó a Francia para trabajar en la construcción a fin de poder mantener a sus seis hijos. Afortunadamente, un productor británico descubrió una cinta con grabaciones antiguas suyas en la radio y tras localizarle, finalmente consiguió que pudiera publicar su primer disco, “Mariama”, en 1990. Desde entonces, Traoré ha publicado siete discos más, ha gozado de popularidad internacional y ha realizado conciertos por Europa, África y América del Norte. En 2001, su historia fue llevada al cine a través de la película documental “Je chanterai pour toi”, que fue publicada en DVD en 2005.

Su estilo único se caracteriza por su voz melancólica y las influencias del blues americano y el kassonké, un estilo de música tradicional de su región. Se le conoce por el apodo de "Kar Kar" (“el que dribla mucho” en bambara) por sus dotes futbolísticas en su juventud.

LORENZO JOVANOTTI: Mi fido di te

2008-08-15T21:46:00.007+02:00

El verdadero nombre de este cantante y compositor italiano es Lorenzo Cherubini. A lo largo de 20 años de carrera, su música ha ido evolucionando y enriqueciéndose recogiendo influencias del rap, el funk, el pop melódico, la electrónica o la música con influencias étnicas hasta llegar a obtener un estilo personal. Después de diplomarse en Ciencias comenzó a trabajar como DJ en discotecas y locales nocturnos lo que le permitió acceder a la radio y grabar sus primeros trabajos musicales, todavía influenciados por el sonido discotequero. En 2001 y con la ayuda de Quimi Portet, Jorge Drexler y, sobre todo, Pau Donés intentó introducirse en el mercado español con el recopilatorio "Pasaporte" aunque no obtuvo demasiado éxito.

Desde 1994 dispone de su propia productora “Soleluna” en la que además de sus propios trabajos publica los proyectos en solitario de los miembros habituales de su grupo. Además ha publicado varios libros y ha expuesto su obra pictórica. A la par que su música ha ido recogiendo influencias de otras culturas, las letras de sus canciones han ido adaptándose a un compromiso social y político cada vez más intenso. Ha realizado actuaciones especiales para promover la cancelación de la deuda de los países del Tercer Mundo, ha publicado constantes artículos de denuncia política en su web y en los principales diarios italianos y ha editado singles como “Cuore” escrito con ocasión del trágico asesinato del juez Giovanni Falcone, famoso por su lucha contra la mafia.

La canción “Mi fido di te” pertenece al álbum “Buon Sangue” editado en 2005 y que fue utilizada en las elecciones generales italianas de 2008 como himno electoral por el candidato de la izquierda Walter Veltroni que se enfrentaba a la coalición de derecha y ultraderecha formada por Berlusconi, Bossi y Fini y que finalizó con el resultado por todos conocido.

ANTONY AND THE JOHNSONS: Cripple and the starfish

2008-08-08T10:05:00.006+02:00

La potente personalidad de Antony Hegarty marca todo el carácter del grupo. Este cantante y pianista de extraño aspecto y voz increíble es el líder y compositor de todas las canciones, actuando The Johnsons en la práctica como su banda de acompañamiento. Antony nació en el Reino Unido, pero siendo niño sus padres se trasladaron a Amsterdam en primer lugar y después a California, donde llegó a los 10 años. Se trasladó a Nueva York para estudiar teatro experimental en la Universidad de Nueva York y fue allí donde empezó su aventura musical.

Su primer album, denominado como el propio grupo, se publicó en 1998. En 2001 grabaron un EP titulado “I fell in love with a dead boy” que llegó a oídos de Lou Reed y reclutó a Antony para colaborar en su álbum “The Raven”. Recíprocamente, Lou Reed colaboró en el siguiente EP del grupo, titulado The Lake (2004). Su segundo álbum, “I am a bird now”, se editó en 2005 consiguiendo un gran éxito de crítica que colaboró a que también alcanzara un apreciable éxito comercial. Recibió el prestigioso Mercury Prize y fue nombrado mejor disco del año por la publicación británica Mojo. En el disco colabora nuevamente Lou Reed, además de Rufus Wainwright, Devendra Banhart y el ídolo de adolescencia de Antony, Boy George, con el que interpreta a dúo la canción “You are my sister”.

El video corresponde a una interpretación en la localidad sueca de Malmö en 2005 de la canción “Cripple and the starfish” incluida en su primer disco. Creo que algunas de las canciones de este grupo se encuentran entre las más tristes que he oído nunca. En muchos casos las letras se caracterizan por tratar diversos aspectos de la vida transexual, ya que Antony se considera como tal. En “For today I'm a boy”, por ejemplo, un niño sueña con hacerse mayor para poder convertirse en mujer.

CHEIKH LÔ: Sou

2008-08-01T18:45:00.006+02:00

Aunque sus padres eran senegaleses Cheikh Lô nació en Burkina Faso. Siendo muy joven formó parte de la Orquesta Volta Jazz que combinaba ritmos cubanos y congoleños además de hacer versiones de canciones tradicionales de Burkina Faso. En 1978 se trasladó a Senegal donde tocó con varias bandas mbalax y en 1987 se fue a París a grabar un disco. Sin embargo, la banda se separó y durante dos años se dedicó a trabajar como músico de estudio. En 1990 graba en Dakar “Doxandeme” (Inmigrantes) su primer trabajo, que sólo se publicó en cassette. A pesar de la precariedad del sonido el álbum tuvo éxito y le brindó la oportunidad de conocer a Youssou N’Dour que produjo su primer disco “Ne La Thiass” en 1996 y que fue lanzado al año siguiente al mercado internacional por World Circuit. Desde entonces ha publicado "Bambay Gueej" en 1999 y "Lamp Fall" en 2005.

Su música es personal, contemporánea y profundamente espiritual. Cheikh Lô es musulmán y miembro de la hermandad Baye Fall, una variante senegalesa del islam que forma parte de la hermandad islámica Mouride, que surgió a finales del siglo XIX de la lucha nacionalista entre los senegaleses y sus colonizadores franceses. Esta variante del islam hace hincapié en el trabajo y en la dedicación a su fundador Cheikh Ibra Fall. Actualmente la hermandad es responsable de hasta el 80% de la vida empresarial de Senegal. Aunque pueda parecer un músico reggae, en realidad su aspecto es consecuencia también de su pertenencia a esta hermandad musulmana ya que el estilo de ropa de retazos y las largas trenzas enmarañadas son características de este culto.

Como ocurre con frecuencia con muchos músicos africanos, no ha sido fácil encontrar un video con una calidad aceptable así que he añadido una grabación con foto fija del tema “Sou” grabado en Salvador de Bahia y que está incluido en su estupendo disco “Lamp fall”, que al menos se oye bien que es lo más importante y permite apreciar la calidad de este músico extraordinario. En este tema, Lô ha hecho una adaptación de una canción muy popular durante su juventud que trata sobre el momento profundo de la noche en que los pensamientos se dedican al amor.

KIKO VENENO: Bilonguis

2008-07-25T20:48:00.007+02:00

Kiko Veneno es el catalán más flamenco de la historia, aunque lo cierto es que nació en Girona pero creció en Cádiz y desde hace muchos años reside en Sevilla. Estudió Filosofía y Letras y al acabar la carrera se hizo hippy y se dedicó a viajar por Europa y Estados Unidos. En California participó de los ambientes contraculturales de la época pero también allí redescubrió el flamenco gracias a Agustín Ríos, un gitano de Morón que daba clases y recitales de guitarra. A la vuelta, convenientemente aleccionado, viajó a Morón, vivió una fiesta flamenca y se le cambiaron los esquemas musicales para siempre, se introdujo en ambientes flamencos y gitanos y conoció a los hermanos Amador junto con los que formó en 1975 el grupo “Veneno”.

Ha participado en “La historia del tiempo” de Camarón, uno de los discos más importantes de la historia del flamenco, y el disco “Veneno” con su grupo del mismo nombre, ha sido reconocido en los últimos años por las revistas especializadas Efeeme y Rockdelux como el mejor disco de la historia del pop español. Sin embargo, Kiko Veneno ha arrastrado durante años una fama de malditismo que ha hecho que sus discos no hayan tenido el éxito comercial que correspondía a su valía y que haya tenido que ganarse la vida trabajando en un chiringuito en la playa de Conil, con la venta callejera, en una imprenta, haciendo trabajos estadísticos o como programador cultural en la Diputación de Sevilla. Todo esto cambió definitivamente con la publicación de su disco “Échate un cantecito” (1992) y la posterior gira conjunta con Santiago Auserón, que hicieron que definitivamente pudiera dedicarse a la música de forma profesional.

El video corresponde a la canción “Bilonguis” incluida en su estupendo disco “El hombre invisible” producido y editado por él mismo en 2005 tras romper con su antigua compañía discográfica. Por cierto, “bilonguis” viene de “personal belongings" (pertenencias personales).

THE HOT 8 BRASS BAND: Rock with the Hot 8

2008-07-18T23:17:00.008+02:00

Una banda de metales o “Brass band” es una formación que utiliza fundamentalmente instrumentos de metal. Existen grupos de este tipo en muchas partes del mundo, incluso las bandas de cualquier pueblo de Valencia pueden incluirse en esta clasificación. En Nueva Orleans tradicionalmente existían formaciones musicales militares que evolucionaron incorporando elementos de música militar europea, música con raíces africanas traída por los esclavos de África Occidental y elementos de la música popular de la zona: blues, gospel, ragtime … pasando a dedicarse a amenizar fiestas y funerales (como muestra de respeto) y adquiriendo un estilo propio.

Entre 1970 y 1980, estas bandas experimentaron un renacimiento al actualizar su repertorio y añadir elementos de funk y hip-hop. Actualmente debe haber cientos de bandas de este tipo en la ciudad. The Hot 8 Brass Band es una de estas bandas, sus miembros han nacido todos en Nueva Orleanas y varios de ellos son amigos desde el instituto. En 1995 empezaron a actuar profesionalmente y, aunque no es de las más conocidas, ha realizado giras por Europa (España incluida) y Japón. Tras la devastación producida por el huracán Katrina en 2005, los miembros del grupo crearon el proyecto “Save our brass” con el fin de revitalizar la música de las “brass bands” y mantener viva la tradición cultural de Nueva Orleans.

El video corresponde a una actuación en Paris del grupo interpretando una versión del tema "Who am I? (What’s my name?)" del rapero Snoop Dogg. Pues eso, más música y menos CO2. ;)

K'NAAN: Soobax

2008-07-11T23:50:00.005+02:00

K'naan, que significa “el viajero”, es un poeta y cantante de hip hop con pasaporte canadiense, a donde llegó como refugiado, orgulloso de su origen somalí como se refleja en las letras de sus canciones. A pesar de vivir en Canadá desde niño es uno de los raperos más reconocidos en África. En 2001 se presentó en Ginebra en el 50 aniversario del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR) para criticar la actuación de la ONU durante la crisis de Somalia en los años 90. Uno de los asistentes era Youssou n'Dour que quedó impresionado por su actuación y le invitó a participar en el álbum “Building Brigdes” producido por ACNUR con la colaboración de músicos africanos refugiados.

Su primer álbum “The dusty foot philosopher” fue lanzado en 2005. Ese mismo año se presentó juntó a DobaCaracol en el concierto de Live 8 en la ciudad de Toronto. En este disco está incluida la canción “Soobax” a la que K’naan se ha referido como "el himno de la revolución que esta ocurriendo en mi país en este momento". A pesar de que tuvo cierta repercusión ya que está incluida en la banda sonora del videojuego FIFA 06, la verdad es que no entiendo cómo es que no se convirtió en un éxito mundial y en un politono líder en descargas. Para la grabación del video K’naan volvió a África pero por razones de seguridad tuvo que ser rodado en Kenya.

ESBJÖRN SVENSSON TRIO: Goldhearted Miner

2008-07-05T00:08:00.008+02:00

El pasado 15 de junio falleció Esbjörn Svensson a los 44 años mientras practicaba buceo. Este pianista sueco daba nombre al innovador grupo Esbjörn Svensson Trio (también conocido como E.S.T.). Aunque formalmente ha sido definido como un grupo de jazz, su música y sus actuaciones les hicieron cercanos al pop, al rock, al funk y, cada vez más, a la música electrónica, aunque también a la música clásica y new age. El grupo fue formado en los años 90 por Esbjörn Svensson, su amigo el batería Magnus Öström y el contrabajista Dan Berglund, mostrando desde sus inicios influencias del pop y el rock en su música.

Su primer disco publicado fuera de Escandinavia fue “From Gagarin´s point of view” que se editó en 1999 y supuso el comienzo de una larga lista de premios y actuaciones en festivales de jazz de toda Europa. En 2002 el lanzamiento de “Strange place for snow”, que formó parte de la banda sonora de la película francesa “Dans ma peau”, fue acompañado de gran éxito y numerosos premios y dio lugar a una gira de nueve meses por diversas ciudades europeas, Estados Unidos y Japón. Con los siguientes discos “Seven days of falling” (2003), “Viaticum” (2005) y “Tuesday Wonderland” (2006) continuó el creciente éxito del grupo, llegando a ser la primera banda europea de jazz en ocupar la portada de la prestigiosa revista estadounidense “Downbeat jazz magacine”. Para septiembre está previsto el lanzamiento de su duodécimo disco “Leucocyte”.

COCOROSIE: Hairnet paradise

2008-06-27T22:10:00.006+02:00

Bianca y Sierra Casady son dos hermanas nacidas en Estados Unidos que crecieron separadas. Se reunieron en 2003 en Paris y formaron el grupo CocoRosie tomando como nombre artístico la unión de los nombres por los que su madre les llamaba de niñas. Sierra toca la guitarra y la flauta mientras que Bianca se encarga de las percusiones. Se caracterizan por el uso de la voz rasgada y despreocupada de Bianca y la incorporación de sonidos de objetos y juguetes infantiles. Hacen una música original y por momentos sorprendente que aunque es difícil de clasificar se intenta definir como indie rock mezclado con folk pop, electrónica casera y hip hop y que, en ocasiones, puede recordar a Björk.

Su primer disco “La maison de mon rêve” se publicó 2004 y fue una sorpresa, en 2005 publicaron “Noah’s ark” con el que consiguieron una gran repercusión mundial y en 2007 se editó “The adventures of Ghosthorse and Stillborn”. “Hairnet Paradise” no es una de sus canciones más conocidas y, de hecho, creo que no está publicada en ninguno de sus tres discos pero el video, que está grabado de forma artesanal en su propio apartamento en Paris, es un buen ejemplo de su música.

ALPHA BLONDY: Cocody rock

2008-06-20T21:48:00.005+02:00

Nacido en Costa de Marfil, Alpha Blondy, cuyo verdadero nombre es Seydou Koné, es un veterano músico de reggae con más de 20 años de carrera y 17 discos publicados. Muy popular en África occidental y con una importante proyección internacional, utiliza indistintamente el inglés, el francés y diversos dialectos africanos e incluso el árabe o el hebreo. Muchas de las letras de sus canciones son mensajes que tratan de la pobreza, la segregación, la violencia policial, la búsqueda de la paz o la unidad africana

Su nombre se lo debe a su abuela que, debido a su rebeldía de joven, le puso el apodo "Blondy", como consecuencia de su peculiar pronunciación de "bandit". Ya como músico profesional añadió la primera letra del alfabeto griego, dándole a su nombre el significado de "primer bandido".

“Cocody Rock” es la canción que da nombre a su segundo álbum, grabado en Paris en 1984 excepto el tema principal que se grabó en Kingston con la banda de Marley, The Wailers. El disco se mezcló en Londres donde se empezó a hablar de él como el Bob Marley de Costa de Marfil. El video corresponde a un concierto en Alemania en 2002 acompañado de su banda “The Solar System”, formada por 12 músicos procedentes de África, Jamaica y Europa y que le da su original acento multicultural.

ANTÒNIA FONT: Wa yeah!

2008-06-13T19:35:00.007+02:00

Me da la impresión de que Antònia Font sigue siendo un grupo muy poco conocido fuera del área de influencia de la música cantada en catalán. Sin embargo, es un grupo con más de 10 años de experiencia y una sólida carrera basada en seis discos. El último de ellos es un recopilatorio con versiones sinfónicas de sus mejores temas grabado con la Orquesta de Bratislava. Aunque manifiestan que al componer las canciones no tienen prejuicios de estilo puede considerarse que practican un pop espontáneo, fresco y emocional.

El compositor y letrista del grupo es Joan Miquel Oliver, que a su vez es el guitarrista y que también ha editado discos en solitario y compone para otros grupos. Además ha publicado una novela y un libro de poemas. Los temas tratados en las canciones de Antònia Font son originales para un grupo pop. En sus letras son frecuentes las referencias al espacio, la astronomía, la astronáutica o la robótica, a menudo como un juego entre estos temas y los más próximos y cotidianos.

“Wa yeah” está incluida en su disco “Batiscafo Katiuscas” publicado en 2006. Este disco según el propio grupo es un trabajo autobiográfico, un viaje introvertido e íntimo hacia las entrañas del ser, después de otros discos más ambiciosos y complejos. Musicalmente también representa un acercamiento nostálgico a la música de los años 80 y a la música electrónica básica. El video de la canción, coherente con este espíritu, puede considerarse un tanto “kitsch” y recordar la estética de Devo o El aviador Dro.

ANDY PALACIO & THE GARIFUNA COLLECTIVE: Wátina

2008-06-06T20:14:00.005+02:00

En 1635 dos barcos negreros españoles naufragaron frente a la isla caribeña de Saint Vincent y los africanos supervivientes se mezclaron con indios caribes. Los garífunas son los descendientes de aquellos hombres y mujeres que, diezmados y expulsados por los ingleses, tuvieron que refugiarse en la costa atlántica de América Central. Hoy son alrededor de 250.000 repartidos entre Nicaragua, Honduras, Guatemala y Belice. Ante el riesgo de extinción de esta cultura, la UNESCO declaró en 2001 su lengua, danza y música Patrimonio oral e inmaterial de la humanidad. Andy Palacio fue también nombrado Artista por la paz y ejerció de embajador cultual de su país, Belice, y de la cultura garífuna.

Inicialmente Andy Palacio se dedicó al “Punta Rock”, una versión electrónica y bailable de la “Punta”, considerada la música folklórica tradicional garífuna. Después de unos años de éxito en su país conoció al productor Iván Durán, un músico de Belice que llevaba más de 10 años investigando en las raíces de la música garífuna y decidió dar un giro a su carrera, comenzando a componer temas con sonidos más étnicos al tiempo que sus textos pasaban a describir momentos vitales o pequeñas historias de personas reales.

“Wátina” se publicó en 2007 y fue uno de los discos mejor valorados ese año por la crítica especializada. Yo me compré este CD apenas un mes antes de que Andy Palacio muriera en enero de este año de forma repentina a los 47 años a causa de un infarto cerebral, justo cuando mayor era su reconocimiento mundial.

YOUSSOU N'DOUR: Set

2008-05-31T19:47:00.008+02:00

Creo que Youssou N'Dour es el músico africano más conocido, ha actuado por todo el mundo colaborando con estrellas de la música pop como Peter Gabriel, Sting, Wyclef Jean, Paul Simon, Bruce Springsteen o Tracy Chapman, participado en conciertos a favor de Amnistía Internacional, la ONU y UNICEF y junto con Bono y Bob Geldof se reúne regularmente con los líderes de los países industrializados haciéndoles ver la necesidad de una redistribución de la riqueza a favor de las gentes que viven en los países menos desarrollados. Tanto por su música como por su compromiso con asuntos sociales y culturales es todo un ídolo en su país, Senegal.

Su música parte de la música popular del país, el mbalax, mezcla del estilo de los tradicionales griot o narradores de cuentos con ritmos afrocubanos, danzas senegalesas, cánticos religiosos sufíes musulmanes y la influencia del jazz y el rock norteamericanos. Su canción “7 seconds” cantada a dúo con Neneh Cherry fue un éxito global en 1994 y en 2005 recibió un Premio Grammy por su álbum Egypt.

El video corresponde a una estupenda versión en directo de la canción "Set" que tocó junto con su banda, la Super Étoile de Dakar, en el concierto Africa Calling que se celebró en el Reino Unido en 2005 y que coordinó el propio Youssou N’Dour junto con Peter Gabriel como complemento puramente africano de los conciertos Live 8 que pretendieron concienciar sobre la pobreza en África.

FACTO DELAFÉ Y LAS FLORES AZULES: Mar, el poder del mar

2008-05-24T14:04:00.006+02:00

Ésta es su canción más conocida y está incluida en su primer CD “El monstruo de las Ramblas” de 2004, reeditado en 2007 para incluir tres canciones de la banda sonora de la película “Yo soy la Juani” de Bigas Luna. Aunque ya entonces tuvo repercusión y “El monstruo de las Ramblas” fue considerada la mejor maqueta de 2004 para el programa Disco Grande" de RNE Radio 3, lo cierto es que este año ha conseguido llegar a un público mayor, que espero también hayan notado en las ventas, al ser utilizado para la campaña de primavera El Corte Inglés.

El grupo está formado por tres componentes procedentes de otros grupos, Marc Barrachina de Songstone, Oscar Daniello de Mishima y Helena Miquel vocalista de Élena, que se incorpora definitivamente al grupo en el 2004 tras haber colaborado en esta canción.

Este sencillo pero original videoclip fue ganador del concurso Diba en Barcelona en mayo de 2006, quedó segundo en la lista de la revista Rockdelux de clips nacionales en 2005 y fue finalista en el Concurso Nacional de video-clips, ZonaZine, integrado en el Festival de Cine Español de Málaga.

SEU JORGE: Life on mars?

2008-05-17T23:41:00.005+02:00

Seu Jorge nació en una favela en la ciudad de Belford Roxo en el Estado de Rio de Janeiro y según leí en una reciente entrevista ha tenido una vida difícil, llegando a vivir en las calles de Rio durante un tiempo y desempeñando trabajos diversos. Su vida cambió cuando Marcelo Yuka, compositor del grupo F.U.R.T.O., le vio cantando en la calle. Además, pasó una prueba con la compañía de Teatro de la Universidad del Estado de Rio de Janeiro y actuó en más de 20 obras. Creó la banda Farofa Carioca, que mezclaba samba, jongo, reggae, funk, rap, circo y danza y en 1998 tuvo su primera realización profesional, el CD "Moro no Brasil", que tuvo distribución en Brasil, Portugal y Japón. En 2001 fue lanzado "Samba Esporte Fino", un álbum pop influenciado por Jorge Ben Jor, Gilberto Gil, y Milton Nascimento, que fue lanzado fuera de Brasil bajo el nombre "Carolina" en 2003. Tres años después de su primer CD lanzó en Brasil el DVD "MTV apresenta Seu Jorge", grabado en vivo y en Europa su segundo disco "Cru", que fue aclamado por la crítica.

Gracias a su participación como actor en la película "Cidade de Deus", alcanzó reconocimiento internacional y Wes Anderson le llamó para actuar en "The Life Aquatic with Steve Zissou", para la que también se encargó de hacer versiones en portugués de varias canciones de David Bowie para la banda sonora, entre ellas "Life on mars?", de la que adjunto el enlace y, que me perdonen los puristas, casi me gusta más que el original.